IF THE ARTIST WRITES A FIELD OR A VASE WITH FLOWERS, HIS PICTURE BECOMES A WINDOW EXPLORING THE WORLD. JEAN-PAUL SARTRE
Exhibitions

30 ИЮЛЯ – 22 АВГУСТА / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

ВЕРНИСАЖ: 30 ИЮЛЯ 19:00

Участница арт-резиденции «Заря» Лиза Морозова представит свой отчетный проект «Владивосток-Репейный». Название выставки, аналогичное именам железнодорожных станций, делает акцент на том, что для нее этот проект – воображаемая точка на пути художника-путешественника. В данном случае имеют значение не только географические, но и временные координаты: техника, в которой выполнены составляющие основу выставки объекты, знаменует текущий период художественной деятельности автора.

Лиза Морозова выкладывает из репейника стихи на половых тряпках, причем каждая буква или письменный знак соответствует одному репейнику. Уравненные между собой языковые единицы освобождаются от своего значения, а текст трансформируется в абстрактную композицию. Обнаруживая таким образом визуальную структуру текста, художница исследует грань между вербальным и визуальным.

Использование репейника и половых тряпок в качестве основного медиума становится способом достижения нонспектакулярности, своего рода визуального аскетизма, как определяет его сама художница. Неудобный в обращении, неброский визуально материал становится в руках художницы посредником в передаче состояний «эфемерности, природности, детскости». Можно также предположить, что, используя имеющий четкие тактильные ассоциации репейник, художница придает тексту дополнительную осязательность.

Также здесь находит свое применение часто используемый художницей прием – буквализация устойчивых языковых конструкций, идиом. Так, в своих перформансах и инсталляциях она обыгрывала значение выражений «вешать лапшу», «развесистая клюква» и др.; в данном проекте репейник становится тем, что в буквальном смысле «цепляет» – так, как иногда «цепляет внимание» определенный объект, «цепляет за душу» произведение искусства.

При всей абстрактности конечного результата художнице вовсе не безразлично смысловое содержание используемых ею поэтических текстов. Во время резиденции во Владивостоке Лиза Морозова изучала тексты местных авторов – поэзию, фольклор, песни, общалась с ними и в результате выбрала более десятка произведений. Художницу в первую очередь интересовали поэтические тексты авторов, так или иначе связанных с местным контекстом – от Осипа Мандельштама и Варлама Шаламова, Давида Бурлюка и Арсения Несмелова до современных владивостокских поэтов: объединения «Серая лошадь», Спартака Голикова, а также художников и музыкантов Павла Шугурова и Михаила Павина.

Язык представляется нам точным способом коммуникации между людьми, однако несложно обнаружить его подвижность, податливость, субъективность и ненадежность. По словам Лизы Морозовой, ее выставка «Владивосток-Репейный» – про язык искусства, разные способы схватывания смыслов и про невозможность этого достичь, про тотальную невыразимость.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

15 ИЮЛЯ - 24 АВГУСТА / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

ВЕРНИСАЖ / 14 ИЮЛЯ / 19:00

“Краб внутри” – новый проект художника московской сцены современного искусства Валерия Чтака, созданный специально во Владивостоке.
С одной стороны, это работа Чтака-резидента, который прибыл во Владивосток с насыщенной программой, включающей, помимо выставки, создание стены (или пространственной фрески, murales) на территории фабрики “Заря” и выступление с андеграундными владивостокскими музыкантами. С другой стороны, эта выставка продолжает череду персональных проектов, которые художнику удалось реализовать за последнее время, в том числе "Технически тут все просто" (Галерея Треугольник, Москва, 2016), "Worshood" (Галерея CUB, Рига, 2015), а также готовящуюся к открытию масштабную выставку в ММСИ.

Визуальный язык, созданный Чтаком, узнаваем и сразу запоминается. Его работы, увидев однажды, невозможно не узнать или приписать авторство кому-то другому. При этом его метод заключает в себе несколько ключевых принципов, которые не исключают один другой, а выстраивают по себе новую художественную реальность, неустойчиво коррелирующуюся с реальностью подлинной. Так, теоретик Екатерина Дёготь отмечает в первую очередь приемы, связанные с функцией языка, чрезвычайно важного инструмента “концептуалиста дигитальной эпохи”, как она окрестила Чтака.

Художественный критик Сергей Гуськов метко отмечает, что Валерий работает со слоями, и действительно, художник не только наносит визуально легко опознаваемый “слой” на любую поверхность, от ящика до стула, но и умело манипулирует функцией, формой и историей найденного объекта, а также выходит за пределы объекта, работает с объемом пространства физического и пространства интеллектуального, в котором находится мнимый зритель. Так, слово “слой” и в буквальном, и в метафорическом значении оказывается как точным описанием фильтра, через который Чтак пропускает окружающие пространства, так и оправданием серийно повторяющихся в его работах фрагментов и эпизодов.

Художник Алексей Булдаков, описывая метод Чтака, называет его упорядочиванием и тиражированием хаоса, постоянным взаимодействием со свалкой, и не только буквально – вещей, ставших фоном для серо-черной росписи, но и хаоса совсем другого типа: мусорной свалкой оказывается невнятная куча имен, фраз, визуальных и текстуальных образов, знаков, – и любой артефакт из этой свалки взят на вооружение, может встретиться тут и там, исчезнуть и снова возникнуть, как бы совсем неожиданно, но уместно и даже неотъемлемо, будто кот, грач или краб всегда здесь был и будет.

В чём секрет Валерия Чтака, ставшего успешным и одним из самых узнаваемых и хорошо продаваемых художников из не перешагнувших пока порог “молодого” искусства, доподлинно неизвестно. Возможно, как и “краб”, он кроется внутри выставки.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

2 ИЮЛЯ 10 ИЮЛЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

ВЕРНИСАЖ / 2 ИЮЛЯ / 19:00

Проект открывается в пространстве персональной выставки художника «Selected Works». Это масштабная видеоинсталляция, где на объекты с помощью технологии видеомэппинга проецируется видео, снятое в режиме интервальной съемки.

Это антиутопическое сновидение представляет то, что, вероятно, было бы наихудшим кошмаром для местного аборигена. Пророчествуемая цивилизация – это яд. Это предсказание противопоставляет космические волны земным энергиям, когда планета-океан отделяется от транспортных сетей грибного города. Грибницы созданы грешником, они – яд галлюцинаторной силы. Это – отсылка ко злу, угрожающему «природным» людям. Зависимость от яда влечет человека на свою темную сторону, отделяет от природы, приводит к вегетативной стадии и превращает в зомби.

Именно в рамках резиденции во Владивостоке, в этом урбанистическом образовании на границе континета и океана, у художника возникла метафора о природе и цивилизации. Вода, вездесущая и невозмутимая, существует рядом с жизнью цивилизованных людей, с их непрерывными, очевидно бесполезными перемещениями, забывшими о своем природном начале.

Автор текста: Луиз Морин

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Справка: Дмитрий Булныгин родился в Новосибирске, но уже в течение многих лет живет и работает в Москве. Участник многочисленных выставок в стране и за рубежом, он также внес заметный вклад в развитие видеоискусства России, став организатором Международного фестиваля сверхкороткого фильма (ESF).


29 ИЮНЯ / 19:00 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Выставка "Скрытое", которая откроется 29 июня в читальном зале ЦСИ "Заря", подведет некоторые итоги исследования, проведенного участником программы арт-резиденции "Заря" Сергеем Новиковым во Владивостоке и Приморском крае.Художник изучает, какое отражение и продолжение в нашей актуальной действительности находят процессы, запущенные в прошлом.
Проект обращается, с одной стороны, к режиму секретности принятия решений, присущему властным структурам государства, с другой - к особому способу функционирования некоторых избранных территорий, анализируя также состояние части общества, непосредственно привлеченной к этой деятельности, переходные периоды и последствия смены охранительного режима на стимулирующий.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

3-10 ИЮНЯ 2016 / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Отчетная выставка Михаила Заиканова представит некоторые итоги его полевого и архивного исследования в рамках программы арт-резиденции «Заря». Проект затрагивает историю Приморского края, которая будет рассмотрена здесь сквозь призму истории семьи художника.

История часто представляется нам непрерывающимся повествованием, состоящим из стройно складывающихся в цепь эпизодов. Однако нетрудно обнаружить, что такой подход вносит существенные упрощения, исключая целое поле частных деталей, а жизни и судьба «обычных людей» вовсе не попадают в поле интересов истории. Такая ограниченность традиционной исторической дисциплины уже долго подвергается критическому переосмыслению, что стимулирует возникновение новой историографии. Один из альтернативных подходов – т.н. «история снизу» (history from below), или история повседневности, которая сосредотачивается на истории, культуре, быте обыкновенных людей, составляющих основную массу населения любого государства в любые времена.

«История снизу» изучает документальные свидетельства: дневники, письма, фотографии, любительские видеозаписи. Пожалуй, на бытовом уровне большинство из нас занимается изучением такой истории, просматривая, например, старые фотографии, находя на них знакомых, родственников, людей, о которых только слышали, или тех, чья идентичность теперь не поддается восстановлению. Можно сказать, что в творчестве Михаила Заиканова также проявляются подобные тенденции: в последнее время художник активно работает с семейным архивом, пытаясь посредством изучения частной истории связать разрозненные фрагменты истории страны, охватить ее и восполнить. С Дальневосточным регионом у него есть особая связь – семья отца художника некоторое время проживала здесь в военных поселениях, что запечатлено на многочисленных снимках шестидесятилетней давности.

Отправной точкой проекта послужила одна из таких фотографий, на которой отец художника, совсем еще ребенок, вместе с семьей стоит на крыльце дома в поселке Барабаш во время наводнения. Один из самых мощных тайфунов в истории Приморского края принес значительные разрушения в поселок, и магнетизирующая картина затопленной водой земли с детства привлекала художника в этой фотодокументации.

Вода – ключевой связующий элемент проекта. Водный поток в представлениях разных народов имеет отношение к феномену памяти и забвения – постоянно обновляющийся, он объединяет время, вымывает прошлое в пользу будущего, обладает сокрушительной волей к движению. Однако название выставки – «После тайфуна» – указывает на фокус экспозиции не на самой стихии, а на эффекте, вызываемом ей. Также не является секретом, что фундаментальные исторические изменения по силе разрушительности могут быть равны или даже превосходить природные катастрофы, что наглядно демонстрирует проект Заиканова. Современный Барабаш уже не является военным поселением: рота переведена, военные постройки пришли в запустение и постепенно ветшают. То, что ранее представляло огромное значение и казалось прочным и долговременным, исчезает и предается забвению в короткие сроки.

Проект охватывает разные исторические отрезки: времена функционирования Барабаша в качестве военного городка, тайфун, современное состояние, что сближает их временные плоскости, позволяя проводить аналогии и выявлять закономерности. Это действительно «малая» история, не столь значительная в глобальных масштабах, но величина ее с точки зрения исторической науки не умаляет их важности для исследователя прошлого. При том, что «история снизу» не может давать объективной картины, она тем не менее восполняет важный пробел, говоря о тех, кто обычно исключен из исторического нарратива. Более частный и личностный подход к истории позволяет заново определить ее субъекта и объекта, иными словами, того, кто вершит историю, и того, над кем она вершится.

Справка:

Михаил Заиканов родился в Москве, живет и работает в Москве и Санкт-Петербурге. Учился в Московской школе фотографии и мультимедиа им. Родченко и Институте Проблем Современного Искусства. Работает в жанрах графики, фотографии, создает объекты и инсталляции, не ограничивая себя рамками определенного медиа. Среди персональных выставок – «Идея, Свобода, Вперед» (СТАРТ, Москва, 2012), «Правила игры» (КОМНАТА, Москва, 2013) и др.; также принимал участие выставках «Bajki» (Lazareti, Дубровник, 2016), «Bobby was killed twice» (Галерея Люда, Санкт-Петербург, 2014), «Воспитание» (Fabrika, Москва, 2013) и многих других. Куратор проектов «Дачная выставка» (Санкт-Петербург, 2015), «Порнографика» (Непокоренные, Санкт-Петербург, 2015), «Фантомная выставка» (Санкт-Петербург, 2014).

4 ИЮНЯ-18 СЕНТЯБРЯ / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

4 июня в ЦСИ «Заря» откроется ретроспективная выставка «Острова Юрия Соболева». Произведения, представленные в экспозиции, охватывают более сорока лет творческой работы культового художника. Выставка продлится до 18 сентября, вход свободный. Впервые масштабный проект «Острова Юрия Соболева», итогом которого стали выставка и научное издание, был реализован осенью 2014 года в Московском музее современного искусства (MMOMA). Изданная в рамках проекта книга стала лауреатом премии в области современного искусства «Инновация-2014» в номинации «Теория, критика, искусствознание». Выставка в Центре современного искусства «Заря» станет логичным продолжением московского проекта. Она представит владивостокской публике уникальный интердисциплинарный проект, в который войдет оригинальная графика Юрия Соболева, анимационные проекты, работы в области графического дизайна, слайд-фильмы из частных коллекций и государственных музеев России. Гости экспозиции смогут увидеть, как идеи и решения, найденные художником в экспериментах с одними медиа, давали неожиданные результаты и творческие находки при работе с другими. В 1960 году Соболев становится главным художником издательства «Знание» и разрабатывает концепцию иллюстрирования научно-популярной литературы образами абстрактного искусства, сюрреализма, оп-арта. Вокруг издательства, а впоследствии и жур- нала «Знание-сила», где Юрий Соболев стал главным художником в 1967 году, объединились друзья-художники—будущие звезды российского современного искусства Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юло Соостер, Виктор Пивоваров, Владимир Янкилевский, Анатолий Брусиловский и другие. Устремленность к новому было жизненной стратегией Юрия Соболева, и во многом определила концепцию его творчества. С 1975 года он начинает работать с «новыми медиа 1970-х»— полиэкранными слайд-фильмами. Первый полиэкран Юрий Соболев совместно с режиссером Юрием Решетниковым сделал для конгресса «Международного совета обществ промышленного дизайна» («ICSID»), который проходил в Москве в киноконцертном зале «Россия» в 1975 году. С 1980 года Соболев использует полиэкраны для сценографии театральных спектаклей, которые он ставит вместе с режиссером Михаилом Хусидом в театрах Урала, участвуя в неформальном движении молодых режиссеров, которые занимались реформой советского кукольного театра 1970-1980-х годов. В 1994 году на базе Санкт-Петербургской Академии Театрального Искусства Юрий Соболев набирает курс художников, для обучения по новой программе, в которую входили лекции по истории современного искусства, перформанса, видеоарта и пр. «Школа Юрия Соболева», включавшая также практические занятия и участие студентов в выставках, стала первым подобным образовательным проектом в нашей стране.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

4 ИЮНЯ 10 ИЮЛЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

С 4 июня по 10 июля в Малом зале ЦСИ «Заря» будет представлена персональная выставка одного из крупнейших деятелей российского видеоарта, Дмитрия Булныгина, которая станет первой ретроспективой художника во Владивостоке и представит самые яркие его работы.

Дмитрий Булныгин родился в Новосибирске, но уже в течение многих лет живет и работает в Москве. Участник многочисленных выставок в стране и за рубежом, он также внес заметный вклад в развитие видеоискусства России, став организатором Международного фестиваля сверхкороткого фильма (ESF).

Творчество Булныгина, полностью попадающее под определение видеоарта, тем не менее постоянно изменяется – от короткометражных фильмов и интерактивных проектов художник постепенно перешел к объемным видеоинсталляциям. Булныгин стремится сделать медиаискусство обособленным, максимально акцентировать его отличие от искусства кино, и мы можем увидеть, как в своей творческой эволюции он все чаще отвергает плоскость экрана в пользу трехмерного пространства. Экспозиция объединит в себе все основные этапы его художественной деятельности – объекты на основе технологии видео мэппинга или, как называет их сам художник, видеоскульптуры («Вспомнить все», 2015; «Аквариум», 2015; «Давид и компания», 2013); зацикленные видео («Лампочка», 2014; «Союз-11», 2011; «Высотки-Зомби», 2012) подразумевающие взаимодействие со зрителем видеоигры («Хозяйка», 2008); также к ней будет приурочен показ короткометражных фильмов, характерных для раннего периода творчества художника.

Масштабная видеопроекция «Вспомнить все» представляет собой ряд колонн, на которые проецируются узоры классических обоев, знакомых с детства каждому родившемуся на территории бывшего Советского Союза. Однако содержание не столько в реконструкции, сколько в уничтожении и последующем воссоздании этого архетипического декоративного образа. Здесь же можно обнаружить одну из характерных черт работ Булныгина – зацикленность. Напряжение и саспенс, постепенно нагнетаемые по мере развития сюжета (внезапно загорающиеся обои, или, как в “Аквариуме”, исчезающая вода, не оставляющая рыбам возможности к существованию), таким же естественным образом разрешаются сменой действия на противоположное – но только затем, чтобы через определенное время начаться снова. Такую зацикленность можно рассматривать как отсылку к естественным принципам природы – именно как цикл, очередность повторов представляли себе древние люди историю, именно такую последовательность событий они наблюдали ежедневно, ежемесячно и ежегодно.

Дмитрий Булныгин использует природные процессы как аллегорию социальной действительности. Мельтешение и копошение, задающие основной ритм во многих его работах, позволяет проводить параллель между организацией человеческого общества и взаимоотношениями других представителей царства животных, а именно, насекомых. Иронично сравнивая действия коллектива человеческих индивидов с вдумчивым и завораживающим, подчиняющимся неизменным законам порядка процессом жизнедеятельности насекомых, художник предлагает ненавязчивую и медитативную социальную критику. Работы, выбранные им для этой выставки, являются результатом вдумчивого размышления о природе человека, обществе, культурной памяти и социальной идентичности.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

4-19 ИЮНЯ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Выставка TEMPORA MUTANTUR приурочена к десятилетию ассоциации финских авторов комиксов и иллюстраторов «KUTI KUTI». Работы были созданы специально для выставки методом трафаретной печати. Яркое сочетание крупномасштабных комиксов отражает многообразие стилей и методов повествования в современных финских комиксах.

На выставке представлены следующие художники:

Сами Ахо, Мари Ахокойву, Бенямин Бергман, Хета Билалетдин, Терхи Экебом, Роопе Эронен, Матти Хагельберг, Йурки Хейккинен, Микко Хууско, Вилле Каллио, Йан Консин, Лео Куйкка, Реийо Кярккяйнен, Ярно Латва-Никкола, Тиина Лехикойнен, Микко Луостаринен, Ханнериина Мойссейнен, Ээва Мелтио, Томми Мустури, Лаури Мякимурто, Паулиина Мякела, Реэтта Ниеменсиву, Йурки Ниссинен, Аапо Рапи, Кати Рапиа, Ханнеле Рихерт, Хейкки Рёнккё, Анна Сайламаа, Кари Сихвонен, Карти Сипиляйнен, Петтери Тикканен, Туомас Тиайнен, Катья Тукиайнен, Риитта Ууситало, Йари Ваара, Эмми Валве, Аманда Вяхямяки, Микко Вяюрюнен.

Ассоциация «KUTI KUTI» появилась в Хельсинки в 2005 году. За небольшой промежуток времени небольшой художественный коллектив вырос и превратился в полноценную ассоциацию, и она всегда была пионером современных финских комиксов. «KUTI KUTI» нацелена на продвижение статуса новых и высококачественных финских комиксов в Финляндии и за рубежом. Ассоциация публикует новые комиксы в своем ежеквартальном таблоиде «Kuti», а также в сборниках и антологиях. Кроме того, организует выставки и участвует в различных значимых мероприятиях. У «KUTI KUTI» есть собственная студия и машина для трафаретной печати в Хельсинки. В настоящее время в Ассоциацию входит 49 художников-комиксистов. «KUTI KUTI» – один из самых известных во всем мире феноменов финского сообщества комиксов.

Спонсорами Х юбилейной выставки «KUTI KUTI» являются: ассоциация «Grafia»; отделение Фонда культуры Финляндии по региону Уусимаа; Ассоциация комиксов Финляндии; Центр продвижения искусств Финляндии; организация «Frame Visual Art Finland».

ВХОД СВОБОДНЫЙ

5 МАРТА - 8 МАЯ / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В преддверии международного женского дня, центр современного искусства «ЗАРЯ» представляет выставку культового итальянского fashion-фотографа Джан Паоло Барбьери «Мода и вымысел». Более сорока лет его имя ассоциируется с известнейшими домами моды: Yves Saint Laurent, Valentino, Armani, Versace, Gianfranco Ferré, Vivienne Westwood, для которых он работал над созданием рекламных кампаний. Джан Паоло Барбьери – обладатель множества престижных наград, его работы публикуются в ведущих мировых модных журналах: Vanity Fair, Vogue Italia, Vogue Paris, GQ и др. Выставки Барбьери проходят в авторитетнейших мировых музеях и галереях, среди которых: Музей Виктории и Альберта (Лондон), Национальная портретная галерея (Лондон), Палаццо Реале (Милан), Eduard Planting Gallery (Амстердам), выставочный зал Kunstforum (Вена), Институт изящных искусств (Миннеаполис) и др.

Автор обложки первого номера итальянского Vogue, один из лучших портретистов в истории мировой фотографии, создавший снимки великих кинозвезд и супермоделей: Одри Хепберн, Софи Лорен, Моники Белуччи, Верушки и других. Джан Паоло Барбьери, был не просто свидетелем происходящих в мире моды перемен, он сам оказал огромное влияние на происходящие изменения, в частности, создав новый формат модной съемки в послевоенной Европе, выступая не только в роли фотографа, но и стилиста для своих моделей.

Джан Паоло Барбьери родился в Милане в 1938 году, учился в Католическом университете. Вскоре он переехал в Рим, где в течение года стажировался на легендарной итальянской киностудии «Cinecitta», познакомившись с Лукино Висконти и Федерико Феллини, чье творчество оказало огромное влияние на формирование стиля Барбьери.Его снимки невероятно кинематографичны. Тщательно продуманные в отношении света, тени и построения кадра, они передают удивительный эффект движения, ставший визитной карточкой фотографа.

Любовь к кино навсегда стала одним из главных векторов в творчестве Барбьери. Иногда нарочно, иногда невольно, он постоянно отсылает зрителей к образам, созданным его любимыми режиссерами: Эрнстом Любичем, Альфредом Хичкоком, Винсентом Миннелли, воссоздавая атмосферу культовых кинокартин.

На «Cinecitta» его заметил модный фотограф Том Кублин, который в 1961 году предложил Барбьери должность ассистента, что позволило ему поработать с коллекциями домов моды Balenciaga и Yves Saint Laurent, а также открыть для себя мир высокой моды. Кроме того, этот опыт положил начало многолетнему сотрудничеству Джан Паоло Барбьери с издательским домом Condé Nast. Начиная с 90-х, поработав почти со всеми ведущими модельерами и глянцевыми изданиями, Барбьери обратился к trevel-фотографии. Он снимал людей и природу Мадагаскара, Таити и Сейшельских островов. Его экзотические серии, выполненные в стиле «ню» раскрывают тему человеческой сексуальности. В настоящее время, Джан Паоло Барбьери проводит много времени между Сейшелами и Миланом, где продолжает сотрудничать с Vogue и Vanity Fair, пишет книги, работает над новыми проектами в жанре натюрморта, одного из своих новых увлечений.

28 АПРЕЛЯ - 9 МАЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ

ВЕРНИСАЖ: 28 АПРЕЛЯ 19:00

Выставка рассматривает динамику модели и постройки в утопической архитектуре. Пять альтернативных генпланов Владивостока, возвращенные к жизни из вымышленных архивов 1960-х годов, прослеживают прямую взаимосвязь между свободой формы и ее неосуществимостью.

Метаболические сети, плавучие города, города-ходуны, и линейные поселения от "океана до океана" собраны вместе в статье из старого архитектурного журнала. Однако текст совершает непредвиденный поворот, синтезируя элементы в странные схемы, соскальзывая в сомнительные гетеродоксии, и, в конце концов, начинает создавать проекты вместо того, чтобы их описывать. Происходит "горизонтальный сдвиг" в реальности – фиксированный автор растворяется, остаются только каналы ввода и вывода информации и гибкая, абстрактная форма.

"Пятиногая поступь прогресса" – художественная спекуляция, однако действительность вокруг нас кажется еще менее вероятной. Ни одна, даже самая жестокая, модернистская сетка не сравнится по богатству своих эффектов с дивным миром точечной застройки. Проект Алексея Боголепова – это реакция на современную полифактурность Владивостока как города, где однородную форму и однородную идеологию напрочь сдуло тихоокеанскими ветрами.

ВХОД СВОБОДНЫЙ