The Zarya Center for Contemporary Art is proud to announce an international exhibition dedicated to the transcultural position of Vladivostok within Northeast Asia, featuring the participation of artists Elena Anosova (Russia), Jeonhwan Cho (South Korea), Jungnak Choi (South Korea), Minja Gu (South Korea), Hero4Hero (Russia), Anton Karmanov (Russia), Elena Kovylina (Russia), Royce Ng (Hong Kong), Sergey Novikov (Russia), Soyoung Park (South Korea), SASHAPASHA (Finland) and Tuo Wang (China), Leif Holmstrand (Sweden).
The latest exhibition at Zarya Center for Contemporary Art invites visitors on a journey through Vladivostok and the Eurasian landmass in search of new ways of exploring spaces where historical, political, economical and spiritual dimensions intersect. This endeavor focuses on Northeast Asia, a region dotted with political borders, where Russia meets China, Mongolia, South Korea, North Korea, and Japan.
“We find ourselves in one of the most interesting regions of Russia, one that warrants closer attention. This is why we put such an emphasis on exploring the local context. The exhibition ‘One Northeast’ looks at the location of Vladivostok and Primorye outside the typical framework of the Russian context, instead placing it within a larger region of a globalized world that is rapidly changing and whose shifts are interesting to everyone,” explains Zarya CCA’s chief curator, Alisa Bagdonaite. “When we invited international curators You Mi and Binna Choi, we gave them the opportunity to draw our locality with broad strokes on the map of the gigantic, complex Northeast region.”
“We turned to the belief of the Korean peoples of the Northeast that the unity of earth and sky takes place through mankind. ‘One Northeast’ is a call to communication and collaboration not through the language of geopolitics, but through the language of ‘geopoetics’; the range between the two languages is the subject of our study,” exhibition curator You Mi explains. “We are interested by what usually slips past the established view of the region, focusing on bringing together transgressive ideas, overlapping trends and ideas that transcend borders, as well as on forces of non-human origin, such as Cosmism and Shamanism.”
An important element of the exhibition is the accompanying performative symposium, “Towards a New Politics of the Geographical Imagination,” which will run from October 7 through 9, spanning the time between the opening of the exhibition “One Northeast” (October 7 – December 16, 2018) and “Metageography” (October 10, 2018 – January 13, 2019) and incorporating participants and specialists from both projects, as well as specially invited guests. Together, the three events – the two openings and the symposium – make up their own international mini-biennale, dedicated to the practice and politics of geographical imagination.
The exhibition is part of the long-term transcultural project “Unmapping Eurasia,” initiated by the Casco Art Institute (Utrecht) and founded on a dialogue of partners from different countries.
Zarya Center for Contemporary Art opened in Vladivostok in 2013 in the creative cluster on the grounds of the former Zarya textile factory, as part of an initiative by entrepreneur and patron, Alexander Mechetin, the founder of Russia’s largest alcoholic beverage company, BELUGA GROUP. Zarya CCA is designed to bring to the Primorsky Krai the highest achievements of contemporary culture in Russia and beyond, while fostering artists and the local art scene. Since the second half of 2014, ZARYA CCA has operated the only artist-in-residence program in the Far East, offering artists from different cities or countries the opportunity to realize projects in Vladivostok, with a focus on regional culture and the geographical context. In 2018, the program’s open call received a total of 310 applications, submitted by artists and collectives from 39 countries around the globe. Of this number, the jury selected 21 proposals for realization at ZARYA CCA.
* “Unmapping Eurasia” is a transcultural artistic research project initiated by the Casco Art Institute (Utrecht). This project aims towards a common heritage and to that extent expands to include new partners, such as the Dutch Art Institute, together with the Athens-based nonprofit gallery State of Concept and the Nam June Paik Memorial Museum in Seoul. “Unmapping Eurasia” attempts to overcome the existing “cartographic” practice of making distinctions not only according to political principles, such as between nations and territories, but also along cultural divides – for example, between East and West.
SEPTEMBER 23, 2018 / 3:00 PM—7:00 PM / ROOF OF BUILDING №5
On September 23, Leif Holmstrand (Sweden) will present the performance, “Nonsense Translation,” which will encapsulate his participation in the Zarya Artist-in-Residence program. Made possible with the support of the Swedish Embassy in the Russian Federation and Konstnärsnämnden, Sweden, the presentation will be held on the roof of Building № 5 of the Zarya Factory, from 3:00 pm until 7:00 pm. Entrance is free of charge, but age is restricted to 12+.
Leif Holmstrand works across genres, creating installations, objects and performances, as well as musical or literary compositions. Throughout his work, the artist makes frequent reference to shamanism and its contemporary rethinking. The culminating work of his residency, the performance “Nonsense Transition” offers a new perspective on research into this topic.
As in the majority of his previous performances, here Holmstrand develops a system of rules that will be followed throughout the duration of the action. The gestures produced by the artist vary, though they share the same objective: through interaction with set materials—in this case, household waste, garbage, textiles and clothing, threads, ropes, etc.—Holmstrand constructs a new “body.” Over the course of the performance, the artist will create an enormous textile object, a totem or talisman. The artist will leave the performance open-ended. This means the object might be complete, or it might remain in a state of construction, or it might even envelop its creator, ultimately ensnaring him within its complex structure. The scenography will draw from readymade elements of installations, sculptures, or, as the artist calls them, “non-magical transcendental objects,” created from old clothes or crocheted.
The selection of these specific materials is not accidental. Holmstrand confesses that since childhood he has been obsessed with fabrics, knots, ropes, weaving and knitting, which symbolize both a defense (like a cocoon) and a trap or a threat. He is additionally intrigued by the aspect of time in the process of knitting, and the sensation that something is growing organically with every added eyelet. In many of his works, Holmstrand uses different kinds of garbage, collected in the city. The artist consid ers this waste to be a reflection of urban life, allowing it to be read like the materialized voice of local culture, as well as abandoned, unwanted little bodies.
The soundtrack for the performance will be provided by one of Holmstrand’s musical pieces, RINGS DRAPA, which is based on an old Romantic poem by Swedish poet Esaias Tegnér. The rhythmic text is almost entirely transformed into sounds that seem to lack any relationship to language, with each of the various sections of the piece having their own distinct sound. This poetry-as-music accompanying the performance becomes a kind of melodious incantation, charms comparable to shamanic ritual. However, it should be noted that Holmstrand’s pseudo-shamanic practice has nothing to do with religion or magic. On the contrary, the artist emphasizes the lack of any magical character in his performances, offering them as a kind of secular, urban-animist shamanic ritual of construction.
In this performance, the artist will also reflect on his impressions of Vladivostok. To some extent, “Nonsense Translation” can be seen as illustrating a fragment of this city’s fluid, multinational, multicultural history as well as its present. Holmstrand was particularly influenced by the objects on display at the Arsenyev Museum, which inspired him to create the textile sculptures for the performance.
*Leif Holmstrand (born 1972) is an artist and writer from Malmö, Sweden. His practice as a sculptor and creator of visual images is multifaceted and includes several different stylistic approaches. For instance, his textile objects are supplemented with assemblage from pieces of furniture, as well as digital photocollage, sound installations and performances. The hierarchy of materials in his works is never clear, as for him even expensive silk has the same basic decorative function as household waste and found objects. Another important influence on his work has been his collaborations with Japanese artists and other cultural figures. For more about the artist, refer to his site: http://www.leifholmstrand.se
30 АВГУСТА – 9 СЕНТЯБРЯ / 19:00 / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)
30 августа в 19:00 в Мастерской арт-резиденции «Заря» (ЦРМ, 5 вход) состоится открытие выставки Хона Джинхвона (г. Сеул) под названием «✈☆☂☞☭☺♕⚒♖♘☃♡♬✞⚔», которая станет итогом пребывания во художника во Владивостоке. Экспозицию можно будет увидеть до 9 сентября. Для посещения обращайтесь на ресепшен.
В течение двух месяцев сеульский фотограф изучал Владивосток, сфокусировавшись на том, как отражается история места в пространстве города. В частности, предметом его интереса стали такие события российского прошлого, как революция, гражданская война, а также депортация российских корейцев. Отсылки к ним для художника оказались сконцентрированы в образе центральной точки Владивостока, Площади борцов за власть Советов. На протяжении своей резиденции Хон ежедневно посещал ее, наблюдая за изменениями в ее облике и функции, которую она выполняет, за ее повседневностью, туристами и горожанами. Кроме того, художник посетил Уссурийск – место, связанное с переселением корейцев на территорию Российской Империи во второй половине XIX века, а также с движением за независимость Кореи, колонизированной Японией в первой половине XX века, активисты которого базировались в окрестностях города.
«Для меня Россия и Владивосток тесно связаны с историей революции, а также насильственным переселением корейцев, – говорит художник. – Естественным образом я попал на Площадь борцов за власть Советов. Для меня это место, где метафорически закончилась российская революция и откуда спустя полтора десятилетия началась депортация российских корейцев. Эти истории физически сконцентрированы на этой площади. Сейчас ее роль изменилась – она буквально захвачена туристами и окружена торговыми центрами, и я никак не могу принять этого до конца».
Название выставки, состоящее из непроизносимых эмотиконов, отсылает к ситуации невозможности коммуникации, в которой оказался художник. Не зная русского языка, он был вынужден изучать город и общаться с помощью автоматического переводчика. Этот опыт выразился в видеоработе, которая представляет собой результаты автоматического распознавания и перевода с русского на английский текста прокоммунистической газеты, случайно полученной от активистов на центральной площади. Помимо фотографий и видео, художник представит небольшую повесть о Владивостоке, написанную специально для этого проекта. Это первый опыт автора в художественной литературе, позволяющий ему расширить границы повествования и рассказать то, что невозможно запечатлеть в фотографии.
Изучая какое-либо социальное или историческое явление, художник говорит, что постоянно сталкивается с невозможностью вынести определенное суждение. Для него всегда очевидна разница между актуальным событием, тем, каким оно представляется в фотографии, а также тем, каким его воспринимает зритель. «Я всегда начинаю с вопроса к самому себе: “Могу ли я полностью постичь предмет?”, на который сам же отвечаю, что это невозможно. Тогда я задаюсь новый вопросом: “В таком случае, какое новое понимание его я могу предложить?”» – рассказывает о своем методе Хон Джинхвон. С результатами его размышлений о Владивостоке и поисков нового смысла места все желающие могут ознакомиться на выставке.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
*Хон Джинхвон (р. 1980) – южнокорейский фотограф, живет и работает в Сеуле. Его интересуют несовпадения между разнообразными аспектами социальной жизни, которые проявляются в его снимках. Помимо фотографии, Хон занимается выставками: он являлся одним из сооснователей самоорганизованного пространство Space Nowhere (Сеул, 2014-2017), а в настоящее время участвует в организации альтернативной фотоярмарки The Scrap (Сеул, с 2015 г.) и публикует тексты по теории фотографии. Проект для арт-резиденции «Заря» - второй по счету для художника в России, предыдущий был реализован художником в рамках проекта Baikal Nomadic Residency Program в Иркутске (2014-2015 гг.).
6-15 ИЮЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)
Зона умолчания вокруг темы ГУЛАГа раскинулась не менее широко, чем сама «зона», огражденная двойным рядом колючей проволоки.
Взгляду приезжего наблюдателя, путника, чьи поиски то и дело нарушаются непрекращающимся джетлагом, присуща отстраненность, позволяющая выделить особенности восприятия истории местными жителями. Молодой город интенсивно развивается, и ему нет дела до рвов, полных человеческих костей. Здесь, на Дальнем Востоке, парадокс забвения как консервации памяти не работает. Забвение стирает следы.
Однако следы ГУЛАГа все же присутствуют всюду: разливаются по трубам водами из водохранилища, возведенного лагерными заключенными, пролегают построенными ими дорогами, о которые в резиновую пыль стираются шины с местного авторынка, струится волнами в эфире, обеспечивающими сотовую связь. Это радиоактивное излучение ГУЛАГа: вышки сотовой связи расположены на тех же местах, где заключенные «Дальстроя» возвели первые бетонные будки радиоузлов на сопках. Это излучение не покажет ни один счетчик Гейгера, но оно незримо присутствует везде.
SASHAPASHA в своей работе создают собственную систему образов, которая во многом строится из цитат и реминисценций: офицерская фуражка одновременно является и канвой для вышивки, и фрагментом карты, и «камнем» для тактической игры «го». Перелетные лебеди, птицы печали и мифологические психопомпы, долетают до дальневосточного берега, обретают специфическую форму и сгорают в пламени, превращаясь в насмешку над несбывшейся революцией. Тема трансцендентности и «шизофренической взаимосвязи всего со всем» отразилась и в интерпретации океанских вод как «адских врат», поглотивших «Индигирку» и ставших последним пристанищем «Дальстроя», после взрыва которого мазут пролился над морем инфернальным дождем, и природа до сих пор хранит следы катастроф.
Многочисленные символы вступают в диалог друг с другом, превращаясь в причудливую макабрическую головоломку, в которой зашифрованы сюжеты мифов, сказок, современной литературы и факты истории. Для всех желающих распутать этот сложный клубок смыслов и контекстов художники оставят набор подсказок – часть информационных материалов, которыми они пользовались при подготовке к созданию работы.
Арт-резиденция «Заря» выражает благодарность Приморскому государственному музею имени В.К. Арсеньева, Музейно-выставочному центру г. Находка и Приморской краевой публичной библиотеке им. А.М. Горького за помощь в поиске информации.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
*Справка: SASHAPASHA – дуэт художников Александры Ротц (1985 г.р.) и Павла Ротца (1982 г.р.), основанный в 2009 г. в Санкт-Петербурге. Живут и работают в Хельсинки, Финляндия. Окончили Институт PRO ARTE, Вечернюю школу Мемориала, Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленная академию имени А.Л. Штиглица, работают и продолжают образование в Финляндии. SASHAPASHA работают с различными медиа: анимация, живопись, инсталлянция, перформанс и т.д. Они также являются основателями одноименного бренда украшений. В 2016 году вошли в лонг-лист премии Сергея Курёхина в номинации Гран-при.
28 ИЮНЯ - 2 ИЮЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)
Инициатор проекта, финская художница Лилли Хаапала – потомок финского путешественника Эрика Кнаапе, прибывшего в 1869 году со своей семьёй в составе группы переселенцев из Финляндии. Спустя полторы сотни лет после этих событий она вместе с оператором Юри Яласмаки прибыла на Дальний Восток, чтобы своими глазами увидеть берега, на которые высадились ее предки в поисках утопии. От поселений энтузиастов, грезивших о лучшей жизни, практически не осталось зримых следов. Проходя теми же маршрутами, что их предшественники, собирая информацию в архивах и музейных хранилищах, художники не столько воспроизводят перед зрителем картину событий вековой давности, сколько создают собственную концептуальную структуру, в которой “научное” мышление сплетается с “утопическим”, история рассматривается как проекция одного временного измерения в другое, фантастической картины мира – на реальность.
География исследования, проведенного Лилли Хаапала и Юри Яласмаке, обширна. Свой путь художники начали в финском городе Турку, пересекли Россию на поезде, побывали на полуострове Песчаном и бухте Находка. Карта путешествий Лилли и Юри разворачивается перед посетителем настольной игрой, отсылающей к выпущенной в Финляндии в 1951 году “Звезде Африки” - популярной детской бродилке о приключениях авантюристов, разыскивающих драгоценный клад.
Таким образом, скупые данные и сухая информация, добытые художниками в архивах, обретают совершенно новую форму. Участники исследования Searching for Utopiaоказываются фигурами на поле, а императив истории с ее неоспоримыми фактами и неизбежной последовательностью событий нарушает элемент случайности. Каждый следующий ход обусловлен не только пространственно-временными факторами, но и персональной удачей, поэтому сценарий игры непредсказуем.
Вход свободный, для посещения необходимо обратиться на ресепшен ЦСИ «Заря».
JUNE 08 - SEPTEMBER 23
ON JUNE 8, THE ZARYA CENTER OF CONTEMPORARY ART OPENS THE EXHIBITION “UNIVERSE OF RELATIONS”, BRINGING TOGETHER MEDIA ART, VIDEO AND PHOTOGRAPHY DEALING WITH VARIOUS ASPECTS OF ARCHITECTURE AS A SOCIAL PHENOMENON.
EXHIBITION CURATOR — ANDREY VASILENKO
ADMISSION FREE OF CHARGE
The exhibition “Universe of relations” brings into focus how an architectural environment can operate as a full participant in the space of social interactions, while also acting as a bearer of historical memory. The works of artists presented within this exhibition may use a variety of methods to represent architectural objects, but their message is one and the same: architectural objects and the practice of design are not just the result of the creative toil of one individual, striving to meet his or her own needs alone. Instead, the artists explore architecture as, on the one hand, a reality that affects a person, structuring his or her everyday life, thereby revealing itself as a full-fledged subject in and of itself, and on the other, a massive archive, enormously impacting how we construct an image of the past.
The central channel of this discussion – the media of photography and video – offers a perspective on the artificial living environment that is filtered through the speculative view of the documenting instrument – the camera. The world of architectural objects and city spaces that unfolds before the viewer is markedly different from the perspective and sensations of the user of that urban environment. In this way, the researcher’s view is established as that of an outside observer, distanced from the object of study and thus stripped of user status, existing beyond the direct impact of the architecture.
Instead, the exhibition looks at architecture through its social, political and historical dimensions. For instance, in the video of Lithuanian cinematographer Deimantas Narkevicius, Scena, frames showing the interiors and exteriors of the Center of Contemporary Art in Vilnius (the former Palace of Artistic Exhibitions) are accompanied by fragmentary narratives from the center’s employees. They speak about their experiences working in the building that was once tainted as part of the artistic system of one era, but now exists in a completely different political and ideological reality.
Amid the objects on display will be several works dedicated to rethinking the Modernist project through an analysis of the symbolic influence of architecture on the political and ideological climate of the past century. Austrian artist Andreas Fogarasi captures the transforming interiors of the work clubs of Budapest, which were originally designed to facilitate the leisure time of workers, but ended up not being necessary after the fall of the communist regime in Hungary.
In the installation by Filipa César, Porto, 1975, a residential complex, designed by the preeminent Portugese architect Álvaro Siza, is presented as a kind of monument to self-organization and the revolutionary movement.
Some of the central works in the exhibition are the sketches and videos of the French-Israeli artist Absalon, who created unique installations, inhabitable “living units”, which, according to the artist, could aid a person on the path to self-knowledge, including on the physical level.
In Andreas Bunte’s video, Erosion, we see buildings on the campus of Simon Fraser University, located on the outskirts of Vancouver. The structures are not presented as an architectural complex, as far as the traditions of photo and video footage of structures go. Rather, the artist acts like a geologist, or maybe even an anatomist, depicting the buildings as living organisms, existing in close cooperation with the natural landscape.
The exhibition will be presented in two acts. Midway through the exhibition period, a selection of the works included in the first part of the show will be swapped out, altering the tonality of the overall symbolic composition of the exhibition. Also within the framework of the exhibition will be two substantial film programs, consisting of documentary, artistic, and experimental films that demonstrate the wide repertoire of creative interpretations of architectural practice.
Picture: EROSION. Andreas Bunte. Erosion. 16mm film transferred to HD Video, colour, sound / 17:25 min / 2015. Courtesy of Artist
St. Joseph's Cathedral in Mogilev. Cross section.
JUNE 8 – SEPTEMBER 23 / MAIN EXHIBITION HALL
On June 8, the ZARYA Center for Contemporary Art will open “Architecture: Doomed to Optimism,” an exhibition organized together with the Moscow Museum of Contemporary Art. The show follows the history of Russian architecture of the 20th and 21st century, and will be on view through September 23. Admission is free of charge.
“While this is the first time Zarya has tackled the theme of Russian architecture, we approached the issue with special care. As we are located in Primorye, far from the historical, cultural and economic centers, when we look around our urban landscape, we can see that we’re not in Asia, where we are sited geographically, but rather in the classic Post-Soviet space where we reside mentally. There is always this conversation on politics and economics conducted through the architecture of cities and countries. We were interested in looking at architecture both as a social document, and as an incredibly important art form, to whose artifacts we have entrusted our everyday life,” explains Chief Curator of ZARYA Center for Contemporary Art, Alisa Bagdonaite.
The exhibition, “Architecture: Doomed to Optimism,” offers a kind of studio of the archetypal architect-as-hero, always striving to find the balance between an artistic ideal and pragmatics – a titan, condemned to the profession of prolonging the future. His resolution is dictated by an honest acceptance of the impossibility of ever embodying architecture itself “in the flesh”; it is always either taking on different interpretations in its realization or it remains an ephemeral idea in the mind of the artist. For this reason, the audience is invited to consider not the objects as they are, but rather the architect’s way of thinking. This presentation brings together works by some of the most renowned Russian practitioners, spanning multiple genres: painting, drawings, conceptual models and mock-ups, written manifestos, installations, working sketches, and much more.
The exhibition script is didactic in its own way, carefully laying out the history of Russian architecture from the 20th and 21st century. To throw off the balance, this history is then contrasted with a case study of the self-taught architect, aristocrat and diplomat, the Palladian Nikolay Lvov, who lived in the Age of Enlightenment. His old engravings and sketches allow the audience not only to bask in the graphic ideals of that era, but also to appreciate how Lvov considered the slender stalks of the columns as equivalent to the harmony of the heating systems, the construction of the stove on par with the house it heated.
Leveling out the didactic elements is the kaleidoscope of heroes whose work this exhibition showcases. Among them one finds Konstantin Melnikov and Alexander Brodsky, Evgeny Vasiliev and Leonid Pavlov, the collective behind the Moscow Palace of Pioneers and the architectural bureau Project Meganom, Alexander Rodchenko, Ilya Chashnik, and El Lissitzky. An important feature of the objects on display is that each serves as a tool for thinking about another work, which exists somewhere else in the vastness of Russia, whether only in the mind of its creator, or at some point realized in concrete form in a specific context, down to the last detail. These objects are joined by the analysis of the works of past architects by our current contemporaries (for example, the installation Communal Avant-Garde or the photo-project, Severnoe Chertanovo.) As a true pedagogical coup, a fragment from the wall of Konstantin Melnikov’s own home has been brought to ZARYA CCA. It offers a superb primer in its own construction, revealing the work with the material and value of its apertures, thus using the outer shell to uncover the inner essence of architecture.
For Reference:
The curator of this exhibition, Maria Fadeeva, is a journalist, architectural critic, researcher, curator, and instructor of Professional Communications at the Moscow Architecture School. In 2004, she graduated from the Moscow Architecture Institute. During the four years of her studies, she worked as an architect. Since 2003, she has written for various publications on architecture, design, and urban development. She is one of the authors of the travel guide, Novaya Moskva 4 (“New Moscow 4”) and a co-author of the educational initiative Svoboda Dostupa (“Freedom of Access”), as well as a member of the team for ARKhIWOOD. Additionally, she is a member of the Center for the Avant-Garde on Shabolovka and has developed multiple tour programs dedicated to the architecture of the 20th and 21st centuries.
25 МАЯ – 5 ИЮНЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)
Объекты, на которых фокусирует внимание в своём исследовании бельгийская художница Элин Ронсе, - предметы быта в их привычном окружении.
Она посещала квартиры жителей Владивостока, отозвавшихся на объявление о поиске вещей, произведенных во Владивостоке - на местных предприятиях или самими горожанами. За месяц ею была собрана целая коллекция разнообразных артефактов: от изделий местного фарфорового завода до самодельных вязаных носков. Каждый из найденных предметов был запечатлен на фото, а история его происхождения и появления в квартире тщательно задокументирована, подобно биографии человека.
Через фиксацию взгляда на частных наблюдениях и бытовых ситуациях, в своем исследовании художница приходит к выводам относительно более глобальных явлений: рецессия местного производства и захват рынка дешевым импортом, постепенная деформация института семьи и утрата традиции. Однако помимо выявления очевидной социально-экономической проблематики, автор также задается вопросом о природе субъектно-объектных отношений в контексте принципа обладания. Художница критически рассматривает само понятие частной собственности как естественной и универсальной категории. Владение как один из способов человеческого существования распространяется не только на материально-товарные ценности. Немецкий философ и социолог Э. Фромм в своем труде «Иметь или быть» рассуждает: «Идеи, убеждения и даже привычки также могут стать собственностью. Так, человек, имеющий привычку каждое утро в одно и то же время съедать один и тот же завтрак, вполне может быть выбит из колеи даже незначительным отклонением от привычного ритуала, поскольку эта привычка стала его собственностью и потеря ее угрожает его безопасности». В современном обществе, ориентированном на ценности потребления и на получение прибыли, доминирует модус «обладания» как один из важнейших элементов, образующих фундамент капиталистической системы.
Художница предлагает зрителю пересмотреть связи внутри дуалистической пары «субъект-объект», отойти от интерпретации этих отношений по принципу жесткой дихотомии. Роли «познаваемого» и «познающего», с точки зрения Ронсе, условны и конвертивны, а значит, и противоречие между этими понятиями является отчасти мнимым. В своей итоговой работе она дает право говорить неодушевленным вещам, которые выступают в роли созерцающего индивида, способного дать характеристику своего владельца через описание собственных свойств. Среди источников, оказавших влияние на подход Ронсе, следует выделить произведения классической русской литературы, в частности Н.В. Гоголя. Повести «Шинель» и «Нос», в которых обладатель и вещь меняются местами, являются ключевыми текстами, к которым апеллирует художница.
Старые вещи, сослужившие свою службу, неизбежно должны исчезнуть. Семейные ритуалы будут постепенно утрачены. Локальная самобытность нивелируется глобализацией. Документируя сам факт существования этих предметов, Элин Ронсе предпринимает попытку сохранить последний след исчезающих явлений и сменяющихся эпох.
Арт-резиденция «Заря» и Элин Ронсе лично выражают благодарность жителям Владивостока, принимавшим участие в проекте.
*Элин Ронсе (р. 1987, Бельгия). В своих работах она фокусируется на внешне незначительных деталях частной жизни и в течение длительного времени исследует повседневные предметы в их привычном окружении, фиксируя жизнь вещей с помощью камеры. Художница работает в различных жанрах, среди которых - инсталляции, видео- и саунд-арт.
Элин Ронсе имеет степень магистра живописи (школа искусств LUCA, Гент, Бельгия) и в настоящее время является студенткой Нидерландского института искусств (странствующая академия, Университет ArtEZ, Нидерланды). Она известна как участник несколько художественных резиденций и выставок. Ее работы были представлены в Галерее Кристофа Деклерка (Гент, Бельгия), Das Weisse Haus (Вена, Австрия), Homecomings (Берлин, Германия), Pier 2 (Тайвань), Metamatic:taf (Афины, Греция), Баримарт (Южная Корея), Центр Дункэрн (Белфаст, Северная Ирландия), Space Idiot (Турин, Италия).
19-20 МАЯ / 12:00–02:00 / БОЛЬШОЙ ЗАЛ
Ночь — это темное время суток и отличное время для кино, а ночь в музее замечательно подходит для показа видеоарта. Руководствуясь этими размышлениями, мы впервые за более чем три года работы арт-резиденции «Заря» показываем групповую выставку резидентских видеоработ, созданных приглашенными нами во Владивосток художниками. В выставку вошли не только произведения медиа-арта, но и документация перформансов.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
На экспозиции, которая будет доступна зрителям чуть больше суток, можно впервые в полном объеме увидеть работы Елены Ковылиной, Оли Кройтор, Натальи Першиной-Якиманской (Глюкли), Максима Шера, Анастасии Потемкиной, Константина Аджера, Суджин Ли (Южная Корея), Дмитрия Булныгина, Александра Курмаза (Украина).
Масштабная мультимедийная инсталляция расположится в большом выставочном зале Центра современного искусства «Заря» и будет работать с 12:00 19 мая по 02:00 20 мая. Работы, вошедшие в инсталляцию, представляют многообразие художественных методов, используемых художниками, включивших свой исследовательский опыт в Приморье в основу художественных проектов, реализованных за время резиденции.
Инсталляция Натальи Глюкли Першиной-Якиманской «Музей утопических одежд» показывается владивостокскому зрителю повторно — посетители могли её видеть на выставке «ЕЁ» в 2015 году. Инсталляция включает в себя документы об истории фабрики «Заря», такие как старые фотоальбомы или созданные бывшими сотрудницами «Зари» платья, так и попытки задокументировать нематериальные, эфемерные ценности: истории, рассказанные для этих женщин новыми сотрудницами «Зари», теперь уже не фабрики, а одноименного Центра современного искусства. Это история о дружбе и обмене символическими подарками как знаке преемственности поколений и поиске идентичности места через прикосновение к памяти людей.
Попытка зафиксировать и сохранить эфемерное, неизменяемое и неосязаемое предпринимается в работе «Время, которое существует» — видеодокументации акции одного из первых резидентов «Зари» художницы Оли Кройтор, известной своими стоическими перформансами. Идею сайт-специфичности Кройтор транслирует буквально, переживая пребывание в месте и времени и фиксирование свой опыт физически, усиливая свой опыт копанием траншеи на сопке Холодильник.
Проект «Це Заря» пионера русского перформанса Елены Ковылиной обращён к цикличности отечественной истории, в которой правители, «цезари» совершают по кругу одни и те же ошибки. Ложный замкнутый круг Ковылина символически «чертит» вокруг острова Русский, форпоста русской колонизации на Дальнем Востоке. Несмотря на красочную видеоисторию, сопровождаемую симфонией Шнитке, перед зрителем — экстремальный силовой перформанс, в течение которого Ковылина, высаживаясь на берег, несёт на себе тяжелый колышек с посланием «цезарям», который вбивает в землю на самой высокой точке острова.
Стоит выделить работу Максима Шера «Горизонт», сделанную в одном из немногих мест Владивостока, откуда виден горизонт. Это оммаж Эрику Булатову и его «Горизонту» (1971–1972) — одному из программных произведений русского искусства эпохи брежневского застоя, которое Шер анимирует на владивостокской набережной, к важным вехам социальной истории, формирующим локальную идентичность.
Все перечисленные и многие другие работы, которые предстоит увидеть на выставке, предлагают зрителю путешествие, в котором Приморье становится объектом исследования, а видео — формой художественной фиксации. Предметный же ряд предложенных произведений очень широк, от локальных исследований до кристальных художественных нарративов, которые могли быть проявлены где угодно или где угодно в России, но возникли именно здесь, во Владивостоке.
12-30 МАЯ / КИНОЗАЛ
В Центре современного искусства «Заря» доступна для ознакомления видеоинсталляция Cargo de nuit («Ночной сухогруз») французской художницы Анн-Шарлотт Финель. Проект, организованный Французским институтом совместно с сетью «Альянс Франсез» в России, создается поэтапно в пяти городах: Мурманск, Казань, Владивосток, Саратов и Калининград.
Концепция проекта, разработанного Французским институтом, была построена вокруг идеи странствия, когда художник выступает в роли путешественника и посещает несколько российских городов, в каждом из которых представляет результаты своего исследования. Бесконечное движение – одна из центральных тем в творчестве Анн-Шарлотт Финель. Каждая следующая локация связана с приключениями и новыми открытиями, в которых художница черпает вдохновение.
Понятие коллаборации является для нее одним из основных принципов, применявшихся, например, при создании музыкального аккомпанемента, написанного специально для каждой из ее работ. Изображения отличаются характерной зернистостью и измененными цветами на грани черно-белой гаммы. Художница предпочитает работать с темой непрерывных промежуточных состояний: «Я снимаю свои видео ночью, на рассвете, в закатных сумерках и в полночь. Несомненно, это самое мистическое время суток, когда все замирает в напряжении», – цитирует художницу куратор Дарья де Бовэ.
Художественный язык Анн-Шарлотт Финель во многом строится на исследовании трансгрессий, переходов, будь то сумеречное время суток или пограничное пространство между городом и природой. Создавая видео во Владивостоке, она опиралась не только на локальный контекст: ключевой образ серии Cargo de nuit – вода, которую художница интерпретирует как интеркультурный символ. Тем не менее, место, в котором художница снимала третью часть этого цикла, во многом соответствует философии и эстетике других работ Анн-Шарлотт. Владивосток – это транзитная зона и точка пересечения многих явлений и смыслов: окруженный морем и усеянный сопками, но в то же время урбанистический пейзаж города, положение форпоста европейской культуры в азиатской части мира, географическая обособленность Владивостока от столицы, но в то же время его близость к восточным соседям. Видео, над которым Анн-Шарлотт работает во Владивостоке, можно будет увидеть на экспозиции «Видеоакценты» в рамках Ночи Музеев 19 мая вместе с другими работами, созданными резидентами «Зари» во Владивостоке.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
*Анн-Шарлотт Финель (р.1986) - молодая французская художница, её работы в жанре видеоарта были представлены на выставках во многих городах мира. В марте этого года открылась персональная выставка Анн-Шарлотт - «ОСТАВЬ МЕНЯ В ПОКОЕ СО СВОИМИ ПЕЙЗАЖАМИ! РАССКАЖИ МНЕ О ПОДЗЕМЕЛЬЯХ!» в галерее Jousse Entreprise, Париж. В Центре современного искусства «Заря» она реализует одну из частей своего масштабного выставочного проекта, создаваемого в нескольких городах России. Несколько ее работ из серии видеоарта Cargo de nuit, объединенной темой воды и движения, войдут в одноименную экспозицию, которая откроется в субботу, 12 мая.