HOMO LUDENS/ЧЕЛОВЕК ИГРАЮЩИЙ* 16 +

15 декабря 2013 – 28 февраля 2014, ВХОД СВОБОДНЫЙ

ПОСЛЕ ИЗГНАНИЯ ИЗ РАЯ ЧЕЛОВЕК ЖИВЕТ ИГРАЯ / Лев Лосев**

15 декабря в Центре современного искусства ЗАРЯ откроется выставка HOMO LUDENS/ЧЕЛОВЕК ИГРАЮЩИЙ, посвященная проблематике компьютерных игр, электронных игровых технологий и виртуальной реальности. В состав экспозиции войдет игровая электроника 8-ми поколений – от Odyssey Magnavox, Pong Atari, Channel F Fairchild и советской игры «Ну, погоди!»… до новейшей консоли PlayStation 4, вышедшей в США в середине ноября 2013. До конца февраля у посетителей выставки будет возможность увидеть и испытать больше 30 культовых игровых консолей, узнать интересные факты о видеоиграх, познакомиться с работами современных российских художников – Полины Канис (Санкт-Петербург), Ростана Тавасиева (Москва), арт-группы «ЧРеВо» (Красноярск), Анны Парменовой (Владивосток), вдохновленных компьютерной графикой, online-мифологией и этической проблематикой виртуальной реальности.

В черные годы Европы, время расцвета фашистских режимов, Йохан Хёйзинга в числе других неогуманистов - известных философов, культурологов, писателей, таких как Герман Гессе, Хосе Ортега-и-Гассет, Томас Манн, - предпринял попытку выявить, исследовать и описать универсальный элемент культуры, способный сохранить в человеке «человеческое», выступить серьезным противовесом варварству и ложной системе ценностей, пропагандируемой идеологами нацизма. Таким элементом Хёйзинга провозгласил ИГРУ – универсальное для любых культур примиряющее пространство, которое предлагает каждому участнику равные шансы на успех и возможность свободного выбора в рамках общих правил, не подлежащих сомнению или оценке.

Фашистский режим очень широко использовал игровые формы - факельные шествия и многотысячные митинги, награды и знаки отличия, парады и марши, спортивные состязания и юно-шеские союзы с многоуровневой иерархией. Приметы угрожающего разложения и утраты подлинных игровых форм, основа которых - принцип честности и конечности, побудили Хёйзинга опубликовать работу «HOMO LUDENS. Опыт определения игрового элемента культуры» в 1938 году. Книга стала протестом против лживой игры и ее использования в антигуманных целях.

Хёйзинга возвращает нас к самоценности «настоящей» игры, которая лежит вне различения мудрость-глупость, вне противопоставления правда-неправда, вне пары добро-зло. В игре нет ни добродетели, ни греха – это способ разрядки жизненной энергии, вид отдыха, тренировка перед серьезным делом, упражнение в принятии решений, реализация стремлений к состязанию, соперничеству, личной инициативе.

Предчувствуя тенденцию инфантилизации культуры и социума («омоложения» поведенческих моделей), Хёйзинга провозгласил ценность «настоящей» и опасность «ложной» игры как деятельности, моделирующей личность. Компьютерные игры многократно усилили и ускорили описанные им эффекты, «украли» несколько поколений у реальности или спасли общество нового времени от молодежных бунтов?

Новейшие исследования подтверждают эффективность видеоигр в деле развития скорости реакции, стратегического целеполагания и даже профилактики шизофрении, но – при длительности игры не больше 30 минут в день. Тем временем, тысячи геймеров, переживающих зависимость от виртуальной реальности, мечтают о новом игровом пространстве, время нахождения в котором будет прямо пропорционально количеству полезных дел в реале – походов в спортзал, часов, проведенных за учебниками иностранных языков или на работе.

Выставка HOMO LUDENS – ретроспективный взгляд на индустрию компьютерных игр, предметная среда для вашего персонального исследования игровых технологий и их влияния на современную культуру, искусство и поведение людей.

Спустя всего 30 лет с момента публикации Homo Ludens Хейзинга сформировалась индустрия интерактивных развлечений – отдельный сектор экономики, связанный с разработкой, продвижением и продажей компьютерных игр. Сегодня в этой сфере заняты тысячи человек по всему миру – представители универсальных для многих отраслей бизнеса профессий и узкопрофильные специалисты: игровые программисты, игровые дизайнеры, дизайнеры уровней, игровые продюсеры, игровые художники и тестеры игр. Они открывают геймеру окно в другой мир, безустанно совершенствуют пространство игры и навыки электронных соперников, дарят игроку несколько жизней, суперспособности, бонусные очки и шире – возможность конструирования лучшего себя.

Уже в середине 90-х суммарный объем продаж продуктов игровой индустрии опередил кинорынок, публикации о выходе новых видеоигр стали походить на отчеты о премьерах голливудских блокбастеров. В 2012 году компания Microsoft оценила оборот мировой индустрии компьютерных игр в 65 миллиардов долларов, а прогноз роста этого сектора – 7% в год. Этот показатель выведет его в самый быстрорастущий сегмент рынка развлечений. Таким ожиданиям отвечает тенденция «взросления» геймеров – вопреки мифам, их средний возраст в США, по результатам исследований ESA***в 2013 году, составляет 30 лет; только 32% геймеров моложе 18, 32% принадлежат к категории 18-35, а 36% - в группе 36+ (!), по признаку пола пока лидируют мужчины, но только на 10%.

а в 2011 Правительство США и американский Национальный фонд официально признали компьютерные игры отдельным видом искусства. С этого момента разработчики, наравне с представителями кинематографа, музыки, живописи и литературы, получили право рассчитывать на государственные гранты в размере от 10 до 200 тысяч долларов. Эта финансовая поддержка дала возможность независимым специалистам и компаниям претворять в жизнь интересные новаторские идеи.

24 апреля 2002 года в Риме открылась первая в Европе музейная выставка, посвященная компьютерным играм, Play: the World of Video Games. За 2 месяца Palazzo delle Esposizioni посетили 60 000 человек. Через несколько дней в лондонской галерее Barbican стартовал проект Game On, в 2010-м последовал не менее популярный апдейт - Game On 2.0… В течение последнего десятилетия выставки компьютерных игр проходили в крупнейших музеях мира - нью-йоркском МоМА (Video Games, 2012) музее Смитсониан/Smithsonian American Art Museum в Вашингтоне (The Art of Video Games, 2012), Большом дворце изящных искусств/Grand Palais в Париже (Game Story, 2011-12) и многих других.

Музей МОМА включил 14 видеоигр в свою коллекцию, в их числе Pac-Man (1980), Tetris (1984), Myst (1993), The Sims (2000), flOw (2006), Passage (2008), Canabalt (2009). Теоретики искусства рассматривают видеоигры сразу с нескольких позиций - как предмет дизайна или видеоарта, устойчивое явление массовой культуры или образец интерактивного искусства, созданного для взаимодействия с аудиторией. Как и любой утилитарный объект – стадион, чайник или обертка для конфеты – видеоигра не задумывалась как предмет искусства и с функциональной точки зрения выполняет конкретные задачи – развлечения и развития определенных физических и психических качеств (внимания, памяти, координации). При этом, историки искусства, по прошествии определенного периода, совершенно заслуженно обращаются к изучению бытовых предметов и явлений, испытанных временем, с позиции искусства, чтобы исследовать здание стадиона, форму и цвет чайника, дизайн упаковки, визуальное решение и сюжет видеоигры как объекты архитектуры, промышленного и графического дизайна, видеоарта, web-мифологии и области new media соответственно.

Видеоигра, как и объект искусства – картина, скульптура, инсталляция, определенным образом оформлена визуально. Специфический видеоряд и сам формат компьютерной игры – давно проникли на территорию современного искусства. В своих работах элементы видеоигр (Space Invaders, Tony Hawk's Underground и других) используют известные представители new media art - RSG, Йон Томсон и Элисон Крейгхед, Менди и Кит Обэдайк. Другой родственный момент – социальная функция. Как результат работы дизайнеров, аниматоров и программистов видеоигра является адресной и предполагает реакцию зрителя. То же самое можно сказать об искусстве, рассматривая его исторически - как инструмент воздействия на аудиторию.

Вход на выставку свободный, ограничение: дети до 16 лет

Центр современного искусства ЗАРЯ благодарит компанию «Синергия» и «Роял Кредит Банк», магазин цифровой техники «Кью», галерею Anna Nova.

ВНИМАНИЕ: НАШИ ПРАВИЛА

МАКСИМАЛЬНОЕ ВРЕМЯ ВИЗИТА: 90 МИНУТ

ПРЕДЕЛЬНО ДОПУСТИМАЯ КОНЦЕНТРАЦИЯ ПОСЕТИТЕЛЕЙ: 30

ВЫСТАВКА ОТКРЫТА ДЛЯ ПОСЕТИТЕЛЕЙ 16+ (часть игрового контента выставки содержит элементы насилия)

БЕРЕЖНОЕ ОТНОШЕНИЕ К ЭКСПОНАТАМ - НА ВЫСТАВКЕ ПРЕДСТАВЛЕНЫ КОЛЛЕКЦИОННЫЕ КОНСОЛИ

ПРОСИМ НЕ ПРИНОСИТЬ В ЗАЛ НАПИТКИ, ЕДУ И СОБСТВЕННЫЕ ИГРЫ

* Название выставке дал труд нидерландского историка и культуролога Йохана Хёйзинга (1872 – 1945) «HOMO LUDENS. Опыт определения игрового элемента культуры» (1938). В годы немецко-фашистской оккупации Нидерландов учёный был арестован и заключён в концлагерь. Он скончался от истощения 1 февраля 1945 года, не дожив до окончательной победы над фашизмом.

** Лев Лосев (1937 – 2009) — известный русский поэт, литературовед и эссеист.

***Entertainment Software Association (ESA) — американская ассоциация производителей программного обеспечения и компьютерных игр.

22 АВГУСТА – 10 СЕНТЯБРЯ 2013

Spur/«След» - первый объект, созданный в Центре современного искусства ЗАРЯ, материальный результат одноименного перформанса Йингмей Дуань/Yingmei Duan (Брауншвейг), Анны Парменовой и Валентины Пчелинцевой (Владивосток). 22 августа художницы пригласили жителей и гостей города оставить свой «след» в истории современного искусства - на поверхности белого холста, tabula rasa, новой страницы в истории бывшей швейной фабрики каждый посетитель Центра ЗАРЯ мог оставить «отметку о присутствии» - свой автограф, знак или символ, с которым ассоциирует свою жизнь, личность, перспективы. Все «следы» зафиксированы на холсте ручной вышивкой. Над созданием объекта художницы работали больше двух недель, по 7 часов ежедневно.

Перформанс вдохновлен идеей «памятников дружбы и общения» - салонных альбомов с коллекциями автографов, рисунков и пожеланий, ставших знаковым атрибутом дворянских гостиных XIX века – центров передовой художественной мысли той эпохи. Одна из таких коллекций – скатерть зеленого сукна, сохранившая больше 70 автографов Толстых и их друзей, – вышита старшей дочерью Льва Николаевича Татьяной в годы пребывания семьи в Москве, в усадьбе «Хамовники».

На поверхности современного «Следа» простые и узнаваемые образы-идентификаторы – велосипед, фотокамера, кот, кит, самолет, кофе, конфета, гитара, автомобиль – соседствуют с сюрреалистическими персонажами, мемами, отечественными и интернациональными символами различных субкультур («За ВДВ», Пацифик, эмблема «Пиратов Соломенной шляпы» из манги One Piece…), логотипами транснациональных гигантов (Toyota/Canon/Nikon) и личных коммерческих инициатив участников перформанса – сайтов, студий, агентств, магазинов.

«След» - способ собрать многоликий портрет современной активной аудитории, зафиксировать приметы времени и тропы будущего на «жертвенной» плоти искусства, готовой принять на себя проекции нашего воображения. «След» - призыв подумать о функции современного искусства. Сравнить его с фикцией/PR-акцией или, напротив, с таинством «узнавания» мира через коммуникацию со зрителем, назвать новой старой сказкой про голого короля или актом шрамирования лучших начинаний штампами консьюмеризма. На первый взгляд «След» - это фактологический срез, констатация очевидного: жизнь большинства строится вокруг котиков, мечтаний о мире во всем мире и благополучия собственного малого бизнеса, редкие интеллектуальные интервенты стебутся над форматом, аккуратно отрисовывая логотипы транскоров, а потенциально хорошие художники (один, максимум два) оставляют неожиданно красивые и ёмкие визуальные метафоры собственного мироощущения, заметные на полотне не с первого и даже не со второго взгляда.

Взгляд абстрактный, рекомендуемый – отвлечься от оценки частного, определить для себя, в чем смысл новых форматов взаимодействия художника и зрителя. «След» – один из поводов задуматься о миссии художника. Что представляет собой этот объект и предшествующий ему процесс? Новый способ аналитического портретирования или эффектный социальный жест? Попытка переложить ответственность на зрителя? Или акт самоистязания художника, героя нашего времени, готового подставить плоть своего искусства под поток радости, пошлости, любови или цинизма современников? Около 250 «автографов» на поверхности полотна - знак готовности зрителя изменить пассивное отношение к искусству, найти себя в нем, выступить в роли кон-художника – автора идеи (концепции), части целого – или голоса очевидности (каковым выступил один из участников перформанса, давший объекту новое имя, уточняющее исходное, - «Место для Вашей рекламы»).

ЙИНГМЕЙ ДУАНЬ (родилась в 1969 году в Даджине, Китай, живет и работает в Брауншвейге, Германия) – одна из учениц Марины Абрамович и Кристофа Шлингезифа, известных художников-перформансистов, обладателей «Золотых львов» Венецианской биеннале. Участница многочисленных выставок и фестивалей современного искусства по всему миру Дуань посвятила перформансу последние 12 лет своей жизни, исследуя первобытные страхи, желания и мотивы поведения людей в ходе долговременных перформансов. Каждый проект Йингмей Дуань длится от нескольких недель до нескольких месяцев, привлекая десятки тысяч зрителей и участников, реакция которых подсказывает художнице множество новых тем для перформативных практик.

АННА ПАРМЕНОВА (родилась в 1983 году в Приморском крае, живет и работает во Владивостоке) – художник, выпускница факультета живописи Владивостокского художественного училища (2003), в 2003-2004 годах училась в Дальневосточной академии искусств (ДВГАИ), в 2011 году окончила Санкт-Петербургскую художественно-промышленную академию имени Штиглица по направлению «Художественный текстиль», в настоящее время преподает художественный текстиль в интерьере и роспись по ткани в ДВФУ.

Польский культурный центр и ЦСИ ЗАРЯ представляют

«ТАНГО» ЗБИГНЕВА РЫБЧИНСКОГО В РАМКАХ ПРОЕКТА AN ARTIST FOCUS SERIES

21 ноября – 4 декабря 2013, кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный

Сегодня «Танго» (1980) Збигнева Рыбчинского, польского режиссера и кинооператора, обладателя «Оскара» и «Эмми», по праву причисляют к лучшим образцам мирового видеоарта. В нем нет повествовательного сюжета, лишь концепция физически замкнутого пространства вынужденного человеческого общежития. «Коммунальной квартиры» абсолютно автономных героев, которым ритм танго позволяет не пересекаться друг с другом, поддерживая иллюзию личной независимости. На создание 8-минутного фильма художник потратил год своей жизни, населив коммуналку 36-ю «жильцами» без использования компьютерных технологий, на основе 16 000 раскадровок. По принципу «ожившего» фотографического коллажа Рыбчинский кропотливо собрал многослойную картину «танца жизни» - танго не только разных людей, но историю всех стадий развития человека - от младенчества до глубокой старости. Фильм начинается появлением в комнате мальчика с мячом, а заканчивается одинокой старушкой, подымающей мяч и покидающей комнату. Технически невероятно сложная для своего времени монтажно-композиционная работа Збигнева Рыбчинского не менее сложна концептуально. «Танго» - необычайно зрелый взгляд художника на человеческие взаимоотношения: этот фильм, по сути, сюрреалистический каламбур, в котором под музыку самого чувственного и страстного танца разворачивается вневременная история пронзительного равнодушия, монотонности и одиночества совершенно разных и таких одинаковых человеческих шестеренок.

1980, 8 минут

Збигнев Рыбчинский родился в 1949 году и получил образование в городе Лодзи, Польша. Всемирно известная Высшая школа кинематографии, телевидения и театра в Лодзи – одна из самых сильных в Европе. Здесь свой творческий путь начинали Роман Полански и Анджей Вайда, Кшиштоф Кеслёвски и Кшиштоф Занусси, Ежи Сколимовски и Анджей Мунк. В числе прославленных выпускников - режиссёр, продюсер, оператор, художник, сценарист и монтажёр Збигнев Рыбчинский. Он начал работать кинематографистом в Европе и США уже в 70-х, а в 1983 получил «Оскара» за лучший короткометражный анимационный фильм - «Танго». А затем «Эмми» - за спецэфекты в фильме «Оркестр». В списке наград Рыбчинского — MTV, American Video Awards, Golden Gate Award, Monitor Awards и the Billboard Music Video Awards. Рыбчинский преподавал кинематографию в Польше, был профессором экспериментального кино в Германии. В настоящее время живёт в Лос-Анджелесе, работает на Ultimatte Corporation и возглавляет собственный кинопродакшн Zbig Vision Ltd.

Центр современного искусства ЗАРЯ и ARTPROJX Cinema представляют новое видео в рамках проекта AN ARTIST FOCUS SERIES

«ДВИЖУЩИЕСЯ ИСТОРИИ»/MOVING STORIES, работа Николаса Провоста, с 1-20 НОЯБРЯ 2013 в кинозале Центра современного искусства ЗАРЯ, пн – чт: с 12:00 до 20:00, пт – вс: с 11:00 до 22:00

В своих работах Николас Провост исследует грамматику кинематографического языка, отношения между визуальным искусством и опытом создания полнометражного игрового кино. Собирая абстрактный видеоколлаж из фрагментов разных фильмов и текстов-ребусов, художник апеллирует к коллективной кинопамяти зрителей, провоцируя узнавание отдельных образов, кодов и форм или, напротив, недоумение в попытке разгадать истинный смысл увиденного. Видео Moving Stories – работа-конструктор, сверстанная из стокового киноматериала, находящегося в свободном доступе на соответствующих веб-сайтах. Кинорежиссеры часто используют видео со стоков в стремлении вписаться в бюджет собственного проекта – как результат, некоторые фрагменты их работ могут повторять ранее выпущенные фильмы или рекламные ролики. Трогательная история Провоста, смонтированная из нескольких, никак не связанных друг с другом, сцен полета пассажирских самолетов, трансформируется художником в драматическое повествование за счет диалога мужчины и женщины. В контрасте с мощным видеорядом Провост приводит незначительный, вырванный из контекста закадровый обмен репликами, давая лишь намек на сюжетную линию и, тем самым, максимально стимулируя воображение зрителя.

Николас Провост/Nicolas Provost (родился в 1969 году в Ронсе, Бельгия, в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке) – художник и кинорежиссер. Его работы отмечены наградами престижных кинофестивалей, включая Sundance, Международный кинофестиваль Сан-Франциско, Cinevegas, Роттердамский международный кинофестиваль, Viennale, кинофестиваль Локарно. В списке персональных выставок Провоста – проекты в Музее искусств Сиэтла, Музее современного искусства Страсбурга, Muziekgebouw в Амстердаме, галерее Tim Van Laere в Антверпене, Haunch of Venison в Лондоне и Берлине. Работы художника приобретены Музеем Бирмингема (Великобритания), Музеем современного искусства Гента/ SMAK Gent и Королевским музеем изящных искусств в Брюсселе (Бельгия). Премьера первого полнометражного фильма Николаса Провоста «Захватчик» вошла в конкурсную программу Венецианского кинофестиваля 2011 года. Недавно он закончил фантастическую трилогию Plot Point, снятую скрытой камерой в Нью-Йорке, Лас-Вегасе и Токио.

«Движущиеся истории»/Moving Stories, 2011, 7 минут

Фильм Николаса Провоста и Contour Mechelen

Музыка Евгения Гальперина

Звукорежиссер Сеньян Янсен

При поддержке Аудиовизуального фонда Фландрии (Flanders Audiovisual Fund)

Предоставлено галереей Tim Van Laere, Антверпен

Если выпало в империи родиться, лучше жить в глухой провинции у моря. Иосиф Бродский. Письма к римскому другу

Костя Петрук начал фотографировать в 2006 году. Снимки делает на цифровые Canon A610, Canon 30D и пленочный Pentax Spotmatic. «Городкурорт» - второе имя Владивостока. Это слово звучит four seasons, похмельным утром и соленым вечером. Сопровождает ночные заплывы в темноту и поедание пян-се под палящим дневным на островном пляже. В Городекурорте 310 солнечных дней в году и очень мало туристов – они превращаются в местных, как только ГК поворачивается к ним лицом (при посредничестве коренных party people Владивостока можно заглянуть в беспокойную душу города сквозь девушек и закаты). В Городекурорте любят бодиарт и маскарады, 15-сантиметровые шпильки, модные крайности и качественный алкоголь. Предпочитают черно-белые фотографии, потому что цвет отвлекает от сюжетов и хедлайнеров. Приключения и впечатления здесь в ассортименте и на развес – каждый берет столько, сколько может вынести. Городкурорт – это стихия и форс-мажор. В таком месте принято иметь много полюсов и профилей – например, быть антигламурным хроникером городских пятниц и, между делом, развиваться в направлении фэшн-фотографии. Главное – верить в городокурортную изюминку, которую никто не может определить словами, но увозит с собой на коже как родинку, что перестает ныть только на определенной географической широте. Два десятка работ из уже начатой, но еще далеко не законченной серии Петрука «Городкурорт» в лаунже ЦСИ ЗАРЯ с 25 октября в рамках проекта-портфолио «Имена»..

Хорошие новости/плохие новости, 2013, двухканальное видео, 13 минут 3 секунды

Кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ, пн – чт: с 12:00 до 20:00, пт – вс: с 11:00 до 22:00

Центр современного искусства ЗАРЯ и Artprojx Cinema представляют новую работу видеохудожницы Меридит Дэнлак «Хорошие новости/плохие новости» / Good News/Bad News. Третье видео в рамках «Киносерии», цикла работ Дэнлак, исследует кинематографические тропы и актерские шаблоны - веками наработанные приемы имитации реальной жизни на экране. Как выглядят чувства в кино? В фокусе ХП/ПН - нарратив ожидания и реакции людей на радостные и печальные события. Для участия в проекте художница отобрала пятнадцать киноактеров с различным профессиональным опытом, амплуа, характеристиками возраста и внешности, сообщила короткие вводные по сценарию фильма и дала минимальные комментарии относительно деталей воплощения образа на экране. Каждый актер должен был предложить собственную интерпретацию реакции человека на хорошие и плохие новости – убедительно и с первого дубля. Для демонстрации результатов своего эксперимента Меридит Дэнлак выбрала самый логичный формат – двухканальное видео, которое позволяет нам в режиме реального времени сравнить отрицательные и положительные образы, созданные одним и тем же актером, понаблюдать за его/ее жестами, мимикой и текстом. Штампы сопровождают весь процесс: руки, закрывающие лицо, чтобы показать горе; нетерпеливые движения ногами, выражающие ликование; слова «да» или «нет»; степень интенсивности действий в кадре… Работа Дэнлак бескомпромиссно разоблачает ограниченность киноязыка средствами видеоарта, предъявляя зрителю своеобразный срез актерского мастерства и индивидуальности - практически одинаковую игру пятнадцати профессионалов.

Меридит Дэнлак/Meredith Danluck - выпускница нью-йоркской Школы визуальных искусств, участница биеннале в Ливерпуле и Венеции, выставок в Музее современного искусства королевы Софии (Reina Sofia Museum, Мадрид), Музее современного искусства MoMA (Нью-Йорк), Музея современного искусства Детройта MOCAD. Фильмы Дэнлак – неизменные фигуранты фестивальных программ Международного кинофестиваля в Торонто (Toronto International Film Festival), техасского фестиваля South by Southwest (SXSW), австралийского Byron Bay, Международного кинофестиваля в Гамбурге и нью-йоркского Фестиваля антропологических кино- и видеоработ имени Маргарет Мид. Весной 2008 года Дэнлак закончила свой первый полнометражный документальный фильм The Ride – историю о ковбоях, символическом образе американской идентичности; эта работа стала частью выставки «Американский Запад» в МоМА (Нью-Йорк, куратор Ева Респини). Одним из самых амбициозных видеопроектов Дэнлак, сатирически интерпретирующих культурные архетипы жителей сельской Америки, стал четырехканальный фильм «Север юга, запад востока» / North of south, West of East, выполненный по заказу Центра современной культуры Ballroom Marfa (Техас) и высоко оцененный отборщиками фестиваля Sundance 2013. Меридит Дэнлак живет и работает в Нью-Йорке, персональная выставка художницы, посвященная работам из «Киносерии», недавно завершилась в галерее Leslie Fritz (Нью-Йорк).

Годовой проект An Artist Focus Series – смотр главных образцов мирового видеоарта, инициированный Центром «Заря» совместно с Artprojx Cinema.

C 1 по 15 октября в кинозале Центра ЗАРЯ в рамках проекта An Artist Focus Series в сотрудничестве с компанией Artprojx пройдет российская премьера видео Ekki Mukk (2012, 10 минут 10 секунд) – фильма-победителя London Short Film Festival-2013. Видео о жизни и смерти, утрате ориентиров и обретении современным человеком истины в контакте с живой природой лондонский художник и режиссер Ник Абрахамс снял в духе сказки, ставшей частью экспериментального проекта Valtari Mystery, инициированного исландской пост-рок-группой Sigur Ros. Музыканты предложили 12 художникам и режиссерам сделать собственные видеоинтерпретации композиций с альбома Valtari на условиях полной творческой свободы и очень скромного бюджета (одинаково маленького для всех): «Мы никому не хотим говорить, в каком направлении работать, как чувствовать… по аналогии с нашей музыкой – ее характер исключает возможность программирования определенной эмоциональной реакции слушателя». Так Ник Абрахамс, несмотря на минималистичный стиль звучания группы, решил ввести в видео нарратив – историю трех персонажей: потерянного человека, мудрой улитки и раненого лиса. Их коммуникативный треугольник обнаруживает всю ограниченность человеческого мировосприятия и превращает 10-минутный клип в манифест против близорукости и эгоцентризма. Вербальный элемент намеренно сведен к минимуму на фоне сильного визуального ряда, основанного на последних достижениях документальной съемки дикой природы оператора BBC Мартина Дорна и подчеркнутом внимании к деталям. На фоне простого сельского пейзажа Англии история Абрахамса с завидной убедительностью, доступной только мастерам, рассказывает о вечных ценностях. Худшее из возможных по критериям поп-индустрии видео идеально гармонирует с «неземной» музыкой Sigur Ros, а в качестве действующих лиц соединяет известного актера Эйдена Гиллена («Прослушка»/ «Игра престолов») и фолк-певицу Ширли Коллинз, чей легендарный голос художник вложил в «уста» всезнающей улитки.

«Sigur Ros разрешили художникам делать все, что они хотят, - я захотел сделать это!» / Ник Абрахамс

Ник Абрахамс, художник и режиссер, живет и работает в Лондоне. Выпустил широкий спектр видеоработ – от музыкальных клипов Leftfield, Stereolab, Cornershop и Manic Street Preachers до видеоарта в сотрудничестве с лауреатом Премии Тернера художником Джереми Деллером (документальный фильм о фанатах DM «Наше хобби – Depeche Mode» и видеоскетч о британском художнике-оутсайдере «Опыт Брюса Лейси» по заказу Британского института кино). Недавно ретроспективу работ Ника Абрахамса показал лондонский Институт современного искусства, в настоящее время художник готовит к выходу свой первый полнометражный фильм.

Sigur Ros, пост-рок группа, основанная в Исландии 1994 году и известная своим специфическим звучанием и фальцетом вокалиста Йоуна Тоура Биргиссона. На фоне мировой популярности, участники коллектива уделяют большое внимание сохранению национальных традиций – в 2001 году Sigur Ros записали мини-альбом с исландским рыбаком, который на протяжении всех композиций читает под музыку классическую поэзию римюр (rímur); все тексты альбома Ágætis byrjun (2002) созданы на основе языка Vonlenska, сконструированного из бессмысленных слогов, сходных с фонологией исландского языка. На родине Sigur Rós известны серией бесплатных неанонсированных концертов, которые на протяжении лета 2006 музыканты играли на различных открытых площадках – в заброшенных бункерах, общественных кафе (эти концерты вошли в документальный фильм «Heima», вышедший в 2007). В мае 2012 вышел долгожданный Valtari – первый альбом группы после творческого отпуска, мелодичный, менее шумный и более аутентичный по сравнению с предыдущими релизами; а затем последовал Kveikur – альбом 2013, доступный для прослушивания онлайн на официальном сайте Sigur Ros.

Кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ

2012, 2 минуты 18 секунд

В работе «Эхо-парк» и других видео последних лет британская художница Сюзанна Уаллин анализирует феномен развлечений – хладнокровный исследовательский интерес вытаскивает на обозрение квинтессенцию адреналинового удара, который неизменно сопровождает экстремальный телесный опыт катания на аттракционах свободного падения. Крики, вдавленные в сиденье тела, брекеты, впивающиеся в плоть нервно сжатых губ, замирание сердец – нелицеприятная сторона рискованных «удовольствий» в работе Уаллин обретает красоту нового измерения. Видео высоких скоростей, размазанных лиц, растрепанных волос, сознания, лишенного мыслей, фиксирует наслаждение на грани страха, рождает опыт нового визуального импрессионизма в круговороте железа и плоти, за пределами традиционных представлений об удовольствии и красоте. Сюзанна Уаллин живет и работает в Лондоне и Нью-Йорке, обладательница множества грантов и премий, в числе которых London Artists Film and Video Award 2007, UK Film Council, Channel 4, Arts Council England, Independent Photography and Arte.

При поддержке продюсерской компании Artprojx

6 сентября – 31 октября в выставочном зале Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный

Понедельник – четверг, 12:00 – 20:00

Пятница – воскресенье, 11:00 – 22:00

6 сентября в Центре современного искусства ЗАРЯ при поддержке Политехнического музея, компании «Синергия» и «Роял Кредит Банк» откроется выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА - проект научной реконструкции шумовых аппаратов, разработанных в первой половине XX века для акустического оформления театральных постановок, радиопередач и первых звуковых фильмов. Шумовые инсталляции, выполненные по чертежам эпохи авангарда и новые объекты, разработанные специально для Владивостока коллективом Музыкальной лаборатории композитора Петра Айду, превратят молодое выставочное пространство Центра ЗАРЯ в лабораторию «театра шумов». В интерактивном пространстве экспозиции каждый желающий сможет самостоятельно повторить звуковые опыты авангардистов и придумать новые шумовые симфонии, извлекая из экспонатов звуки метели, дождя, грома, конных экипажей, пулеметной очереди, пения сверчка, стрекота кузнечика, чердачных скрипов, трепета парусов и других природных, батальных и индустриальных шумов.

В европейской культуре музыка и шум традиционно противопоставлены друг другу, как порядок и благозвучность в оппозиции хаосу и дисгармонии. Лишь в ХХ веке, когда повседневная жизнь человека наполнилась огромным разнообразием новых, неожиданно мощных по силе, громкости и выразительности шумов, они впервые обрели право на автономное художественное значение. От футуристов, Сати и Кейджа, до индастриал, техно и современных форм саунд-арта протянулась история шума как нового звукового языка. Российские художники, режиссеры и музыканты оказались в авангарде этого процесса (Авраамов, Каменский, Эйзенштейн, Вертов и другие). Среди них были и малоизвестные, даже искушенным исследователям, изобретатели шумовых машин. Рассматривая шум как важный элемент драматургии спектакля, А. Петров, В. Попов, Г. Волынец и другие конструкторы и, зачастую, театральные актеры в своей основной ипостаси, создавали целые шумовые ансамбли, способные реалистично передать самые разные звуковые явления. С приходом в театр и кино записанного звука эти эксперименты остановились.

Сегодня, благодаря участникам Музыкальной лаборатории, богатейшую палитру акустических шумов можно изучить в прямом взаимодействии с реконструкциями звуковых машин начала-середины XX века. Инсталляции, созданные в рамках проекта, призваны жить в качестве инструментов активного взаимодействия со зрителями-слушателями, отзываясь на разные типы звукоизвлечения и комбинации. Демонстрация шумовых аппаратов в выставочном пространстве открывает их неожиданный художественный потенциал – внутри экспозиции каждая машина приобретает качество современной саунд-скульптуры, а топографическое расположение объектов создает среду шумовой лаборатории. Так, свойственное для прошлого века оформление театральных/кинематографических сцен оборачивается в новом контексте драматургией звука в пространстве. Выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА предстает тотальной звуковой инсталляцией, в пространстве которой каждый гость имеет возможность стать творцом собственной звуковой среды, найти аккомпанемент природным стихиям в индустриальном ландшафте, и услышать за мирным скрипом входной двери ружейные выстрелы и лязг танков.

Петр Айду, автор и руководитель проекта

Евгения Воробьева, продюсер

Елизавета Равдель, архитектор выставки

Константин Дудаков-Кашуро, соавтор, научный консультант

Выставочный зал Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный

Понедельник – четверг, 12:00 – 20:00

Пятница – воскресенье, 11:00 – 22:00

6 сентября в Центре современного искусства ЗАРЯ при поддержке Политехнического музея, компании «Синергия» и «Роял Кредит Банк» откроется выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА - проект научной реконструкции шумовых аппаратов, разработанных в первой половине XX века для акустического оформления театральных постановок, радиопередач и первых звуковых фильмов. Шумовые инсталляции, выполненные по чертежам эпохи авангарда и новые объекты, разработанные специально для Владивостока коллективом Музыкальной лаборатории композитора Петра Айду, превратят молодое выставочное пространство Центра ЗАРЯ в лабораторию «театра шумов». В интерактивном пространстве экспозиции каждый желающий сможет самостоятельно повторить звуковые опыты авангардистов и придумать новые шумовые симфонии, извлекая из экспонатов звуки метели, дождя, грома, конных экипажей, пулеметной очереди, пения сверчка, стрекота кузнечика, чердачных скрипов, трепета парусов и других природных, батальных и индустриальных шумов.

В европейской культуре музыка и шум традиционно противопоставлены друг другу, как порядок и благозвучность в оппозиции хаосу и дисгармонии. Лишь в ХХ веке, когда повседневная жизнь человека наполнилась огромным разнообразием новых, неожиданно мощных по силе, громкости и выразительности шумов, они впервые обрели право на автономное художественное значение. От футуристов, Сати и Кейджа, до индастриал, техно и современных форм саунд-арта протянулась история шума как нового звукового языка. Российские художники, режиссеры и музыканты оказались в авангарде этого процесса (Авраамов, Каменский, Эйзенштейн, Вертов и другие). Среди них были и малоизвестные, даже искушенным исследователям, изобретатели шумовых машин. Рассматривая шум как важный элемент драматургии спектакля, А. Петров, В. Попов, Г. Волынец и другие конструкторы и, зачастую, театральные актеры в своей основной ипостаси, создавали целые шумовые ансамбли, способные реалистично передать самые разные звуковые явления. С приходом в театр и кино записанного звука эти эксперименты остановились.

Сегодня, благодаря участникам Музыкальной лаборатории, богатейшую палитру акустических шумов можно изучить в прямом взаимодействии с реконструкциями звуковых машин начала-середины XX века. Инсталляции, созданные в рамках проекта, призваны жить в качестве инструментов активного взаимодействия со зрителями-слушателями, отзываясь на разные типы звукоизвлечения и комбинации. Демонстрация шумовых аппаратов в выставочном пространстве открывает их неожиданный художественный потенциал – внутри экспозиции каждая машина приобретает качество современной саунд-скульптуры, а топографическое расположение объектов создает среду шумовой лаборатории. Так, свойственное для прошлого века оформление театральных/кинематографических сцен оборачивается в новом контексте драматургией звука в пространстве. Выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА предстает тотальной звуковой инсталляцией, в пространстве которой каждый гость имеет возможность стать творцом собственной звуковой среды, найти аккомпанемент природным стихиям в индустриальном ландшафте, и услышать за мирным скрипом входной двери ружейные выстрелы и лязг танков.

Петр Айду, автор и руководитель проекта

Евгения Воробьева, продюсер

Елизавета Равдель, архитектор выставки

Константин Дудаков-Кашуро, соавтор, научный консультант