ТВОЯ ФОТОГРАФИЯ – ЭТО ОТЧЕТ О ТВОЕЙ ЖИЗНИ ДЛЯ ВСЯКОГО, КТО УМЕЕТ ВИДЕТЬ. ПОЛ СТРЭНД
Exhibitions

23-30 МАРТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Иван Новиков занимается темой взаимного влияния России и Азии, а также изучением границ между природой и культурой. Предметом исследования Ивана в рамках программы арт-резиденции стала специфика владивостокской идентичности. Предполагается, что город, основанный на окраине империи, более удаленный от центра России, чем от соседних представителей чуждых ей азиатских культур, является носителем ряда особенностей, несвойственных другим населенным пунктам страны. Прошедший месяц во Владивостоке художник посвятил поискам этих отличительных черт, сбору информации и аккумуляции знаний о Приморье, провел ряд интервью с представителями организаций города.

Однако эти поиски заставили художника задаться парадоксальным вопросом: а существует ли приморская идентичность как таковая? Действительно ли так сильно отличаются друг от друга жители Западной или Центральной России и Дальнего Востока, корни которых, по сути, намного более близки, чем географические расстояния, разделяющие их теперь? В какой степени идентичность того или иного места складывается естественным путем, а в какой –конструируется искусственно теми, кто усиленно ее ищет?

В научном исследовании поставленная гипотеза может быть как доказана, так и опровергнута, на основании чего делаются заключения и рождается новое знание, и исследование художественное следует той же логике. Может случиться, что в процессе поиска Другого возникают вопросы, обращенные к самому себе. В этом случае особенно важно установить дистанцию по отношению к личному и сохранить отстраненный, холодный взгляд исследователя.

В качестве итогового проекта будет представлен импровизированный музей-мастерская приморского художника Господина N, наполненный связанными с ним артефактами – рисунками, живописными полотнами, фотографиями, видеохроникой.

Проект реализован Иваном Новиковым совместно с соавторами – общественными деятелями, писателями, художниками и исполнителями Владивостока: Василием Авченко, Ольгой Аристовой, Татьяной Олгесашвили, Мариной Бариновой и др.

Справка: Иван Новиков – художник, исследователь искусства и куратор. Родился в 1990, Москва, Россия. Живет и работает в Москве и Хуэ, Вьетнам. Выпускник МГАХИ им. В. И. Сурикова и Института современного искусства «База». Со-основатель пространства «Центр Красный» в Москве. Член редакционного совета «Художественного Журнала». Заведующий кафедрой живописи института «База». Номинант премии Кандинского (2015), финалист премии «Инновация» (2016).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

On March 23, the ZARYA Center for Contemporary Art will launch “Sum of its Parts,” an exhibition by the Vladivostok-based photographer Denis Korobov. The show is conceived of as an installation of 60 photographs of varying size and scale, reflecting the everyday life of Vladivostok. The exhibition will remain on view through April 22. Admission is free of charge.

“I started taking my first shots of the city back in 2014,” Denis Korobov recalls. “These compositions were caught by chance in the camera’s viewfinder, but each wielded a mystical aesthetic, whether it was the specific geometry of a building, the rainbow-tinged film of gasoline in a puddle, or a dead pigeon. As time passed, I came to understand that I was not interested so much by photographs of people, as by images of what they leave behind. These collisions of ideas, textures, geometries – this is what I look around for as I cut circles through the city’s residential districts.”

Over the past three years, Korobov has documented the daily life of the city in short but numerous series, including “garage façades,” “the art of advertising,” “car parks,” “under a blue tarp,” “food and the body,” and “playgrounds.” His images provide a fresh and unusual perspective on moments that we might otherwise consider random or invisible to the normal eye, and thus capable of slipping by without notice.

Through the artist’s interpretation, the portrait of the city comes together as a combination of images, the sum of individual parts bound by the light irony of the observer, a compositional ingenuity, a refined sense of color and a poetic use of rhythm, all while producing a documentary record of the light, character and texture of a given place. And while several of the images may suggest partial staging, they still preserve the elusive quality of the moment.

As the curator of the exhibition, Larisa Grinberg, explains, “In the case of Denis Korobov, what we are seeing is his search for the genius loci, exploring the environment around him. His method of research – conducted through scouring minute, almost unidentifiable segments – is entirely logical. On the other hand, close attention to non-obvious details is not exactly a novel technique for any generation of photographers. However, this is precisely where a new round of young photographers picks up: just because ‘everything has already been said,’ it doesn’t mean that someone has already lived our lives, and everything we are experiencing in the here and now, we are experiencing for the first time. It’s like with a declaration of love; every second, thousands of people all over the planet are making them, but that doesn’t mean that one can’t still express one’s sincerity through this act of confession. In the same way, these ‘parts of the city’ that Korobov is documenting are each meaningful in their own way. And the search for the whole, the genius loci, through these barely-legible fragments stands alone as an exploration of what’s happened not ‘before our time,’ but rather ‘never before our time.’”

For the exhibition “Sum of its Parts,” the photographs are presented without frames and directly mounted on the wall in a manner that downplays their individual significance in favor of emphasizing their role within the greater context, allowing the viewer to forge their own associations.

For Reference: Denis Korobov is a photographer born in 1991 in the Primorsky Krai settlement of Terney. He currently lives and works in Vladivostok. Among his solo exhibitions are “No Parking No Parking,” at the ZARYA Art Residency in 2017, as well as an exhibition at Ogurtsy (“Cucumbers”) space in Vladivostok in 2015. He has participated in the apartment exhibitions of the Vladivostok School of Contemporary Art (VSCA) and the auction preview exhibitions at ZARYA CCA in 2016 and 2017. Korobov was included in VSCA’s 2016 project “New Poverty,” created in collaboration with Moscow’s Krasnyi Center and the St. Petersburg-based collective Chto Delat.

Larisa Grinberg is a gallerist, curator, and chief specialist in regional development for ROSIZO/NCCA, as well as the chair of the Masters program in “Art-Management and Gallery Business” in the department of “The History of Film and Contemporary Art” at the Russian State University for the Humanities. Since 2007, she has been the co-founder and art-director of the photography gallery Grinberg (formerly known as “Photographer.ru”) and she also co-founded the Moscow-based photography agency, Photographer.ru (2004-2014). From 2014-2017, she was the curator of three municipal exhibition halls: Na Shabolovke, Peresvetov Pereulok and Gallery Nagornaya.

MARCH 10-25

Whether as clothing or elements of the interior décor, textile has always enjoyed a particular closeness to the human body, sharing overlapping lifespans with its users as a material witness to an individual’s life. Perhaps it is for this aspect that nearly everyone can think of at least one such item, which may have long since lost its practical function, but remains difficult to toss out, if only for all the emotions and memories associated with it.

Elena Redaelli’s practice picks up on these associative properties of textiles and the various processes of working with fabrics. An artist-nomad, Redaelli spent most of her life in her homeland of Italy, then moved to the north of Europe, where she lived for five years in Norway, before departing for Asia, where she has been traveling recently, participating in festivals and artist residencies in China, Taiwan, Australia. Her most meaningful projects engage with the local audience, fostering the kinds of dialogues and interactions only possible within a collective. In this spirit of collaboration, Redaelli shares authorship of her works with everyone who contributes to the process of their creation.

Redaelli’s site-specific sculpture and installations are created through sustained engagement with both the place (environmental art) and the community (workshops & programming). As the ZARYA artist residency is based on the grounds of a former garment factory, the artist decided to use the opportunity to reflect on used fabrics found in Vladivostok. While artifacts from the building’s past no longer exist, the factory still maintains an archive of documentation and photographs. In this sense, the artist’s project offers a symbolic return to the memory of the site.

“Unravelled Backgrounds” centers on the processed and modified surface of the carpet, divided into several sections. The lower third of the carpet consists of unwoven threads, revealing the structure of the weaving and thus hinting at the traces of the intricate labor invested into the production of each interior object – even those produced on a mass scale. The artist left the central section untouched in order to emphasize the original Middle Eastern-inflected pattern around the edges. The upper section is comprised of a mosaic of the patches produced by participants in Redaelli’s textile processing workshops, conducted weekly at the artist residency this past month. Each of the elements produced is accompanied by personal stories or comments from the participants. The display also includes the found uniform of a student of the Maritime Academy, embellished with threads of the carpet using a felting technique.

The artist found her inspiration for this project in photographs of the interiors of Soviet homes. Carpets, which were churned out in mass quantities by the factories of the Southern Republics of the USSR, covered not only to the floors of Khrushchyovka apartments typical of the Post-War period, but also the walls, where they were strung up like tapestries. Beside the utilitarian functions of insulation and soundproofing, these carpets wielded a symbolic value, as objects indicative of the household’s financial status. Even though today these carpets are considered horrifically outdated and kitschy, for the majority of people living in Russia, these elements of the interior are still identified as the quintessential backdrops of one’s day-to-day routines.

Redaelli turns to textiles and fabrics first and foremost for the rich emotional associations inherent to used, worn or outdated materials. Within her projects, personal narratives – both those shared by her collaborators and those that will never be told – become the threads, comprising the canvas of human history.

The ZARYA artist residency would like to extend its gratitude to the Vladivostok-based “Fashion Foolish,” an initiative that collects used clothing and textile materials for the further distribution and use in art and design projects, for its invaluable help in gathering materials.

For Reference: Elena Redaelli was born in Italy in 1981. She currently lives and works in Norway. In 2005, she graduated from the Academy of Fine Arts in Rome, Italy, where she majored in sculpture. Among recent personal exhibitions are WEAVING A BETTER FUTURE, WAB and Red Gate Gallery, Beijing, PRC (2017); VESTIGE, Upper Ray Gallery, Treasure Hill, Taipei, Taiwan (2017); and FADEN WERK, Kunstverein in Bad Godesberg, Bonn, Germany (2016). She has participated in group exhibitions including the Guandu International Nature Art festival, Taipei, Taiwan (2016); the International Forest Art path, Darmstadt, Germany (2016); RES-ART TRAME D'AUTORE, Imbiancheria del Vajro, Turin, Italy (2016); and the Biennale Giovani Monza, Villa Reale Monza, Italy (2013).

FEBRUARY 23 - MAY 13 / MAIN EXHIBITION HALL

On February 23, the ZARYA Center for Contemporary Art will launch “Timur Novikov and the New Artists.” Produced in collaboration with the Moscow Museum of Modern Art, this retrospective exhibition surveys the artistic output of this remarkable group, which was founded in Leningrad in 1982. The exhibition will remain on view through May 13. Admission is free of charge.

“This exhibition guides the visitor through a detailed and thorough retelling of one of the most vibrant and pivotal periods in Russian contemporary art,” explains ZARYA CCA’s Chief Curator, Alisa Bagdonaite. “Timur Novikov and the New Artists managed to build up around them a creative position that was in maximal contrast to the social, political and artistic context of the time. For us, it is a true honor to be able to show these legendary works of the art in the Far East for the very first time.”

The survey at ZARYA CCA will include extraordinary works by Timur Novikov, Oleg Kotelnikov, Inal Savchenko, Vadim Ovchinnikov, Sergey Chernov and Sergey Bugaev, as well as many other members of the Leningrad avant-garde of the 1980s and 90s. Among the works presented will be textile collages from Novikov’s “Horizon” series; paintings; archival materials (photographs, texts, and video footage from Pirate Television); poetry and prose written by the artists; various art objects; and costumes. These items will be divided into several thematic sections, kicked off by a selection of personal works by Novikov. Other galleries will be dedicated to Necrorealism; Pop-Mekhanika; the New Artists; the New Wilds; and the New Composers. This exhibition at ZARYA CCA is able to so comprehensively cover the wide-ranging activities of this group only with the support and collaboration of the Moscow Museum of Modern Art, the ART4.ru Museum, the Petersburg Video Archive and the private collections of Sergey Shutov and the family of Timur Novikov. The exhibition was curated by Ekaterina Andreeva.

The New Artists is a creative alliance founded by artist and curator Timur Novikov and his close friends Ivan Sotnikov, Oleg Kotelnikov, Kirill Khazanovich and Georgy Guryanov. The New Artists formalized in response to the Zero Object (1982), a famous intervention made by Novikov and Sotnikov, which was followed in 1983 by two other happenings: the first public performance of the utyugon and the poetry-filled “Medical Concert.” By the end of the 1980s, this tight circle had transformed into a movement of more than 70 participants, many of whom also belonged to a number of other associations – among them, the Club of Friends of Mayakovsky, the Engineers of Art, the Necrorealists, etc.

The creative outpouring of the New Artists aimed at nothing less than a total transformation of life around them. This entailed producing not only paintings, graphics, panels, and collages, but also literary works, animations and parody films, the invention of new musical instruments (such as the utyugon and the “long string”), and theatrical performances (In 1984, Novikov established New Theater, whose first production was an interpretation of Daniil Kharms’ The Ballet of the Inseparable Trio, which, in its second run, cast as one of the “Inseparables” Garik Assa, who was prominently featured in ZARYA’s previous exhibition “Assa En Masse”).

The performances of New Theater were scored by the avant-garde sonic collages of New Composers Igor Verichev and Valery Alakhov, while Novikov and the New Artists participated in concerts by the bands Kino and Pop-Mekhanika, and, in 1985, the Leningrad rock club hosted “Happy New Year!,” the first public exhibition of the New Artists. The genius of wild painting, Oleg Kotelnikov joined forces with Evgeny Yufit, Evgeny “Debil” (“Imbecile”) Kondratiev and Andrey “Mertvyi” (“Dead”) Kurmoyartsev to devise a cinematographic and literary Necrorealism. The artist, musician and writer Vadim Ovchinnikov and Vladislav Gutsevich organized the literary club Druzhba (“Friendship”), while Sergey Bugaev-Afrika launched the Club of Friends of Mayakovsky and the Novorossiysk School, whose members included former classmates from Novorossiysk, Inal Savchenko, the rising star of expressionist painting, and Andrey Krisanov, an artist and guitarist in the band Kino. A series of avant-garde fashion shows by the New Artists were captured by the camera of E-E (Evgeny Kozlov), who also shot the album covers for records by Kino and Pop-Mekhanika, as well as portraits of Novikov, Guryanov and the New Composers. The Perestroika years would see the rise of the New Wilds (Kozin, Maslov and Zaika), as well as the dawn of unabashed superstar Vladislav Mamyshev-Monroe, who hosted Pirate Television alongside Yury Lesnik. The esteemed Soviet painter Maria Sinyakova-Urechina bestowed upon Novikov and Bugaev the title of “Presidents of the Terrestrial Sphere,” a designation coined by the great Russian Futurist, Velimir Khlebnikov.

In this historic retrospective, the artistic production of the New Artists is framed as part of the international “New Wave” of “free expressionism,” a movement that includes Jean-Michel Basquiat, putting the ASSA Gallery on par with Andy Warhol’s Factory.

For Reference: Timur Novikov (1958-2002) became an artist and curator during the rise of the wave of Nonconformism in Leningrad. In 1977, he started participating as a member of Letopis (“Chronicle”), a group founded by Nonconformist-Expressionist Boris Koshelokhov. The following year, Koshelokhov received permanent residence in Italy, and twenty-year-old Novikov stepped in to take over the organization of the group’s activities. He founded a squat with studios for his fellow Letopis members in the former Church of Shestyakov, which he christened in honor of the Apostles to Ancient Rus, Saints Kirill and Methodius. While police promptly put an end to this squat, Novikov was not discouraged and continued to organize unofficial exhibitions on beaches and parks. In 1980, in a renovated communal apartment on Ulitsa Voinov, Novikov inaugurated the ASSA Gallery with the “First Biennale of Portraits of Timur Novikov.”


JANUARY 27 – MARCH 11

Crystal Tiger

Nabbing the name of the sole casino in the Primorsky Krai, the ZIP Group creates a total installation, where everything is not what it seems. The installation is based on a symbolic system, a cipher whose key is Vladivostok itself – a city that swirls together aspects of Europe and Asia, of a Chinese resort town or a Russian San-Francisco, an enormous international port, a mysterious territory once closed to the outside world, the grand park of an imperial dynasty and the furthest outpost of colonization.

The space of the exhibition remains, on the one hand, a transitional space (through which one enters into the large exhibition hall), while on the other, it constitutes its own isolated autonomous zone, stocked with everything necessary: from the cramped living quarters of a hikikomori (young Japanese hermits) to an underground Chinese casino. The rules here are set by the Crystal Tiger, a symbol of fortune and strength, the trump card in any hand.

16 DECEMBER 2017 — 14 JANUARY 2018

I dip my hand into my pocket for money and feel something’s not right… the barmaid (I’d seen her somewhere before) shoots me a look… And suddenly I realize that I don’t have any money, or, for that matter, even a pocket. In fact, I’m not wearing any clothes at all – nothing but a ski… My hand just slides along my naked body!

«Cold Land. Northern Tales», is the name of the exhibition by Tania Antoshina, on display from December 12 through February 15, 2015 in Vladivstok’s Zarya Contemporary Art Center. Striking in its format, the exhibition consists of an installation of an entire collection of small objects and sculptures, tokens of the artist’s memories and dreams of Siberia, where she spent her childhood and adolescence.

Each sculpture or object is presented on the kind of tray tables found on long-distance trains, which are attached at intervals along the walls. These dreams of the North are set against a backdrop of endless, snow-covered fields, drifting by the train windows via wall paintings. This gives the viewer the sense that what they are experiencing is the same train compartment, captured at various stages of a journey: as the train pushes on, it brings with it new objects and fresh dreams.

21 НОЯБРЯ – 7 ДЕКАБРЯ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Устина Яковлева (Москва) и Андрей Дмитренко (Владивосток) – молодые современные художники, работают с графикой, живописью, текстилем и объектами. Их работы посвящены, в случае Устины, формам жизни или, в случае Андрея, жизни в среде, в которую помещены изображаемые объекты, похожие на капли воды, пузырьки газа, на водоросли, микроорганизмы, планеты, медузы, метеориты или иные земные или космические тела.

Устина Яковлева участвует во Владивостоке в программе арт-резиденции «Заря», одна из целей которой – активизация обмена с локальной художественной сценой. Выставка выступает попыткой связать воедино индивидуальный опыт двух художников, которые, находясь по разные стороны материка, ищут собственный путь развития на основе классического художественного образования. Обоих связывает, с одной стороны, минималистская пластичность, бледная и спокойная выразительность, способность к аскезе (как в визуальной стороне, так и в очень тщательной, долговременной, усердной подготовительной работе), с другой – преемственность традиций.

Художники словно «пришиты» к жизненному полю, в котором существуют. Андрей идёт по родительской стезе специалистов печатного дела, работавших в владивостокских типографиях. Влияние рукодельных практик мамы и бабушки Устины придало её искусству сильный «женский» импульс, благодаря которому развивается не только мастерство техники, но и образ художницы – спокойной, умиротворённой, гармоничной. Словно перманентно, не сверяясь с часами, она вышивает единое цельное полотно, в котором одни сюжеты и образы перетекают в другие, не разделяясь на эпизоды, но сосуществуя, переплавляются и создают новые формы.

Другая сторона преемственности – это внимание к традиции в изобразительном искусстве. Устину подпитывают примеры влиятельных художниц (Ева Гессе, Луиз Буржуа, Яёи Кусама), работы которых несут в себе мощный импульс сексуальности и одновременно тяготеют к биоморфным образам и формам. Именно на этом пересечении находятся работы Устины, в которых, впрочем, сексуальность скорее медлительная, сокрытая ровным спокойным ритмом, где внутренние переживания упрятаны за производством абстрактной, отстраненной от самой себя среды, то ли асексуальной, то ли андрогинной.

В работе Андрея преемственность другого рода, она опирается на образцы китайских и японских классиков печатной графики. Он берёт у них не только сложность и многослойность техники, но и пытается найти через них новый подход к композиции, работать с ней так, чтобы её основным элементом была пустота, образовавшийся воздух, ничто, – то есть не то, что изображается, а то, что оказывается не изображённым, но словно невольно включенным в изображение.

Этот подход уводит его от традиционных истоков, где он черпает силы, к деконструкции изображения. Так, Андрей начинает работу с перфорацией или с травлением, правда, не доходит до конца процесса, а останавливается там, где поверхность взаимодействует с электролитом, произвольно формируя фактуру, контур, рисунок, цвет. Не так давно он представил свою первую видеоработу, а сейчас экспериментирует с совмещением фотографики и ручной печати. Такое сочетание – инструмент к высвобождению потенциала классических техник, позволяющий получить непрогнозируемый результат.

Оба художника работают через включение, эмпатию, осмысление существующих форм, синхронизацию точек и ошибок. Для них проделанный путь всегда является способом приятия и построения, а не отрицания и разрушения. Если бы существовал термин, обратный художественному авангарду, главным импульсом которого является уничтожение всего старого, в особенности традиций, то эти художники были бы главными представителями движения «авангард наоборот», сохраняя, осмысляя, объединяя и включая всё в тщательно организованную хаотическую среду, которую они формируют совместно, но отдельно, каждый со своей стороны большого материка, никогда не встречавшись и не зная друг друга до этой выставки.

Во Владивостоке Устина и Андрей попробовали наметить точки соприкосновения своих практик, что неизбежно привело и к взаимному влиянию – так, за прошедшие полтора месяца Устина под руководством Андрея освоила некоторые техники печати. Выставка «Среда» - это итог непродолжительной встречи двух миров, каждому из которых предстоит собственный путь и собственное развитие, однако их взаимодействие, возможно, определит новые траектории.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

21 НОЯБРЯ 4 ДЕКАБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Никита Nomerz – уличный художник из Нижнего Новгорода, за последние годы успевший заявить о себе не только в России, но и на многих международных площадках. Первая большая серия, принесшая ему известность – «Живые стены» – обыгрывала особенности конкретных архитектурных сооружений или других размещенных на улице промышленных объектов, которые обретали лица, глаза, руки – иными словами, буквально «оживали». Однако в определенный момент художник почувствовал ограничение, которое накладывала на него такая привязка к месту. Новые герои, ставшие знаковыми для серии «Части целого» (2013–), кажутся более мобильными. Хотя в них можно увидеть отсылки к академическому рисунку и героическим фигурам монументальных росписей, они – современные подвижные обитатели городов. Их антропоморфные силуэты будто раздроблены на части, которые связывают только фоновые геометрические формы. Название серии также указывает на то, что все они являются элементами общего повествования, сюжет которого можно представить, лишь собрав все части воедино. При этом в серии нет строго порядка или единственно верного прочтения, поэтому каждый раз историю можно складывать в новые паззлы-сюжеты по аналогии с узорами калейдоскопа.

В проекте «Перемещение», созданном для арт-резиденции «Заря», мы можем встретить этих уже знакомых персонажей, однако художник обращается к актуальной для него проблематике – а именно, к вопросу отношений между уличным и студийным искусством. В последние годы стрит-арт перестает восприниматься как исключительно молодежная субкультура, приобретая статус полноценного вида современного визуального искусства. По всему миру проходят стрит-арт фестивали, уличные художники участвуют в выставочных проектах и уже не ограничивают себя только городским пространством, перемещаясь для работы и в мастерские. Более того, стрит-арт сегодня может включать в себя и элементы других медиа – таким образом, границы жанра все больше размываются. Так существуют ли точные критерии, определяющие принадлежность произведения к уличному искусству? В какой момент оно становится уличным, и действительно ли привязано к открытому пространству? Что, если работа может с успехом быть выставлена как на улице, так и внутри «белого куба», есть ли в этом противоречие и так ли это, в конце концов, важно?

Работы, созданные для этого проекта в мастерской, были затем помещены в городскую среду, после чего вновь вернулись в галерейное пространство. В экспозицию также включена фотодокументация их пребывания в разных городских локациях. В этой нетипичной для стрит-арта ситуации возможно нахождение связи между студийными и уличными практиками, однако она может, напротив, выявить их полное различие – автор не дает ответа, предоставляя зрителю решать этот вопрос самостоятельно.

Несмотря на интерес к границам стрит-арта, Никита Nomerz считает, что для каждого уличного художника именно городская среда – наиболее важная и живая площадка для взаимодействия и высказывания. И хотя посредством стен, выделяемых организаторами разнообразных фестивалях для работ художников стрит-арта, происходит некоторое упорядочивание и легитимизация уличного искусства, становящегося настоящим событием для города, эти же практики являются в какой-то мере попытками «приручить» искусство, создавая условную «галерею» для стрит-арта, что противоречит его спонтанной и стихийной природе. По мнению художника, работы, сделанные без согласований «сверху», ответственность за которые полностью несет автор, являются в итоге наиболее честными и искренними.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

6 9 ОКТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Участники программы арт-резиденции Ольга и Александр Флоренские представят персональные экспозиции на основе живописных и графических работ, созданных во время пребывания во Владивостоке. В фокусе Ольги Флоренской – городские вывески и реклама; материалом же для пейзажей Александра Флоренского стали виды Приморья.

Выставка Ольги Флоренской называется «Приморские вывески». «Много лет я занималась коллекционированием всевозможных вывесок, объявлений и надписей, сделанных безымянными авторами на железе, стекле, дереве, камне, бумаге, - говорит художница. - В какой-то момент я начала рисовать акрилом на железе, фанере и прочих подручных материалах свою собственную «идеальную коллекцию». Так художник во мне пересилил коллекционера».

Некоторые из нарисованных Ольгой «вывесок» имеют в основе конкретный прототип, другие же представляют собой авторскую реконструкцию объектов никогда не существовавших.

Художница много путешествует и внимательно изучает местную рекламу. В процессе работы используется местный алфавит, поэтому в многолетнем проекте «Вывески» встречаются надписи на грузинском, русском, английском, сербском, турецком, арабском, иврите.

В арт-резиденции «Заря» художница продолжила работу над проектом «Вывески». Ольга отмечает: «Во Владивостоке очень много специфической рекламы, связанной с морем, рыбой, кораблями и разнообразной «китайщиной». Часто помимо кириллицы на одной и той же вывеске можно встретить китайские, японские и корейские шрифты, которые мне никогда еще не доводилось писать. Рисовала я на материалах, найденных в местных пунктах приёма металлолома и в бомбоубежище Фабрики «Заря».

Для своей выставки «Владивосток и его окрестности» Александр Флоренский создал серию картин и рисунков с натуры. В частности, художник специально ездил на побережье океана, чтобы нарисовать с натуры маяка Бриннера, что было его давнишней мечтой.

Проект продолжает традиции «Общества любителей живописи и рисования», созданного в 2004 году Александром Флоренским и Иваном Сотниковым (1961-2015).«Общество любителей живописи и рисования» – инициатива художников из Петербурга, имена которых знакомы широкому зрителю по таким известным арт-группировкам 80-х и 90-х годов, как «Митьки» и «Новые художники». «Общество любителей живописи и рисования» считает своей задачей возврат к традиционным художественным ценностям в эпоху постмодернизма, в частности, пропаганду такой совершенно исчезнувшей из арсенала современного искусства практики, как живопись и рисование с натуры.

*Ольга Флоренская (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) окончила отделении керамики ЛВХПУ им. В.И. Мухиной (Художественно-промышленная академия им. Штиглица). Представляла свои работы на персональных выставках, в числе которых - «Записки путешественника», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2017), «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), 2016 ЧЕРНОГОРСКИЕ КАПИТАНЫ, ULUCG, Подгорица, Черногория, КЛАССИЧЕСКАЯ СМЕРТЬ, NАME Gallery, Санкт-Петербург (2015) и др. Активный участник групповых выставок - «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), VIII выставка номинантов премии Кандинского, галерея УДАРНИК, Москва (2014), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003) и др. Резидент KULTURKONTAKT AUSTRIA, Фонда мемориальных стипендий Памяти Иосифа Бродского (Нью Йорк), Dukley European Art Community (Черногория). Работы Ольги находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

Александр Флоренский (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) работает в разнообразных медиа: начиная с живописи, графики и скульптуры и заканчивая кино и фотографией. В 1977-1982 гг. учился на отделении керамики ЛВХПУ им В.И. Мухиной (ныне Художественно-промышленная академия им. барона Штиглица). Среди персональных выставок последнего времени - «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), «Городские азбуки А. Флоренского», Библиотека книжной графики, Санкт-Петербург (2017), «Картины, нарисованные в Грузии», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2016), «Черногорская азбука», Национальная библиотека, г.Цетинье, Черногория (2015) и др. Участник таких групповых экспозиций, как «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003), «Русское бедное», Музей современного искусства PERMM, Пермь (2008), и множества других. Работы Александра Флоренского находятся в коллекциях главных музеев России - Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

OCTOBER 27, 2017 – FEBRUARY 4, 2018

On October 27, the ZARYA Center for Contemporary Art will launch “Assa En Masse,” a retrospective exhibition dedicated to the underground movement, “Assa,” which flourished in Leningrad in the early 1980s. The exhibition is open to the public free of charge and will be accompanied by a parallel educational program, which will continue through February 4, 2018.

“Assa” originated as a battle cry that first rang out amid the Necrorealists but then spread like wildfire across Leningrad’s bohemian scene. “Assa” was the name that Timur Novikov gave his gallery, and the word that punctuated the paintings of legendary artist Oleg Kotelnikov. “Assa” was used both as a street tag, and as a label on the clothing in Beatnik fashion shows. The avant-garde catwalks on display in Sergey Kuryokhin’s Pop-Mekhanika performances were lovingly dubbed “Assa-Parades.” Together, these rock-n-roll “happenings” mobilized a rollicking community of musicians, underground artists, club kids and poets, all under the banner of “Assa.” This freeform art movement reached its apex with the eponymous film, which even today is considered one of the most iconic movies of the 80s generation.

“Assa En Masse” is curated by Mikhail Buster, a graphic artist, illustrator, designer, and head of Kompost, an online archive of the subcultures of the late Soviet Union. His previous exhibitions include “The Last Romantics of the Soviet Union,” (Zverevsky Center, Moscow, 2007); “Hooligans of the 80s” (Central Manezh, Moscow, 2009); “Street Style-80” (V.D.N.Kh., Moscow, 2010); “Alternative Fashion before the Glossies: 1985-1995” (Garage, Moscow; Etazkhi, St Petersburg; Dom Kino, Dubrovnik, Croatia; Fashion Biennale, Varaždin, Croatia; KIM?, Riga, Latvia, 2011-2013); “Untamed Fashion in the U.S.S.R.” (Nieuw Dakota, Amsterdam, 2013); “On the Roads of the CIS” (Museon, Moscow, 2015); “Motorockers. Moscow-Berlin” (V.D.N.Kh., Moscow, 2017)

“Specially for Vladivostok, we prepared an exhibition that delivers a deep dive into the internal side of this process, as seen through the prism of art and fashion,” Mikhail Buster explains. “Under the banner of the underground ‘Assa’ movement, which was born in Leningrad at the beginning of the 80s, we witnessed Perestroika’s first surge of alternative culture. This exhibition is dedicated to this still little-known history of counterculture fashion and the art of the ‘Red Wave.’”

As an exhibiton, “Assa En Masse” draws primarily on Buster’s archive of historic documents and Russian street and fashion photography, which is then supplemented by works from artists Timur Novikov, Gosha Ostretsov, Inal Savchenko, Evgeny Yufit, Sergey Shutov, and members of the collectives “Champions of the World,” “New Artists,” and “Necrorealists”; loans from the Moscow Museum of Modern Art and Art4Ru Museum; and selections from the personal collections of Shutov and Garik Assa, among others. As a special gesture for this exhibition, participants from the Soviet underground have contributed a series of objects, spanning wardrobe elements, records, posters, and hats. Also accompanying the exhibition is a media-installation of multimedia materials (animations, short films and features, video art, video documentation of performances and fashion shows) as well as sessions and screenings of parallel educational programs.

Over the course of the Perestroika years in Moscow, autonomous “Assa-Parades” were frequent aesthetic dive-bombers of myriad cultural events, starting from the grand-scale exhibitions at the Manezh to the trendy youth clubs. The mission of these actions was basically the same as that of the 1920s-era agitprop theater collective, the Blue Blouses: expansion and propaganda. Similarly, this brand of propaganda was aimed at the dissemination of new art, new names, new aesthetics, and a new era – vibrant, bold, and occasionally shocking.

“Underground culture in Russia and the U.S.S.R. is now fertile ground for the rise of many cult figures and projects across art, film, music and fashion,” observes Alisa Bagdonayte, chief curator of the ZARYA Center for Contemporary Art. “For us it was important not only to be the first to look at this period on this kind of scale, but to also show this material in the cultural context of the Far East.”

The catalyst for many of the processes that would jumpstart the culture of the Far East and spark a powerful rebuilding of the scene was the father of Soviet punk-dandyism, Garik Assa (Oleg Kolomiychuk). Born in Khabarovsk, Kolomiychik picked up the nickname “Assa” for his role in organizing fashion shows. Leaving his home coast in the 70s, Garri joined the ranks of the Leningrad bohemian scene, before discovering the delights of the Tishinsky flea market in Moscow. Using accessories picked up at the market – wardrobe elements reminiscent of Soviet spies and party bigwigs – Garri quickly made the “dead spy” look all the rage. Timur Novikov appointed Garik Assa the “Minister of Style” for the government of the New Artists, and from within the ranks of participants in his fashion shows and look books sprung up the improvised fashion house, “Ay-da-lyuli,” (“Oh-yes-people”) which took as its motto, “All you crazy people, twist and shake.” The brand aimed to blur the boundaries between avant-garde fashion and what was actually “wearable” on the street. Thanks to Garri, the tradition of “Assa-Parades” (and the new wave of art and music accompanying them) ventured from Leningrad to Moscow. Within this exhibition, Garik Assa and his collection of paintings will be featured in a special display, as a particular point of connection between the various disciplines of alternative culture and activities of the 1980s and 1990s.

Flourishing across Soviet concert and theater stages, towards the end of the 80s the happenings of “Ay-da-lyuli” would inspire many designers and performance collectives, including the duo “Blood and Milk” (Katya Ryzhikova and Irene Burmistrova), “The Laboratory of Experimental Models” (fronted by designers Sergey Chernov and Svetlana Petrova), “POST Theater” (Boris Yukhananov and Kamil Chalayev), and “North” (Katya Ryzhikova and Alexander Lugin), which made performances in the spirit of shamanistic or neo-pagan rituals. Among “Ay-da-lyuli”’s models, one could find many famous artists and musicians: Timur Novikov, Sergey Shutov, Gor Chakhal, Zhanna Aguzarova, Sergey Anufriev, members of the band Kino, Kolibri’s lead singer Natalia Pivovarova, and many others.

The key testament to the impact of the underground on the mainstream and its recognition as a significant cultural phenomenon was Sergey Soloviev’s film Assa, which opened on the big screen in 1987.