ЧЕМ С БОЛЬШИМ КОЛИЧЕСТВОМ ВЕЩЕЙ СОЕДИНЕН ОБРАЗ, ТЕМ БОЛЬШЕЙ СИЛОЙ ОН ОБЛАДАЕТ. БАРУХ СПИНОЗА
Выставки

19 АПРЕЛЯ – 17 СЕНТЯБРЯ / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открывается выставка Московского музея дизайна «Советский дизайн 1950-1980».

«Советский дизайн 1950-1980» результат четырехлетней работы сотрудников Московского музея дизайна с архивами советских дизайнеров, тщательного отбора экспонатов, наиболее ярко показывающих историю и достижения российского дизайна; это исследование нашей материальной культуры. В экспозиции представлено более 500 предметов: мебель, текстиль, бытовая техника и посуда, игрушки, плакаты, уникальные архивные материалы.

Разделы выставки представят различные аспекты жизни и материальной культуры советского гражданина: мир детства и игр, спорт и массовые мероприятия, досуг и хобби, обустройство домашнего быта, образование, наука и индустриальное производство. На выставке будут показаны объекты, образцы графического и промышленного дизайна, оригинальные чертежи и макеты из собрания Московского музея дизайна и частных коллекций, уникальные экспонаты, предоставленные дизайнерами и их семьями.

Советские дизайнеры стремились создавать долговечные и качественные вещи «вне времени». Ассортиментная политика государства и принципы модульного проектирования позволяли создавать унифицированные модели, которые могли быть адаптированы к различным социально-бытовым и культурным условиям. Такой разумный, «экологичный» подход стал «визитной карточкой» советской системы дизайна.

К выставке подготовлены видеоинтервью с ведущими дизайнерами советского времени: Юрием Соловьевым, Валерием Акоповым, Владимиром Рунге, Игорем Зайцевым, Светланой Мирзоян, Владимиром Анисимовым, Александром Ермолаевым. В рамках экспозиции будет показан уникальный документальный фильм «Дизайн в СССР», который был сделан специально для продвижения советского дизайна за рубежом.

В 2012 году выставка «Советский дизайн 1950-1980» открылась в ЦВЗ «Манеж», в 2015 с огромным успехом прошла в центральном выставочном зале Кунстхал Роттердам (Роттердам, Нидерланды), а в 2018 будет представлена в Музее искусства и дизайна Атомиум (Брюссель, Бельгия).

В рамках параллельной программы к выставкам «Советский дизайн 1950-1980» и «Материализация» ЦСИ «Заря» и Дальневосточный федеральный университет проведут международную научно-практическую конференцию, посвященную теме современного предметного дизайна и развития этой дисциплины в России. Конференция пройдет на кампусе ДВФУ с 18 по 22 апреля.

ВХОД СВОБОДНЫЙ


25-31 МАРТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

25 МАРТА / 19:00 / ОТКРЫТИЕ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Художник из Владивостока Андрей Дмитренко представит проект по итогам участия в арт-резиденции «Заря».

Проект Андрея посвящен состоянию неопределенности, которое так характерно для молодых жителей Владивостока. Несомненной и ярко выраженной местной тенденцией последних десятилетий является миграционный отток образованного и трудоспособного населения, усугубленный портовой спецификой города, где все – временно, изменчиво, не навсегда. Поневоле у молодых жителей возникает вопрос: оставаться или последовать примеру знакомых и уехать? При этом окружающая реальность не дает однозначного ответа, и поиски направляющих движение маяков, сигналов к действию остаются индивидуальной ответственностью каждого, кто задается этим вопросом.

Метания и сомнения, характерные для общества с отсутствующими или искусственно привитыми ценностями и критериями, свойственны и самому художнику как представителю поколения молодых людей, родившихся и выросших во Владивостоке. Проект становится отражением этой ситуации и попыткой уловить сигналы – в словах своих друзей и ровесников, точно так же спрашивающих себя о своем настоящем и будущем.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

МАЛЫЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

18 марта в Центре современного искусства «Заря» откроется персональная выставка японской художницы Митико Цуды «Наблюдающий лес». На выставке будут представлены видеоработы из серии «Yeu & Mo», а также инсталляция «Ты вернулся бы туда, чтобы снова меня увидеть на следующий день» («You would come back there to see me again the following day»).

Данная экспозиция не только впервые демонстрирует работы Митико Цуды в России, но и призвана стимулировать дискуссию о репрезентации идеи движения в искусстве на фоне выставки русского кинетического искусства «Вечный двигатель», которая открылась в ЦСИ «Заря» в феврале.

Представленные произведения Митико Цуды являются уникальным примером лаборатории по изучению движущегося объекта и его восприятия зрителем, в котором эксперимент ставится одновременно над изображаемым, над субъектом, временем действия и над системой, в которой существует эта коммуникация.

Исследование Цуды оперирует инструментами одновременно двух дисциплин — перформанса, для которого ключевым моментом является непосредственный опыт пребывания тела во времени и пространстве, в некой заданной ситуации, и медиаискусства, которое концентрируется на фиксации и передаче информации (в нашем случае — об опыте данного тела).

Какие чувства возникают, когда на нас направлены объективы камер? Если они снимают нас против нашего желания, не стремимся ли мы к тому, чтобы стать объектом, а не субъектом чьего-то пристального внимания? Исследование Митико Цуды может указывать на то, что наше представление о себе размыто репрезентацией нас самих в медиа; но также и на то, что медиаполе, которое кажется агрессивным, таящим угрозу лесом, является ничем иным, как отражением нас самих. Однозначного ответа на то, как трактовать работы Цуды, не существует, однако, как и в ситуации с настоящей, вызывающей тревогу чащей в лесу, у субъекта есть два варианта: либо он смотрит, либо смотрят на него.

* Митико Цуда (р. 1980) – японская художница, работающая с видео и новыми медиа. Получила степень мастера искусств (MA) и доктора философии (PhD) в Токийском университете искусств (Tokyo National University of the Arts). В числе ее персональных выставок – Photographs show you images, taimatz, Токио (2016), The Day After Yesterday, TARO NASU, Токио (2015), Plan of the Room, switch point, Токио (2014), jet lag, kasarne kultur park, Кошице, Словакия (2014). Также принимала участие в ряде групповых экспозиций, среди которых Landscapes: New vision through multiple windows,Japan Creative Centre, Сингапур (2017), OPEN SPACE 2016: Media Conscious, NTT InterCommunication Center [ICC], Токио (2016), НИИ ОП! НАУКА. ИСКУССТВО. ИЛЛЮЗИИ, Государственная галерея «На Солянке», Москва (2014).

БОЛЬШОЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

Куратор выставки: Полина Борисова

Выставка «Вечный двигатель» — это первая в России попытка осветить такое масштабное и значимое направление искусства, каким является кинетизм, со всех сторон, от момента зарождения до настоящего времени.

Как относительно цельное направление в искусстве кинетизм сформировался в 1950-е годы на Западе. Именно в это время в художественной критике появляются термины «кинетизм», «кинетисты», «кинеты» (от греческого kinesis — движение, двигаться). Происходит рождение нового типа творца — художника-инженера, стремящегося воплотить в искусстве движение как таковое при помощи мобилей — механических и оптических приспособлений. Однако истоки этого течения следует искать в творческих изысканиях русского авангарда начала ХХ века.

Первым непосредственно кинетическим объектом можно считать мобиль Наума Габо «Стоящая волна», созданный в 1920 г. в Москве с целью осмыслить движение и динамический ритм как эстетическую категорию.

В поле кинетизма попадает всё: искусство, дизайн, архитектура, музыка. Кинетизм работает со статикой и динамикой, со светом, оптикой и темнотой, с музыкой, звуком и иногда — тишиной. Так, опираясь на основы русского авангарда и достижения различных областей культуры и искусства, кинетизм, с одной стороны, создаёт на пересечении искусств невероятный синтез, с другой — становится зеркалом технического прогресса и его восприятия человеком.

Рассказать историю русского кинетического искусства помогут экспонаты из собраний Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Государственного музея В. В. Маяковского, Государственного музея архитектуры им. А. В. Щусева, Государственного музейно-выставочного центра РОСИЗО, НИИ «Прометей» (КНИТУ-КАИ, Казань), а также из собрания коллекционера Михаила Алшибая, архивов Натальи Термен, художника Сергея Зорина, заведующего сектором мультимедийных проектов Московской государственной консерватории Андрея Смирнова.

Впервые во Владивостоке можно будет увидеть такие знаковые произведения новой истории русского искусства, как макет «Памятника III Интернационала» Владимира Татлина, терменвокс Льва Термена, знаменитый «Киберцветок» Льва Нусберга и Сергея Зорина, самонапряженные конструкции и штриховую стереографию Вячеслава Колейчука, собранную из 22500 бритвенных лезвий скульптуру «Галатея» Бориса Стучебрюкова, мобили Леонида Борисова, инсталляцию «БиКаПо» Германа Виноградова, свето-музыкальные объекты СКБ «Прометей». В экспозицию также вошли реконструкции произведений Густава Клуциса, Наума Габо, Александра Родченко, литографии Эля Лисицкого, Казимира Малевича. Кроме того специально для работы над выставкой приглашены современные художники-кинеты.

Участники:

Наум Габо, Владимир Татлин, Александр Родченко, Густав Клуцис, Карл Иогансон, Казимир Малевич, Илья Чашник, Тавель Шапиро, Эль Лисицкий, Татьяна Макарова, Дзига Вертов, Георгий Гидони, Георгий Крутиков, Константин Мельников, Лев Термен, Соломон Никритин, Арсений Авраамов, Борис Янковский, Группа "Движение", Лев Нусберг, Франциско Инфанте, Вячеслав Колейчук, Сергей Зорин, Александр Григорьев, Галина Битт, Римма Заневская, Виктор Степанов, Анатолий Кривчиков, Михаил Дорохов, Владимир Акулинин, СБК «Прометей», Булат Галеев, Юрий Правдюк, Леонид Борисов, Борис Стучебрюков, Михаил Карасик, Герман Виноградов, Роман Сакин, Паша 183, Дмитрий vtol Морозов, Илья Трушевский.

МАЛЫЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

Куратор: Анастасия Марухина

В ЦСИ «Заря» открывается первая в России персональная выставка ZERBRECHUNG («Взламывание») немецкого художника Фабиана Кнехта одного из ярких представителей современной художественной сцены Берлина.

Фабиан Кнехт работает со средой с помощью пространственно-временных инсталляций, перформансов и акций. Выставка ZERBRECHUNG («Взламывание») объединяет работы художника из разных циклов, отталкивающихся от критического осмысления действительности и художественной системы на микроуровне личного опыта и повседневных наблюдений конкретных экологических и социальных условий.

В экспозиции представлены объекты, видео- и фотодокументация художественных акций, живой перформанс в выставочном пространстве ЦСИ «Заря» и специально созданные для выставки site-specific инсталляции. В центре персональной выставки Фабиана Кнехта находится осмысление субъекта «длящейся» вещи. Художник «одушевляет» объекты не через механическое движение или оптические иллюзии, а посредством создания ситуаций в повседневной жизни, которые нарушают и порождают новые смыслы и значения в предметных и социальных взаимосвязях.

Название выставки ZERBRECHUNG — это труднопереводимое немецкое слово-неологизм, которое художник придумал для названия одной из своих работ, присоединив к глаголу zerbrechen (разрушать, разбивать, взламывать) суффикс существительного -ung. Таким способом художник называет свои работы, что характеризует его художественный принцип — опредмечивание действия, или переход действия в произведение искусства.

Одноименная работа — введение к теме демонтажа и взлома границ художественной практики: художник документирует, как нелегально проникает ночью на территорию дома-памятника в Бленвиль-Кревон, где родился Марсель Дюшан, и разбивает камнем окно. Этот акт вандализма является символичным, если не ритуальным жестом. С одной стороны, это преемственность наследия концептуального искусства, основу которого заложил Дюшан. А с другой стороны, вспоминая работу Дюшана c окном Fresh Widow (1920), это действие воспринимается как применение закона равного возмездия, или «окно за окно», и возврат к ценности созидательной силы художника через художественное действие.

Ключевой для выставки является и тема развенчивания значения музея и галереи как единственной среды для существования произведения искусства и места тотальной власти над созданием смыслов. На выставке будут представлена документация «поджогов» Музея современного искусства в Загребе и Новой национальной галереи в Берлине — известных акций Фабиана Кнехта. К действиям, направленным на разрушение ауры музея, относится и запланированный на открытии выставки перформанс со зданием ЦСИ «Заря» VERLETZUNG («Повреждение»).

Очень простые по форме, бескомпромиссные и прямые по воздействию объекты Фабиана Кнехта, представленные на выставке, направлены на намеренное создание чувства дискомфорта и раздражения наблюдателя. Порой чужеродные или нефункциональные в конкретной среде действия или предметы оказываются за пределами эмпирического факта и создают место связи мира художника и свидетеля, искусства и реальности. Одновременно они направлены на поднятие актуальных вопросов. Где находятся границы нормальности и невменяемости, благополучия и катастрофы, реальности и иллюзии, между проживаемыми буднями и созданием произведения искусства? И способна ли перестановка вещей пробудить самосознание или, наоборот, делает свидетеля уязвимым и приводит к отрицанию действительности?

Время жизни подобного произведения всегда ограничено, и часть его существования находится в скорости забывания. Исчезновение, погружение в темноту, забвение — единицы измерения произведений Кнехта. И как сам художник говорит, перефразировав слова Марка Твена: «Они знали, что это было потеряно, и именно поэтому они это делали».

5 ноября 2016 г. - 22 января 2017 г.

МАЛЫЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

Куратор выставки: Мария Крамар

Яна Гапоненко, Инна Додиомова, Роман Иванищев, Кристина Норман, Алексей Таруц, Ксения Фролова; Луис Каплан, Джон Крэг Фриман и Мелисса Шифф

Выставка «Отсутствующие монументы» продолжает кураторский проект Марии Крамар, начатый в 2015 году в резиденции ЦСИ «Заря». Исследование локального контекста, проведенное вместе со студентами во время месячного образовательного курса, спровоцировало интерес к теме нематериального монумента.

«Отсутствующие монументы» — проект-исследование материальных форм памяти, существующих сегодня в нематериальном ландшафте Владивостока.

Размышление о монументахможет отталкиваться от бумажного памятника Колоссу Родосскому — гигантской статуи древнегреческого Бога Солнца Гелиоса, которая, возможно, стояла в портовом городе Родосе и до сих пор авторитетно причисляется к одному из «Семи чудес света». Не существует ни одного свидетельства физического существования монумента. Более того, не известны ни форма, ни точное место расположения статуи. Единственные доступные свидетельства — произведения литературы и фантазии живописцев — достоверны в той же мере, что и мифы Древней Греции. Интересно, что в 2008 году сразу несколько компаний объявили о намерении реконструировать статую, например, в виде светотехнической инсталляции или развлекательного центра.

Такой утопический подход характерен и для проектов бумажной архитектуры, причем здесь более показательны даже не авангардные проекты советской архитектуры 1980-х годов, а отсутствующие памятники Джованни Баттиста Пиранези. Итальянский архитектор XVIII века создал множество гравюр с изображением фантастических архитектурных памятников, капителей колонн древних зданий, скульптурных фрагментов, саркофагов, каменных ваз, канделябров, плит для мощения дорог, надгробных надписей, планов зданий, городских ансамблей и т.д., построив в действительности лишь одно здание. «Они презирают мою новизну, я — их боязливость», — писал Пиранези.

Однако важной отличительной чертой бумажной архитектуры от интересующей нас идеи бумажного памятника как нематериальной единицы является то, что архитекторы создавали свои проекты не с целью их последующей физической реализации. «Бумажная» функция была заложена в них изначально; авторы осознавали техническую сложность, масштабность и запредельную дороговизну своих проектов. Напротив, в нашем случае нереализованность/смерть монумента является стихийным качеством/событием, не заложенным изначально в его идею.

Снесенный памятник адмиралу Российского Императорского флота В.И. Завойко и установленный на его месте памятник большевику С.Г. Лазо; проект установки самого большого в мире памятника Иисусу З. Церетели; проект установки памятника китобоям; деконструированный памятник адмиралу Г.И. Невельскому; виртуальный памятник Арарат; памятник неопознанному летающему объекту в Эстонии — все эти истории объединяет возможность говорить о памяти при невозможности до нее дотронуться. Может ли памятник, будучи массивным объектом, хранящим историческое, реализовывать свои функции в эфемерной среде — в тексте, визуальном образе, звуке, в приложении для смартфона — и будет ли он в таком случае по-прежнему оставаться носителем памяти?

Куратор и участники проекта обращаются к двусторонним процессам — присутствию/увековечиванию и отсутствию/разувековечиванию монументов, — чтобы начать разговор об историческом наследии города.

В выставке представлены как художественные работы, так и архивные данные, документы, фотографии, найденные видео, а также комментарии историков, архивистов и скульпторов.

БОЛЬШОЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

Куратор выставки: Андрей Ерофеев

Тематическая выставка современного искусства посвящена ключевым элементам российского природного и городского ландшафта. Таким двум особенностям состояния территории, по которым все наши соотечественники сразу узнают родную землю.

Пустырь – это заброшенная городская территория, отпущенная на самотек, выпавшая из-под культурного и административного контроля. А пустошь - это аналогичное явление в дикой природе. Гиблое место, где некогда рос лес, а ныне на выгоревшей или заболоченной местности топорщатся заросли. Хаос этих мест близок к тотальности. В них наблюдается почти полное отсутствие знакомого порядка вещей. Цельных ценных объектов здесь нет, взгляд посетителя блуждает в пустоте бесформенно распавшегося пространства. Пустыри и пустоши имеются во всех так называемых «цивилизованных странах». Но там «пустырность» и «пустошность» - кратковременное состояние места, пауза между прошлым содержанием, которое исчезло, и будущим контентом, который в этом месте вот-вот возникнет. Они редки. Это штучные изъяны на пространстве веками ухоженной территории. Россия же относится к таким странам, где островки благоустройства точечно мерцают в безбрежном мире хаоса. Здесь пустыри и пустоши постоянны и даже имеют тенденцию к расширению. Де факто они являются базовой характеристикой российской территории. Большинство наших соотечественников тем не менее не склонны наделять пустыри и пустоши духовным, культурно-цивилизационным смыслом и признавать их права на легальный статус в качестве значимых элементов городской и природной среды.

Для одной части нашего общества пустыри и пустоши есть феномены хотя неизбежные, но низменные и даже постыдные, как «отхожие места», которые неприлично рассматривать и обсуждать. Другая часть общества, напротив, питает безумный интерес к апокалипсическим картинам тотальной разрухи, пускаясь в виртуальный (в компьютерных играх) или же реальный экстремальный туризм по глубинам мира забросов. Но они тоже не воспринимают пустырь контекстом своего существования. Напротив, вуареризм в экзотическое зазеркалье служит диггерам, сталкерам, убрексам и их многочисленным поклонникам в Интернете средством ментального дистанцирования от окружающего их захолустья.

Между тем, в русском изобразительном искусстве уже третий век подряд зреет и формируется традиция восприятия пустырей и пустошей идентификационным (или опознавательным) аллегорическим пейзажем «русского мира». Она рождена программой национального пейзажа Романтизма, поисками визуального эквивалента «гения места», в котором скрещиваются природные, социальные, духовные факторы, а также особенности повседневного быта народа. Вместе они моделируют специфический стандарт контекста, который как след или отпечаток неизменно воспроизводится данной нацией в каком бы географическом регионе она ни селилась. Идентификационный российский пейзаж-пустырь ведет свое начало от знаменитой мрачной «Оттепели» Федора Васильева. Этот тип ландшафта продолжен в лирических «мостиках» Поленова и Коровина, а в советское время он лег в основу пейзажной живописи художников-«нон-конформистов», составив естественную альтернативу райским видениям коммунизма. Пустоши и пустыри изображали крупнейшие мастера андерграунда - Эрик Булатов, Олег Васильев, Михаил Рогинский, Дмитрий Плавинский, Семен Фейбисович, а также концептуалисты Ильи Кабаков, Виталий Комар и Алекс Меламид, Александр Бродский. Чтобы подчеркнуть преемственность темы данная выставка открывается работами некоторых из этих мастеров старшего поколения. Но главное место в экспозиции отдано тем, кто представляет постсоветский период российского искусства. В основном это московские и питерские художники, к которым добавился талантливый тандем латышских авангардистов Катрина Нейбурга и Андрис Эглитис, создавших огромную инсталляцию на тему «гаражной жизни» для Венецианской Биеннале-2015. Владивосток на выставке представлен работами знаменитого музыканта и художника-мистификатора Павла Шугурова, чьи работы будут экспонироваться в металлических гаражах – главном атрибуте местных пустырей. В произведениях всех этих художников пустыри и пустоши сохраняют изначальный смысл аллегории русской жизни. Но их пейзажи более не закольцованы на символике социального и экзистенциального неблагополучия, отчуждения, покинутости, застоя и бессилия. В них пустыри и пустоши поданы скорее в привлекательном свете - в качестве оригинальной предметно-пространственной среды насыщенной причудливыми фрагментами «самостроя» и историческими руинами, населенной животными-изгоями, растениями-паразитами и необычными жителями из числа люмпенов и маргиналов. Этот бесшабашный люд не только предается здесь неге и плотским удовольствиям, но занят производственной деятельностью. Непризнанный мир дарует своим обитателям свободную, не санкционированную, бесконтрольную жизнь. Эти места проявляют особенную эстетику, основанную на таких формах и фактурах, которые в зонах порядка и дисциплины имеют негативную коннотацию – на пыли, грязном снеге, перемешанном с глиной, на месиве тягучей, жижеобразной пластики, в которой тонут хаотически перемешанные и перемолотые осколки былой жизни. Пустыри и пустоши – это окна, раскрытые как на историю, чьи материальные свидетельства в других местах власть санирует, так и на будущее, на призрачные утопии, которыми элиты регулярно соблазняют население. Художники не только исследуют морфологию пустыря и пустоши, но и представляют зрителю особенности перевернутой оптики «русского взгляда», которым обитатель таких мест воспринимает внешний мир.

Состав художников:

Кирилл Асс, Александр Бродский, Олег Васильев, Софья Гаврилова, группа «Синий суп», Илья Долгов, Аня Желудь, Алексей Каллима, Виталий Комар и Алекс Меламид, Елизавета Коновалова, Елена Коптяева, Валерий Кошляков, Иван Лунгин, Роман Мокров, Владимир Молочков, Катрина Нейбурга и Андрис Эглитис, Викентий Нилин, Никола Овчинников, Антон Ольшванг, Павел Пепперштейн, Дмитрий Плавинский, Анастасия Потемкина, Михаил Рогинский, Витас Стасюнас, Илья Трушевский, Семен Файбисович, Павел Шугуров.

4-20 СЕНТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ

ВЕРНИСАЖ И ПЕРФОРМАНС: 4 СЕНТЯБРЯ / 19:00

Участник арт-резиденции «Заря» Константин Аджер и участники мастер-класса «Границы в современном искусстве» представят отчетный проект.

Название выставки отсылает к вопросу о границах восприятия и феноменах механизмов человеческого мышления. Художник задается вопросом, почему люди обращают внимание на определенные события и процессы, абсолютно игнорируя другие? Не уходит ли при этом из их поля зрения что-то не менее важное? Изучая психологию игнорирования и забвения, художник приходит к понятию слепой зоны.

В экспозицию, наряду с работами в жанрах видео- и саунд-арта, войдет также графика, а во время вернисажа в выставочных помещениях пройдет ряд перформансов. К примеру, экспериментальный подход художника к музыке и интерес к неочевидным музыкальным формам найдет свое отражение в перформансе «Концерт для двух настройщиков и двух фортепиано», который совместит в едином пространстве двух профессиональных настройщиков фортепиано, давая возможность осознанно воспринимать их деятельность не только как рутинный технический процесс, но и как интимное и творческое действо, требующее не меньших знаний и талантов, чем профессиональное исполнение музыки.

Аудиопроект «Яма» также изучает такое официально исключенное из процесса публичного исполнения музыки явление, как музыка антрактов, которая при всей вспомогательности своей функции складывается в самостоятельную композицию. Воплощение данного проекта стало возможным при всесторонней поддержке администрации Приморской сцены Мариинского театра и лично помощника директора Александра Ивановича Вовненко.

Участники мастер-класса «Границы в современном искусстве», прошедшего на прошлых выходных, также представят результаты своих исследований на тему границ в разнообразных медиа – от стриминг-видео до перформанса.

*Для справки: Константин Аджер, художник мультимедиа и современного искусства (Москва). Окончил Государственное Музыкальное Училище им. Гнесиных; Московский Государственный Институт Культуры (кларнет, саксофон); Заочный Университет Искусств (станковая живопись, графика); Международные Мастерские Театра Синтеза и Анимации "Интерстудио", Мастерская Юрия Соболева. Участник группы "Запасный выход" и программы "Escape". Принимал участие более чем в 50 выставках и проектах.

Вход свободный

13-14 АВГУСТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 5)

ВЕРНИСАЖ 13 АВГУСТА 19:00

Алексея Сухова многие знают как автора паблика «Мой поехавший день», но остались и фанаты другой стороны его творчества - объединения 3KP, одним из создателей и моторов которого был Сухов с 2006 по 2010 г. Сейчас Сухов живёт и работает в Москве, но приехав на несколько дней в город, в котором прошла его бурная и противоречивая юность, не смог удержаться от создания арт-объекта и выставки, на открытие которых мы вас приглашаем 13 августа в 19:00 в мастерскую Арт-резиденции (Цех ЦРМ, вход 5). На выставке будут представлены самые свежие работы Алексея Сухова. Даже во время отдыха дисциплинированный художник не нарушал свои давние традиции - создавать не менее одной работы в день и лучшие из них дополнять wow-текстом. Будучи оторванным от цивилизации, художник не имел возможности выкладывать работы в паблике «Мой поехавший день», поэтому первыми, кто оценит их, станут гости ЗАРИ. Две работы, созданные в мастерской арт-резиденции, выполнены в необычном для художника формате, но тем не менее, продолжают заданную автором художественную форму, которую он сам определяет, как «что-то среднее между комиксом, поэзией и журналистикой».

«Всё ещё держимся, но только благодаря тебе» А.Сухов

Алексей Сухов родился в 1987 г. в Лучегорске, где окончил художественную школу №1.
В 2004 г. поступил в ДВГУ на факультет графического дизайна. Во время учёбы увлёкся живописью и графикой.
В 2006 г. вместе с единомышленниками организовал творческое объединение 3KP, просуществовавшее до 2010 г. За время своего существования группа сняла несколько видеоработ: «Кацуба», «Губы волной», «Стефорге» и др.
В 2012 г. окончил курс иллюстрации в Британской Школе дизайна.
В настоящий момент проживает в Москве, где в феврале 2013 г. создал мультимедийный проект «Мой поехавший день», которым занимается на сегодняшний день.
В 2015 году прошла первая персональная выставка «Мой поехавший день» в ЦСИ «СОЛЬ», г. Владивосток

9 СЕНТЯБРЯ – 30 ОКТЯБРЯ

Во Владивостоке пройдет масштабная выставка и ретроспектива работ немецкого художника Харуна Фароки.

С 9 сентября по 30 октября 2016 года Центр современного искусства «Заря», международный кинофестиваль «Меридианы Тихого» совместно с Гёте-Институтом в Новосибирске представят во Владивостоке масштабную выставку и ретроспективу Харуна Фароки.

Центр современного искусства «Заря» в рамках выставки «И еще кое-что становится видимым» покажет 5 инсталляций Фароки, в том числе последние из них — «Серьезные игры» и «Параллель». С 10 по 16 сентября кинофестиваль «Меридианы Тихого» представит 16 фильмов, созданных с 1960-х по 2000-е годы.

Ретроспектива и выставка продемонстрируют три основные линии, проходящие сквозь творчество Харуна Фароки: государственный интервенционизм, рабочие отношения в современном мире и изображение как точка опоры для восприятия человеком мира и самого себя.

Берлинский киновед и критик, сооснователь блога newfilkritik.de Михаэль Бауте, сотрудничавший в течение многих лет с Харуном Фароки, прочитает вводные лекции к ретроспективе и к выставке. Проект также будет сопровождаться лекциями кураторов Татьяны Кирьяновой (выставка) и Андрея Василенко (ретроспектива) и дискуссиями со зрителями о работе Харуна Фароки и его методах.

По результатам проекта «Харун Фароки. И еще кое-что становится видимым» будет издана двуязычная публикация с текстами художника и других авторов.

Умерший в 2014 году художник давно считается классиком политического документального кино и видеоарта. Его фильмы и тексты середины шестидесятых годов, посвященные истории (после)военной Германии, были восприняты в свое время как радикальный политический и эстетический эксперимент. В последующих инсталляциях и текстах Фароки остро критиковал капиталистическое общество потребления; только лишь в конце 1990-х годов его работа получила заслуженное широкое признание. Идеи Фароки сформировали не одно поколение художников и медиа-теоретиков.