26 ОКТЯБРЯ 2016 — 15 ЯНВАРЯ 2017 / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ
Куратор выставки: Андрей Ерофеев
Тематическая выставка современного искусства посвящена ключевым элементам российского природного и городского ландшафта. Таким двум особенностям состояния территории, по которым все наши соотечественники сразу узнают родную землю.
Пустырь – это заброшенная городская территория, отпущенная на самотек, выпавшая из-под культурного и административного контроля. А пустошь - это аналогичное явление в дикой природе. Гиблое место, где некогда рос лес, а ныне на выгоревшей или заболоченной местности топорщатся заросли. Хаос этих мест близок к тотальности. В них наблюдается почти полное отсутствие знакомого порядка вещей. Цельных ценных объектов здесь нет, взгляд посетителя блуждает в пустоте бесформенно распавшегося пространства. Пустыри и пустоши имеются во всех так называемых «цивилизованных странах». Но там «пустырность» и «пустошность» - кратковременное состояние места, пауза между прошлым содержанием, которое исчезло, и будущим контентом, который в этом месте вот-вот возникнет. Они редки. Это штучные изъяны на пространстве веками ухоженной территории. Россия же относится к таким странам, где островки благоустройства точечно мерцают в безбрежном мире хаоса. Здесь пустыри и пустоши постоянны и даже имеют тенденцию к расширению. Де факто они являются базовой характеристикой российской территории. Большинство наших соотечественников тем не менее не склонны наделять пустыри и пустоши духовным, культурно-цивилизационным смыслом и признавать их права на легальный статус в качестве значимых элементов городской и природной среды.
Для одной части нашего общества пустыри и пустоши есть феномены хотя неизбежные, но низменные и даже постыдные, как «отхожие места», которые неприлично рассматривать и обсуждать. Другая часть общества, напротив, питает безумный интерес к апокалипсическим картинам тотальной разрухи, пускаясь в виртуальный (в компьютерных играх) или же реальный экстремальный туризм по глубинам мира забросов. Но они тоже не воспринимают пустырь контекстом своего существования. Напротив, вуареризм в экзотическое зазеркалье служит диггерам, сталкерам, убрексам и их многочисленным поклонникам в Интернете средством ментального дистанцирования от окружающего их захолустья.
Между тем, в русском изобразительном искусстве уже третий век подряд зреет и формируется традиция восприятия пустырей и пустошей идентификационным (или опознавательным) аллегорическим пейзажем «русского мира». Она рождена программой национального пейзажа Романтизма, поисками визуального эквивалента «гения места», в котором скрещиваются природные, социальные, духовные факторы, а также особенности повседневного быта народа. Вместе они моделируют специфический стандарт контекста, который как след или отпечаток неизменно воспроизводится данной нацией в каком бы географическом регионе она ни селилась. Идентификационный российский пейзаж-пустырь ведет свое начало от знаменитой мрачной «Оттепели» Федора Васильева. Этот тип ландшафта продолжен в лирических «мостиках» Поленова и Коровина, а в советское время он лег в основу пейзажной живописи художников-«нон-конформистов», составив естественную альтернативу райским видениям коммунизма. Пустоши и пустыри изображали крупнейшие мастера андерграунда - Эрик Булатов, Олег Васильев, Михаил Рогинский, Дмитрий Плавинский, Семен Фейбисович, а также концептуалисты Ильи Кабаков, Виталий Комар и Алекс Меламид, Александр Бродский. Чтобы подчеркнуть преемственность темы данная выставка открывается работами некоторых из этих мастеров старшего поколения. Но главное место в экспозиции отдано тем, кто представляет постсоветский период российского искусства. В основном это московские и питерские художники, к которым добавился талантливый тандем латышских авангардистов Катрина Нейбурга и Андрис Эглитис, создавших огромную инсталляцию на тему «гаражной жизни» для Венецианской Биеннале-2015. Владивосток на выставке представлен работами знаменитого музыканта и художника-мистификатора Павла Шугурова, чьи работы будут экспонироваться в металлических гаражах – главном атрибуте местных пустырей. В произведениях всех этих художников пустыри и пустоши сохраняют изначальный смысл аллегории русской жизни. Но их пейзажи более не закольцованы на символике социального и экзистенциального неблагополучия, отчуждения, покинутости, застоя и бессилия. В них пустыри и пустоши поданы скорее в привлекательном свете - в качестве оригинальной предметно-пространственной среды насыщенной причудливыми фрагментами «самостроя» и историческими руинами, населенной животными-изгоями, растениями-паразитами и необычными жителями из числа люмпенов и маргиналов. Этот бесшабашный люд не только предается здесь неге и плотским удовольствиям, но занят производственной деятельностью. Непризнанный мир дарует своим обитателям свободную, не санкционированную, бесконтрольную жизнь. Эти места проявляют особенную эстетику, основанную на таких формах и фактурах, которые в зонах порядка и дисциплины имеют негативную коннотацию – на пыли, грязном снеге, перемешанном с глиной, на месиве тягучей, жижеобразной пластики, в которой тонут хаотически перемешанные и перемолотые осколки былой жизни. Пустыри и пустоши – это окна, раскрытые как на историю, чьи материальные свидетельства в других местах власть санирует, так и на будущее, на призрачные утопии, которыми элиты регулярно соблазняют население. Художники не только исследуют морфологию пустыря и пустоши, но и представляют зрителю особенности перевернутой оптики «русского взгляда», которым обитатель таких мест воспринимает внешний мир.
Состав художников:
Кирилл Асс, Александр Бродский, Олег Васильев, Софья Гаврилова, группа «Синий суп», Илья Долгов, Аня Желудь, Алексей Каллима, Виталий Комар и Алекс Меламид, Елизавета Коновалова, Елена Коптяева, Валерий Кошляков, Иван Лунгин, Роман Мокров, Владимир Молочков, Катрина Нейбурга и Андрис Эглитис, Викентий Нилин, Никола Овчинников, Антон Ольшванг, Павел Пепперштейн, Дмитрий Плавинский, Анастасия Потемкина, Михаил Рогинский, Витас Стасюнас, Илья Трушевский, Семен Файбисович, Павел Шугуров.
4-20 СЕНТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ
ВЕРНИСАЖ И ПЕРФОРМАНС: 4 СЕНТЯБРЯ / 19:00
Участник арт-резиденции «Заря» Константин Аджер и участники мастер-класса «Границы в современном искусстве» представят отчетный проект.
Название выставки отсылает к вопросу о границах восприятия и феноменах механизмов человеческого мышления. Художник задается вопросом, почему люди обращают внимание на определенные события и процессы, абсолютно игнорируя другие? Не уходит ли при этом из их поля зрения что-то не менее важное? Изучая психологию игнорирования и забвения, художник приходит к понятию слепой зоны.
В экспозицию, наряду с работами в жанрах видео- и саунд-арта, войдет также графика, а во время вернисажа в выставочных помещениях пройдет ряд перформансов. К примеру, экспериментальны
Аудиопроект «Яма» также изучает такое официально исключенное из процесса публичного исполнения музыки явление, как музыка антрактов, которая при всей вспомогательност
Участники мастер-класса «Границы в современном искусстве», прошедшего на прошлых выходных, также представят результаты своих исследований на тему границ в разнообразных медиа – от стриминг-видео до перформанса.
*Для справки: Константин Аджер, художник мультимедиа и современного искусства (Москва). Окончил Государственное Музыкальное Училище им. Гнесиных; Московский Государственный Институт Культуры (кларнет, саксофон); Заочный Университет Искусств (станковая живопись, графика); Международные Мастерские Театра Синтеза и Анимации "Интерстудио", Мастерская Юрия Соболева. Участник группы "Запасный выход" и программы "Escape". Принимал участие более чем в 50 выставках и проектах.
Вход свободный
13-14 АВГУСТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 5)
ВЕРНИСАЖ 13 АВГУСТА 19:00
Алексея Сухова многие знают как автора паблика «Мой поехавший день», но остались и фанаты другой стороны его творчества - объединения 3KP, одним из создателей и моторов которого был Сухов с 2006 по 2010 г. Сейчас Сухов живёт и работает в Москве, но приехав на несколько дней в город, в котором прошла его бурная и противоречивая юность, не смог удержаться от создания арт-объекта и выставки, на открытие которых мы вас приглашаем 13 августа в 19:00 в мастерскую Арт-резиденции (Цех ЦРМ, вход 5). На выставке будут представлены самые свежие работы Алексея Сухова. Даже во время отдыха дисциплинированный художник не нарушал свои давние традиции - создавать не менее одной работы в день и лучшие из них дополнять wow-текстом. Будучи оторванным от цивилизации, художник не имел возможности выкладывать работы в паблике «Мой поехавший день», поэтому первыми, кто оценит их, станут гости ЗАРИ. Две работы, созданные в мастерской арт-резиденции, выполнены в необычном для художника формате, но тем не менее, продолжают заданную автором художественную форму, которую он сам определяет, как «что-то среднее между комиксом, поэзией и журналистикой».
«Всё ещё держимся, но только благодаря тебе» А.Сухов
Алексей Сухов родился в 1987 г. в Лучегорске, где окончил художественную школу №1.
В 2004 г. поступил в ДВГУ на факультет графического дизайна. Во время учёбы увлёкся живописью и графикой.
В 2006 г. вместе с единомышленниками организовал творческое объединение 3KP, просуществовавшее до 2010 г. За время своего существования группа сняла несколько видеоработ: «Кацуба», «Губы волной», «Стефорге» и др.
В 2012 г. окончил курс иллюстрации в Британской Школе дизайна.
В настоящий момент проживает в Москве, где в феврале 2013 г. создал мультимедийный проект «Мой поехавший день», которым занимается на сегодняшний день.
В 2015 году прошла первая персональная выставка «Мой поехавший день» в ЦСИ «СОЛЬ», г. Владивосток
9 СЕНТЯБРЯ – 30 ОКТЯБРЯ
Во Владивостоке пройдет масштабная выставка и ретроспектива работ немецкого художника Харуна Фароки.
С 9 сентября по 30 октября 2016 года Центр современного искусства «Заря», международный кинофестиваль «Меридианы Тихого» совместно с Гёте-Институтом в Новосибирске представят во Владивостоке масштабную выставку и ретроспективу Харуна Фароки.
Центр современного искусства «Заря» в рамках выставки «И еще кое-что становится видимым» покажет 5 инсталляций Фароки, в том числе последние из них — «Серьезные игры» и «Параллель». С 10 по 16 сентября кинофестиваль «Меридианы Тихого» представит 16 фильмов, созданных с 1960-х по 2000-е годы.
Ретроспектива и выставка продемонстрируют три основные линии, проходящие сквозь творчество Харуна Фароки: государственный интервенционизм, рабочие отношения в современном мире и изображение как точка опоры для восприятия человеком мира и самого себя.
Берлинский киновед и критик, сооснователь блога newfilkritik.de Михаэль Бауте, сотрудничавший в течение многих лет с Харуном Фароки, прочитает вводные лекции к ретроспективе и к выставке. Проект также будет сопровождаться лекциями кураторов Татьяны Кирьяновой (выставка) и Андрея Василенко (ретроспектива) и дискуссиями со зрителями о работе Харуна Фароки и его методах.
По результатам проекта «Харун Фароки. И еще кое-что становится видимым» будет издана двуязычная публикация с текстами художника и других авторов.
Умерший в 2014 году художник давно считается классиком политического документального кино и видеоарта. Его фильмы и тексты середины шестидесятых годов, посвященные истории (после)военной Германии, были восприняты в свое время как радикальный политический и эстетический эксперимент. В последующих инсталляциях и текстах Фароки остро критиковал капиталистическое общество потребления; только лишь в конце 1990-х годов его работа получила заслуженное широкое признание. Идеи Фароки сформировали не одно поколение художников и медиа-теоретиков.
30 ИЮЛЯ – 22 АВГУСТА / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ
ВЕРНИСАЖ: 30 ИЮЛЯ 19:00
Участница арт-резиденции «Заря» Лиза Морозова представит свой отчетный проект «Владивосток-Репейный». Название выставки, аналогичное именам железнодорожных станций, делает акцент на том, что для нее этот проект – воображаемая точка на пути художника-путешественника. В данном случае имеют значение не только географические, но и временные координаты: техника, в которой выполнены составляющие основу выставки объекты, знаменует текущий период художественной деятельности автора.
Лиза Морозова выкладывает из репейника стихи на половых тряпках, причем каждая буква или письменный знак соответствует одному репейнику. Уравненные между собой языковые единицы освобождаются от своего значения, а текст трансформируется в абстрактную композицию. Обнаруживая таким образом визуальную структуру текста, художница исследует грань между вербальным и визуальным.
Использование репейника и половых тряпок в качестве основного медиума становится способом достижения нонспектакулярности, своего рода визуального аскетизма, как определяет его сама художница. Неудобный в обращении, неброский визуально материал становится в руках художницы посредником в передаче состояний «эфемерности, природности, детскости». Можно также предположить, что, используя имеющий четкие тактильные ассоциации репейник, художница придает тексту дополнительную осязательность.
Также здесь находит свое применение часто используемый художницей прием – буквализация устойчивых языковых конструкций, идиом. Так, в своих перформансах и инсталляциях она обыгрывала значение выражений «вешать лапшу», «развесистая клюква» и др.; в данном проекте репейник становится тем, что в буквальном смысле «цепляет» – так, как иногда «цепляет внимание» определенный объект, «цепляет за душу» произведение искусства.
При всей абстрактности конечного результата художнице вовсе не безразлично смысловое содержание используемых ею поэтических текстов. Во время резиденции во Владивостоке Лиза Морозова изучала тексты местных авторов – поэзию, фольклор, песни, общалась с ними и в результате выбрала более десятка произведений. Художницу в первую очередь интересовали поэтические тексты авторов, так или иначе связанных с местным контекстом – от Осипа Мандельштама и Варлама Шаламова, Давида Бурлюка и Арсения Несмелова до современных владивостокских поэтов: объединения «Серая лошадь», Спартака Голикова, а также художников и музыкантов Павла Шугурова и Михаила Павина.
Язык представляется нам точным способом коммуникации между людьми, однако несложно обнаружить его подвижность, податливость, субъективность и ненадежность. По словам Лизы Морозовой, ее выставка «Владивосток-Репейный» – про язык искусства, разные способы схватывания смыслов и про невозможность этого достичь, про тотальную невыразимость.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
15 ИЮЛЯ - 24 АВГУСТА / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ
ВЕРНИСАЖ / 14 ИЮЛЯ / 19:00
“Краб внутри” – новый проект художника московской сцены современного искусства Валерия Чтака, созданный специально во Владивостоке.
С одной стороны, это работа Чтака-резидента, который прибыл во Владивосток с насыщенной программой, включающей, помимо выставки, создание стены (или пространственной фрески, murales) на территории фабрики “Заря” и выступление с андеграундными владивостокскими музыкантами. С другой стороны, эта выставка продолжает череду персональных проектов, которые художнику удалось реализовать за последнее время, в том числе "Технически тут все просто" (Галерея Треугольник, Москва, 2016), "Worshood" (Галерея CUB, Рига, 2015), а также готовящуюся к открытию масштабную выставку в ММСИ.
Визуальный язык, созданный Чтаком, узнаваем и сразу запоминается. Его работы, увидев однажды, невозможно не узнать или приписать авторство кому-то другому. При этом его метод заключает в себе несколько ключевых принципов, которые не исключают один другой, а выстраивают по себе новую художественную реальность, неустойчиво коррелирующуюся с реальностью подлинной. Так, теоретик Екатерина Дёготь отмечает в первую очередь приемы, связанные с функцией языка, чрезвычайно важного инструмента “концептуалиста дигитальной эпохи”, как она окрестила Чтака.
Художественный критик Сергей Гуськов метко отмечает, что Валерий работает со слоями, и действительно, художник не только наносит визуально легко опознаваемый “слой” на любую поверхность, от ящика до стула, но и умело манипулирует функцией, формой и историей найденного объекта, а также выходит за пределы объекта, работает с объемом пространства физического и пространства интеллектуального, в котором находится мнимый зритель. Так, слово “слой” и в буквальном, и в метафорическом значении оказывается как точным описанием фильтра, через который Чтак пропускает окружающие пространства, так и оправданием серийно повторяющихся в его работах фрагментов и эпизодов.
Художник Алексей Булдаков, описывая метод Чтака, называет его упорядочиванием и тиражированием хаоса, постоянным взаимодействием со свалкой, и не только буквально – вещей, ставших фоном для серо-черной росписи, но и хаоса совсем другого типа: мусорной свалкой оказывается невнятная куча имен, фраз, визуальных и текстуальных образов, знаков, – и любой артефакт из этой свалки взят на вооружение, может встретиться тут и там, исчезнуть и снова возникнуть, как бы совсем неожиданно, но уместно и даже неотъемлемо, будто кот, грач или краб всегда здесь был и будет.
В чём секрет Валерия Чтака, ставшего успешным и одним из самых узнаваемых и хорошо продаваемых художников из не перешагнувших пока порог “молодого” искусства, доподлинно неизвестно. Возможно, как и “краб”, он кроется внутри выставки.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
2 ИЮЛЯ – 10 ИЮЛЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ
ВЕРНИСАЖ / 2 ИЮЛЯ / 19:00
Проект открывается в пространстве персональной выставки художника «Selected Works». Это масштабная видеоинсталляция
Это антиутопическое сновидение представляет то, что, вероятно, было бы наихудшим кошмаром для местного аборигена. Пророчествуемая цивилизация – это яд. Это предсказание противопоставляе
Именно в рамках резиденции во Владивостоке, в этом урбанистическом образовании на границе континета и океана, у художника возникла метафора о природе и цивилизации. Вода, вездесущая и невозмутимая, существует рядом с жизнью цивилизованных людей, с их непрерывными, очевидно бесполезными перемещениями, забывшими о своем природном начале.
Автор текста: Луиз Морин
ВХОД СВОБОДНЫЙ
Справка: Дмитрий Булныгин родился в Новосибирске, но уже в течение многих лет живет и работает в Москве. Участник многочисленных выставок в стране и за рубежом, он также внес заметный вклад в развитие видеоискусства России, став организатором Международного фестиваля сверхкороткого фильма (ESF).
29 ИЮНЯ / 19:00 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ
Выставка "Скрытое", которая откроется 29 июня в читальном зале ЦСИ "Заря", подведет некоторые итоги исследования, проведенного участником программы арт-резиденции "Заря" Сергеем Новиковым во Владивостоке и Приморском крае.Художник изучает, какое отражение и продолжение в нашей актуальной действительности находят процессы, запущенные в прошлом.
Проект обращается, с одной стороны, к режиму секретности принятия решений, присущему властным структурам государства, с другой - к особому способу функционирования некоторых избранных территорий, анализируя также состояние части общества, непосредственно привлеченной к этой деятельности, переходные периоды и последствия смены охранительного режима на стимулирующий.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
3-10 ИЮНЯ 2016 / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)
Отчетная выставка Михаила Заиканова представит некоторые итоги его полевого и архивного исследования в рамках программы арт-резиденции «Заря». Проект затрагивает историю Приморского края, которая будет рассмотрена здесь сквозь призму истории семьи художника.
История часто представляется нам непрерывающимся повествованием, состоящим из стройно складывающихся в цепь эпизодов. Однако нетрудно обнаружить, что такой подход вносит существенные упрощения, исключая целое поле частных деталей, а жизни и судьба «обычных людей» вовсе не попадают в поле интересов истории. Такая ограниченность традиционной исторической дисциплины уже долго подвергается критическому переосмыслению, что стимулирует возникновение новой историографии. Один из альтернативных подходов – т.н. «история снизу» (history from below), или история повседневности, которая сосредотачивается на истории, культуре, быте обыкновенных людей, составляющих основную массу населения любого государства в любые времена.
«История снизу» изучает документальные свидетельства: дневники, письма, фотографии, любительские видеозаписи. Пожалуй, на бытовом уровне большинство из нас занимается изучением такой истории, просматривая, например, старые фотографии, находя на них знакомых, родственников, людей, о которых только слышали, или тех, чья идентичность теперь не поддается восстановлению. Можно сказать, что в творчестве Михаила Заиканова также проявляются подобные тенденции: в последнее время художник активно работает с семейным архивом, пытаясь посредством изучения частной истории связать разрозненные фрагменты истории страны, охватить ее и восполнить. С Дальневосточным регионом у него есть особая связь – семья отца художника некоторое время проживала здесь в военных поселениях, что запечатлено на многочисленных снимках шестидесятилетней давности.
Отправной точкой проекта послужила одна из таких фотографий, на которой отец художника, совсем еще ребенок, вместе с семьей стоит на крыльце дома в поселке Барабаш во время наводнения. Один из самых мощных тайфунов в истории Приморского края принес значительные разрушения в поселок, и магнетизирующая картина затопленной водой земли с детства привлекала художника в этой фотодокументации.
Вода – ключевой связующий элемент проекта. Водный поток в представлениях разных народов имеет отношение к феномену памяти и забвения – постоянно обновляющийся, он объединяет время, вымывает прошлое в пользу будущего, обладает сокрушительной волей к движению. Однако название выставки – «После тайфуна» – указывает на фокус экспозиции не на самой стихии, а на эффекте, вызываемом ей. Также не является секретом, что фундаментальные исторические изменения по силе разрушительности могут быть равны или даже превосходить природные катастрофы, что наглядно демонстрирует проект Заиканова. Современный Барабаш уже не является военным поселением: рота переведена, военные постройки пришли в запустение и постепенно ветшают. То, что ранее представляло огромное значение и казалось прочным и долговременным, исчезает и предается забвению в короткие сроки.
Проект охватывает разные исторические отрезки: времена функционирования Барабаша в качестве военного городка, тайфун, современное состояние, что сближает их временные плоскости, позволяя проводить аналогии и выявлять закономерности. Это действительно «малая» история, не столь значительная в глобальных масштабах, но величина ее с точки зрения исторической науки не умаляет их важности для исследователя прошлого. При том, что «история снизу» не может давать объективной картины, она тем не менее восполняет важный пробел, говоря о тех, кто обычно исключен из исторического нарратива. Более частный и личностный подход к истории позволяет заново определить ее субъекта и объекта, иными словами, того, кто вершит историю, и того, над кем она вершится.
Справка:
Михаил Заиканов родился в Москве, живет и работает в Москве и Санкт-Петербурге. Учился в Московской школе фотографии и мультимедиа им. Родченко и Институте Проблем Современного Искусства. Работает в жанрах графики, фотографии, создает объекты и инсталляции, не ограничивая себя рамками определенного медиа. Среди персональных выставок – «Идея, Свобода, Вперед» (СТАРТ, Москва, 2012), «Правила игры» (КОМНАТА, Москва, 2013) и др.; также принимал участие выставках «Bajki» (Lazareti, Дубровник, 2016), «Bobby was killed twice» (Галерея Люда, Санкт-Петербург, 2014), «Воспитание» (Fabrika, Москва, 2013) и многих других. Куратор проектов «Дачная выставка» (Санкт-Петербург, 2015), «Порнографика» (Непокоренные, Санкт-Петербург, 2015), «Фантомная выставка» (Санкт-Петербург, 2014).
4 ИЮНЯ-18 СЕНТЯБРЯ / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ
4 июня в ЦСИ «Заря» откроется ретроспективная выставка «Острова Юрия Соболева». Произведения, представленные в экспозиции, охватывают более сорока лет творческой работы культового художника. Выставка продлится до 18 сентября, вход свободный. Впервые масштабный проект «Острова Юрия Соболева», итогом которого стали выставка и научное издание, был реализован осенью 2014 года в Московском музее современного искусства (MMOMA). Изданная в рамках проекта книга стала лауреатом премии в области современного искусства «Инновация-2014» в номинации «Теория, критика, искусствознание». Выставка в Центре современного искусства «Заря» станет логичным продолжением московского проекта. Она представит владивостокской публике уникальный интердисциплинарный проект, в который войдет оригинальная графика Юрия Соболева, анимационные проекты, работы в области графического дизайна, слайд-фильмы из частных коллекций и государственных музеев России. Гости экспозиции смогут увидеть, как идеи и решения, найденные художником в экспериментах с одними медиа, давали неожиданные результаты и творческие находки при работе с другими. В 1960 году Соболев становится главным художником издательства «Знание» и разрабатывает концепцию иллюстрирования научно-популярной литературы образами абстрактного искусства, сюрреализма, оп-арта. Вокруг издательства, а впоследствии и жур- нала «Знание-сила», где Юрий Соболев стал главным художником в 1967 году, объединились друзья-художники—будущие звезды российского современного искусства Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юло Соостер, Виктор Пивоваров, Владимир Янкилевский, Анатолий Брусиловский и другие. Устремленность к новому было жизненной стратегией Юрия Соболева, и во многом определила концепцию его творчества. С 1975 года он начинает работать с «новыми медиа 1970-х»— полиэкранными слайд-фильмами. Первый полиэкран Юрий Соболев совместно с режиссером Юрием Решетниковым сделал для конгресса «Международного совета обществ промышленного дизайна» («ICSID»), который проходил в Москве в киноконцертном зале «Россия» в 1975 году. С 1980 года Соболев использует полиэкраны для сценографии театральных спектаклей, которые он ставит вместе с режиссером Михаилом Хусидом в театрах Урала, участвуя в неформальном движении молодых режиссеров, которые занимались реформой советского кукольного театра 1970-1980-х годов. В 1994 году на базе Санкт-Петербургской Академии Театрального Искусства Юрий Соболев набирает курс художников, для обучения по новой программе, в которую входили лекции по истории современного искусства, перформанса, видеоарта и пр. «Школа Юрия Соболева», включавшая также практические занятия и участие студентов в выставках, стала первым подобным образовательным проектом в нашей стране.
ВХОД СВОБОДНЫЙ