ХОРОШИЙ АРХИТЕКТОР НИЧЕГО НЕ ИЗОБРЕТАЕТ, А, СКОРЕЕ, РАСКРЫВАЕТ СУЩЕСТВУЮЩИЙ ПРИРОДНЫЙ ПОТЕНЦИАЛ СРЕДЫ И ДОПОЛНЯЕТ ЕГО ТЕМ, ЧЕГО ЕМУ НЕДОСТАЕТ. ЮХАНИ ПАЛЛАСМАА
Выставки

10-22 МАРТА / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Итальянская художница участница программы арт-резиденции «Заря» представит результаты итогового проекта «Развязанные истории».

Текстиль, будь то одежда или предметы быта, находится ближе всего к человеческому телу, изменяется и изнашивается с течением жизни. Он становится материальным свидетелем индивидуальной истории, недаром почти у каждого есть вещь, которая уже не выполняет своих практических функций, однако с ней тяжело расстаться именно из-за сопутствующих эмоций и воспоминаний.

Именно текстиль и практики, связанные с его обработкой, находятся в фокусе Элены Редаэлли. Она – художник-номад: прожив большую часть жизни в родной Италии, она перемещается на север Европы, в Норвегию, где проводит пять лет, а в последнее время путешествует по Азии, работая на фестивалях и в арт-резиденциях Китая, Тайваня, Австралии. Наиболее значимые проекты Элены предполагают работу с вовлечением местных жителей, которая способствует внутреннему взаимодействию в коллективе и созданию новых связей. Художница подчеркивает, что авторство произведения искусства принадлежит не только ей, но всем участникам процесса его создания.

Проекты Элены создаются с глубоким уважением к характеру места, в котором она работает, поэтому в арт-резиденции «Заря», расположенной на территории бывшей швейной фабрики, художница размышляет на тему отработавшего свое текстиля, найденного ею во Владивостоке. Несмотря на то, что артефактов, связанных с прошлым «Зари», практически не осталось, фабрика хранит документальные и фотоархивы. Проект художницы может быть рассмотрен как символическое возвращение памяти месту.

В центре «Развязанных историй» – обработанное и видоизмененное полотно ковра, разделенное на условные части. Нижняя треть представляет собой распущенные нити, вскрывающие структуру плетения и обнажающие следы кропотливого труда, который стоит за каждым таким предметом интерьера, даже если он изготовлен в условиях массового производства. Центральный участок ковра художница оставила нетронутым, его края выявляют и подчеркивают экзотический ближневосточный орнамент. Верхняя часть полотна – мозаика из работ участников мастер-классов по переработке текстиля, которые в течение прошедшего месяца художница еженедельно организовывала в мастерской арт-резиденции; эти элементы сопровождают краткие истории и комментарии. Также в экспозицию входит найденная униформа студента морской академии, декорированная нитями ковра в технике валяния из шерсти.

На идею проекта Элену Редаэлли натолкнули фотографии советского интерьера. Ковры, которые в огромном количестве производились на фабриках южных республик СССР, украшали не только полы, но и стены типичных квартир послевоенного периода. Помимо утилитарной функции – сохранять тепло внутри помещений и поддерживать звукоизоляцию – они имели и символическую ценность как предметы, указывающие на материальное благополучие. И хотя настоящее время от ковров избавляются как от устаревшего и китчевого элемента интерьера, для большинства жителей России они по-прежнему ассоциируются с повседневным бытовым фоном, сопровождающим жизненные события.

Текстиль Элены Редаэлли обращается в первую очередь к тому эмоциональному наполнению, которое присуще уже использованной, износившейся или просто надоевшей ткани. В ее проекте личные повествования – те, которыми поделились участники проекта, и те, что никогда не будут рассказаны – становятся нитями, из которых плетется полотно общечеловеческой истории.

Арт-резиденция «Заря» благодарит за помощь поиске материалов владивостокское сообщество «Фэшн юродивый», которое инициирует организованный сбор старой одежды и текстиля для последующего распространения и использования в художественных и дизайн-проектах.

Справка: Элена Редаэлли (р. 1981) родилась в Италии, живет и работает в Норвегии. В 2005 г. окончила Академию изящных искусств в Риме, Италия по специальности «Скульптура». Среди недавних персональных выставок - WEAVING A BETTER FUTURE, WAB and Red Gate Gallery, Пекин, КНР (2017); VESTIGE, Upper Ray Gallery, Treasure Hill, Тайбэй, Тайвань (2017), FADEN WERK, Kunstverein in Bad Godesberg, Бонн, Германия (2016). Участница таких групповых проектов, как Guandu International Nature Art festival, Тайбэй, Тайвань (2016), International forest Art path, Дармштадт, Германия (2016),RES-ART TRAME D'AUTORE, Imbiancheria del Vajro, Турин, Италия (2016), Biennale Giovani Monza, Villa Reale Monza, Италия (2013).

23 ФЕВРАЛЯ 13 МАЯ / БОЛЬШОЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открыта организованная совместно с Московским музеем современного искусства ретроспективная выставка «Тимур Новиков и «Новые художники».

«Выставка подробно и объемно рассказывает зрителю историю одного из самых ярких и важных периодов в русском современном искусстве, — говорит главный куратор Центра современного искусства «Заря» Алиса Багдонайте. – Тимуру Новикову и «Новым» удалось сформировать вокруг себя творческую позицию, максимально контрастную социальному, политическому и художественному контексту своего времени. Для нас большая честь впервые на Дальнем Востоке показать легендарные произведения искусства». На выставке в ЦСИ «Заря» будут представлены уникальные работы Тимура Новикова, Олега Котельникова, Инала Савченкова, Вадима Овчинникова, Сергея Чернова, Сергея Бугаева и других представителей ленинградского авангарда 80-90-х гг. – тканные коллажи из серии «Горизонты», живопись, архивные материалы (фотографии, тексты, видеоматериалы «Пиратского телевидения»), поэзия и проза художников, арт-объекты, костюмы. Экспозиция будет разделена на несколько тематических пространств: работы Тимура Новикова, зал некрореализма, зал группы «Поп-механика», залы творческих объединений «Новых художников», «Новых диких» и «Новых композиторов». Выставка в ЦСИ «Заря» всесторонне представляет деятельность группы с помощью Московского музея современного искусства, Музея Art4ru, Петербургского видеоархива, собраний семьи Тимура Новикова и Сергея Шутова. Куратор выставки – Екатерина Андреева.

«Новые художники» — творческая группа, созданная художником и куратором Тимуром Новиковым и его ближайшими друзьями Иваном Сотниковым, Олегом Котельниковым, Кириллом Хазановичем и Георгием Гурьяновым. «Новые художники» объединяются в результате знаменитой акции Новикова и Сотникова «Ноль-объект», за которой в 1983 году следуют еще два хеппенинга «Первый концерт утюгона» и «Медицинский концерт». К концу 1980-х в группе состояло больше 70 участников, одновременно входивших во множество разных пересекающихся объединений — вроде Клуба друзей Маяковского, Инженеров искусств, некрореалистов и так далее.

Творчество «Новых художников» – это преображение жизни: не только живопись, графика, панно, коллажи, но и литературные произведения, анимационные и игровые фильмы, создание новых музыкальных инструментов («утюгон» и «длинная струна»), театральные перформансы (в 1984 году Новиков запускает «Новый театр», первым представлением которого становится «Балет трех неразлучников» Даниила Хармса; во втором спектакле одного из неразлучников исполнял Гарик Асса, артистическим связям которого была посвящена выставка «Ассы в массы»).

«Новые композиторы» Игорь Веричев и Валерий Алахов пишут авангардную коллажную музыку для спектаклей «Нового театра». Новиков и «Новые художники» участвуют в концертах группы «Кино» и оркестра «Поп-механика». В Ленинградском рок-клубе в 1985 году открывается первая большая публичная выставка «Новых художников» «С Новым Годом!». Гений дикой живописи Котельников вместе с Евгением Юфитом, Евгением Кондратьевым-Дебилом и Андреем Курмоярцевым-Мёртвым создает кинематограф и литературу некрореализма. Художник, музыкант и писатель Вадим Овчинников с Владиславом Гуцевичем становятся организаторами литературно-художественного клуба «Дружба», а Сергей Бугаев-Африка – «Клуба друзей Маяковского» и «Новороссийской школы»: к ней относились его школьные товарищи по Новороссийску Инал Савченков, новый гений дикой живописи, и Андрей Крисанов, художник и гитарист группы «Кино».

Модные показы «Новых» фиксирует камера Е-Е – Евгения Козлова, он же создает конверты пластинок «Кино» и «Поп-механики», портреты Новикова, Гурьянова и «Новых композиторов». В годы перестройки возникает группировка «Новых диких» (Козин-Маслов- Зайка), зажигается звезда Владислава Мамышева-Монро вместе с Пиратским телевидением Юриса Лесника. Мария Синякова-Уречина передает Новикову и Бугаеву титул «Председателей Земшара», придуманный Велимиром Хлебниковым. В исторической ретроспективе творчество «Новых художников» становится частью международного движения «новой волны» или «свободной изобразительности», к которому принадлежал Жан-Мишель Баскиа, а галерею «Асса» сравнивают с «Серебряной фабрикой» Энди Уорхола.

*Тимур Новиков (1958-2002) стал художником и куратором на подъеме волны нонконформизма в Ленинграде. В 1977 году он стал участником группы «Летопись», основанной неоэкспрессионистом Борисом Кошелоховым; а когда Кошелохов отправился на ПМЖ в Италию, Новиков устроил первый сквот – мастерские «летописцев» имени Кирилла и Мефодия в бывшей церкви Шестаковской Божией матери. Деятельность сквота быстро прекратила милиция, однако Новикова это не обескуражило, он начал устраивать выставки на пляжах и в парках. В 1980 году в расселявшейся коммунальной квартире на улице Воинова Новиков открыл собственную галерею «АССА» выставкой «I биеннале портретов Тимура Новикова».

27 ЯНВАРЯ 18 МАРТА / МАЛЫЙ ЗАЛ

«Хрустальный тигр» – это интерактивная тотальная инсталляция, которая заимствует название у единственного в Приморской игровой зоне казино. В пространстве «Хрустального тигра» всё наделено двойным значением. В основе инсталляции — знаковая система,шифр, ключом к которому становится сам Владивосток — город, сочетающий в себе приметы Европы и Азии,китайский курорт и русский Сан-Франциско, огромный международный порт и закрытая в прошлом территория.

Проект группировки ЗИП преобразит пространство фабрики и Центра современного искусство «Заря». Частью тотальной инсталляции будет экспозиция в одном из выставочных пространств Центра «Заря», уличная скульптура на территории фабрики, а также соружение «бара» совместно с московским ночным клубом Untitled.

«Интерактивное искусство и открытые модели работы постоянно находятся в фокусе внимания «Зари», потому что они могут многое дать зрителю и художественному сообществу, – говорит главный куратор Центра современного искусства «Заря» Алиса Багдонайте, – Проект ЗИПов даёт нам представление об арт-группе как художественной платформе, которая способна включаться в контекст и отталкиваться от него, создавая новое высказывание, перерабатывать реальность и одновременно задавать импульс к созданию чего-то нового».

«Работы группировки ЗИП всегда сайт-специфичны — их почти невозможно представить вне контекста, в котором и для которого они были созданы. Во Владивостоке никто из участников группы не был, и потому задача «представить образ города» стала ещё более интересной, — рассказывает куратор проекта Елена Ищенко. — Мы много говорили с местными и теми, кто был во Владивостоке, читали исторические очерки и информационные сводки. Прийти к какому-то цельному образу никак не удавалось — он распадался на фрагменты — русский язык превращался в китайский, за решётками тюрьмы обнаруживалась автономия, за фасадами дешевого жилья — уют уединения, а за люксом ресторанов и казино — пустота смыслов. Так родилась идея двойственности, «перевёртыша», новое значение за привычной формой, и над всем этим — знак хрустального тигра, хорошо собирающий многие контексты и вписывающийся в огромное количество знаковых систем».

Группировка ЗИП

Российская художественная группа, созданная в 2009 году в Краснодаре. Над проектом «Хрустальный тигр» работали Евгений Римкевич, братья Василий и Степан Субботины. Группировка ЗИП является основателемКраснодарского института современного искусства (КИСИ), независимого фестиваля уличного искусства«МОЖЕТ», арт-резиденции «Пятихатки» и со-основателем Краснодарского центра современного искусства«Типография». Название группы — аббревиатура Краснодарского завода измерительных приборов (ЗИП), гдедо 2015 года находилась мастерская художников. В своих работах группировка ЗИП обращается к темамтруда, сообщества и самоорганизации, превращая свои тотальные инсталляции в утопические пространствадля работы, отдыха и взаимодействия. В 2017 году группировка ЗИП стала победителем премии Кандинского в номинации «Проект года».

Елена Ищенко

Куратор, художественный критик. Соосновательница независимого журнала о современном искусстве Россииaroundart.org, главный куратор центра современного искусства «Типография» (Краснодар). Работала в музее современного искусства «Гараж» (Москва). Автор текстов о культуре и искусстве для изданий The CalvertJournal, Colta.ru, «Афиша», «Теории и практики» и других. Занимается исследованием современного искусства, уделяя особое внимание самоорганизованным инициативам, развитию искусства за пределами Москвы и художественным сообществам.

Видео с монтажа инсталляции и открытия выставки можно посмотреть на официальном YouTube-канале «Зари» здесь, здесь и здесь.

16 ДЕКАБРЯ 2017 — 14 ЯНВАРЯ 2018

ВЕРНИСАЖ: 16 ДЕКАБРЯ / 18:00

Лезу в карман за деньгами, и чувствую что-то неладное… буфетчица (где-то я ее видела) смотрит вопросительно… И тут я замечаю, что у меня нет ни денег, ни кармана. Да и одежда вообще отсутствует – ничего, кроме лыж… рука скользит по обнаженному телу!

«Холодная Земля. Северные рассказы» - так называется выставка Татьяны Антошиной, представляющая собой инсталляцию, которая необычным образом включает в себя небольшие объекты и скульптуры – целую коллекцию воспоминаний и снов о Сибири, где прошли детство и юность художницы.

Каждая скульптура или объект стоит на вагонном столике, прикрепленном к стене выставочного зала. Фоном для северных снов служат бесконечные снежные поля, проплывающие за окном поезда - они написаны краской на стене. Вся инсталляция представляют собой одно и то же купе, но в разные моменты времени: так по ходу движения поезда приходят новые и новые сны.

21 НОЯБРЯ – 7 ДЕКАБРЯ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Устина Яковлева (Москва) и Андрей Дмитренко (Владивосток) – молодые современные художники, работают с графикой, живописью, текстилем и объектами. Их работы посвящены, в случае Устины, формам жизни или, в случае Андрея, жизни в среде, в которую помещены изображаемые объекты, похожие на капли воды, пузырьки газа, на водоросли, микроорганизмы, планеты, медузы, метеориты или иные земные или космические тела.

Устина Яковлева участвует во Владивостоке в программе арт-резиденции «Заря», одна из целей которой – активизация обмена с локальной художественной сценой. Выставка выступает попыткой связать воедино индивидуальный опыт двух художников, которые, находясь по разные стороны материка, ищут собственный путь развития на основе классического художественного образования. Обоих связывает, с одной стороны, минималистская пластичность, бледная и спокойная выразительность, способность к аскезе (как в визуальной стороне, так и в очень тщательной, долговременной, усердной подготовительной работе), с другой – преемственность традиций.

Художники словно «пришиты» к жизненному полю, в котором существуют. Андрей идёт по родительской стезе специалистов печатного дела, работавших в владивостокских типографиях. Влияние рукодельных практик мамы и бабушки Устины придало её искусству сильный «женский» импульс, благодаря которому развивается не только мастерство техники, но и образ художницы – спокойной, умиротворённой, гармоничной. Словно перманентно, не сверяясь с часами, она вышивает единое цельное полотно, в котором одни сюжеты и образы перетекают в другие, не разделяясь на эпизоды, но сосуществуя, переплавляются и создают новые формы.

Другая сторона преемственности – это внимание к традиции в изобразительном искусстве. Устину подпитывают примеры влиятельных художниц (Ева Гессе, Луиз Буржуа, Яёи Кусама), работы которых несут в себе мощный импульс сексуальности и одновременно тяготеют к биоморфным образам и формам. Именно на этом пересечении находятся работы Устины, в которых, впрочем, сексуальность скорее медлительная, сокрытая ровным спокойным ритмом, где внутренние переживания упрятаны за производством абстрактной, отстраненной от самой себя среды, то ли асексуальной, то ли андрогинной.

В работе Андрея преемственность другого рода, она опирается на образцы китайских и японских классиков печатной графики. Он берёт у них не только сложность и многослойность техники, но и пытается найти через них новый подход к композиции, работать с ней так, чтобы её основным элементом была пустота, образовавшийся воздух, ничто, – то есть не то, что изображается, а то, что оказывается не изображённым, но словно невольно включенным в изображение.

Этот подход уводит его от традиционных истоков, где он черпает силы, к деконструкции изображения. Так, Андрей начинает работу с перфорацией или с травлением, правда, не доходит до конца процесса, а останавливается там, где поверхность взаимодействует с электролитом, произвольно формируя фактуру, контур, рисунок, цвет. Не так давно он представил свою первую видеоработу, а сейчас экспериментирует с совмещением фотографики и ручной печати. Такое сочетание – инструмент к высвобождению потенциала классических техник, позволяющий получить непрогнозируемый результат.

Оба художника работают через включение, эмпатию, осмысление существующих форм, синхронизацию точек и ошибок. Для них проделанный путь всегда является способом приятия и построения, а не отрицания и разрушения. Если бы существовал термин, обратный художественному авангарду, главным импульсом которого является уничтожение всего старого, в особенности традиций, то эти художники были бы главными представителями движения «авангард наоборот», сохраняя, осмысляя, объединяя и включая всё в тщательно организованную хаотическую среду, которую они формируют совместно, но отдельно, каждый со своей стороны большого материка, никогда не встречавшись и не зная друг друга до этой выставки.

Во Владивостоке Устина и Андрей попробовали наметить точки соприкосновения своих практик, что неизбежно привело и к взаимному влиянию – так, за прошедшие полтора месяца Устина под руководством Андрея освоила некоторые техники печати. Выставка «Среда» - это итог непродолжительной встречи двух миров, каждому из которых предстоит собственный путь и собственное развитие, однако их взаимодействие, возможно, определит новые траектории.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

21 НОЯБРЯ 4 ДЕКАБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Никита Nomerz – уличный художник из Нижнего Новгорода, за последние годы успевший заявить о себе не только в России, но и на многих международных площадках. Первая большая серия, принесшая ему известность – «Живые стены» – обыгрывала особенности конкретных архитектурных сооружений или других размещенных на улице промышленных объектов, которые обретали лица, глаза, руки – иными словами, буквально «оживали». Однако в определенный момент художник почувствовал ограничение, которое накладывала на него такая привязка к месту. Новые герои, ставшие знаковыми для серии «Части целого» (2013–), кажутся более мобильными. Хотя в них можно увидеть отсылки к академическому рисунку и героическим фигурам монументальных росписей, они – современные подвижные обитатели городов. Их антропоморфные силуэты будто раздроблены на части, которые связывают только фоновые геометрические формы. Название серии также указывает на то, что все они являются элементами общего повествования, сюжет которого можно представить, лишь собрав все части воедино. При этом в серии нет строго порядка или единственно верного прочтения, поэтому каждый раз историю можно складывать в новые паззлы-сюжеты по аналогии с узорами калейдоскопа.

В проекте «Перемещение», созданном для арт-резиденции «Заря», мы можем встретить этих уже знакомых персонажей, однако художник обращается к актуальной для него проблематике – а именно, к вопросу отношений между уличным и студийным искусством. В последние годы стрит-арт перестает восприниматься как исключительно молодежная субкультура, приобретая статус полноценного вида современного визуального искусства. По всему миру проходят стрит-арт фестивали, уличные художники участвуют в выставочных проектах и уже не ограничивают себя только городским пространством, перемещаясь для работы и в мастерские. Более того, стрит-арт сегодня может включать в себя и элементы других медиа – таким образом, границы жанра все больше размываются. Так существуют ли точные критерии, определяющие принадлежность произведения к уличному искусству? В какой момент оно становится уличным, и действительно ли привязано к открытому пространству? Что, если работа может с успехом быть выставлена как на улице, так и внутри «белого куба», есть ли в этом противоречие и так ли это, в конце концов, важно?

Работы, созданные для этого проекта в мастерской, были затем помещены в городскую среду, после чего вновь вернулись в галерейное пространство. В экспозицию также включена фотодокументация их пребывания в разных городских локациях. В этой нетипичной для стрит-арта ситуации возможно нахождение связи между студийными и уличными практиками, однако она может, напротив, выявить их полное различие – автор не дает ответа, предоставляя зрителю решать этот вопрос самостоятельно.

Несмотря на интерес к границам стрит-арта, Никита Nomerz считает, что для каждого уличного художника именно городская среда – наиболее важная и живая площадка для взаимодействия и высказывания. И хотя посредством стен, выделяемых организаторами разнообразных фестивалях для работ художников стрит-арта, происходит некоторое упорядочивание и легитимизация уличного искусства, становящегося настоящим событием для города, эти же практики являются в какой-то мере попытками «приручить» искусство, создавая условную «галерею» для стрит-арта, что противоречит его спонтанной и стихийной природе. По мнению художника, работы, сделанные без согласований «сверху», ответственность за которые полностью несет автор, являются в итоге наиболее честными и искренними.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

6 9 ОКТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Участники программы арт-резиденции Ольга и Александр Флоренские представят персональные экспозиции на основе живописных и графических работ, созданных во время пребывания во Владивостоке. В фокусе Ольги Флоренской – городские вывески и реклама; материалом же для пейзажей Александра Флоренского стали виды Приморья.

Выставка Ольги Флоренской называется «Приморские вывески». «Много лет я занималась коллекционированием всевозможных вывесок, объявлений и надписей, сделанных безымянными авторами на железе, стекле, дереве, камне, бумаге, - говорит художница. - В какой-то момент я начала рисовать акрилом на железе, фанере и прочих подручных материалах свою собственную «идеальную коллекцию». Так художник во мне пересилил коллекционера».

Некоторые из нарисованных Ольгой «вывесок» имеют в основе конкретный прототип, другие же представляют собой авторскую реконструкцию объектов никогда не существовавших.

Художница много путешествует и внимательно изучает местную рекламу. В процессе работы используется местный алфавит, поэтому в многолетнем проекте «Вывески» встречаются надписи на грузинском, русском, английском, сербском, турецком, арабском, иврите.

В арт-резиденции «Заря» художница продолжила работу над проектом «Вывески». Ольга отмечает: «Во Владивостоке очень много специфической рекламы, связанной с морем, рыбой, кораблями и разнообразной «китайщиной». Часто помимо кириллицы на одной и той же вывеске можно встретить китайские, японские и корейские шрифты, которые мне никогда еще не доводилось писать. Рисовала я на материалах, найденных в местных пунктах приёма металлолома и в бомбоубежище Фабрики «Заря».

Для своей выставки «Владивосток и его окрестности» Александр Флоренский создал серию картин и рисунков с натуры. В частности, художник специально ездил на побережье океана, чтобы нарисовать с натуры маяка Бриннера, что было его давнишней мечтой.

Проект продолжает традиции «Общества любителей живописи и рисования», созданного в 2004 году Александром Флоренским и Иваном Сотниковым (1961-2015).«Общество любителей живописи и рисования» – инициатива художников из Петербурга, имена которых знакомы широкому зрителю по таким известным арт-группировкам 80-х и 90-х годов, как «Митьки» и «Новые художники». «Общество любителей живописи и рисования» считает своей задачей возврат к традиционным художественным ценностям в эпоху постмодернизма, в частности, пропаганду такой совершенно исчезнувшей из арсенала современного искусства практики, как живопись и рисование с натуры.

*Ольга Флоренская (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) окончила отделении керамики ЛВХПУ им. В.И. Мухиной (Художественно-промышленная академия им. Штиглица). Представляла свои работы на персональных выставках, в числе которых - «Записки путешественника», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2017), «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), 2016 ЧЕРНОГОРСКИЕ КАПИТАНЫ, ULUCG, Подгорица, Черногория, КЛАССИЧЕСКАЯ СМЕРТЬ, NАME Gallery, Санкт-Петербург (2015) и др. Активный участник групповых выставок - «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), VIII выставка номинантов премии Кандинского, галерея УДАРНИК, Москва (2014), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003) и др. Резидент KULTURKONTAKT AUSTRIA, Фонда мемориальных стипендий Памяти Иосифа Бродского (Нью Йорк), Dukley European Art Community (Черногория). Работы Ольги находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

Александр Флоренский (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) работает в разнообразных медиа: начиная с живописи, графики и скульптуры и заканчивая кино и фотографией. В 1977-1982 гг. учился на отделении керамики ЛВХПУ им В.И. Мухиной (ныне Художественно-промышленная академия им. барона Штиглица). Среди персональных выставок последнего времени - «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), «Городские азбуки А. Флоренского», Библиотека книжной графики, Санкт-Петербург (2017), «Картины, нарисованные в Грузии», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2016), «Черногорская азбука», Национальная библиотека, г.Цетинье, Черногория (2015) и др. Участник таких групповых экспозиций, как «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003), «Русское бедное», Музей современного искусства PERMM, Пермь (2008), и множества других. Работы Александра Флоренского находятся в коллекциях главных музеев России - Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

27 ОКТЯБРЯ 2017 – 4 ФЕВРАЛЯ 2018

В октябре в Центре современного искусства «Заря» откроется ретроспективная выставка «Ассы в массы», посвященная андеграундному движению «Асса», которое появилось в Петербурге начала 80-х.

«Асса» — лозунг, возникший в среде художников-некрореалистов и быстро распространившийся в богемной среде Ленинграда. Так называлась галерея Тимура Новикова, это слово появилось и в серии работ известного ленинградского художника Олега Котельникова. «Ассу» использовали и как тег, и как роспись на одежде в рамках битнических показов мод. «Асса-парадами» называли групповые демонстрации авангардной моды на выступлениях «Популярной механики» Сергея Курехина. В рок-н-рольных хэппенингах принимали участие рок-музыканты, неформальные художники, тусовщики и поэты. Апогеем экспансии арт-группировок под воинственным лозунгом «Асса» стал одноимённый фильм, до сих пор считающийся одним из знаковых для поколения 80-х.

Куратор проекта «Ассы в массы» Михаил Бастер — художник-график, дизайнер, автор архива о субкультурах СССР «Компост», ранее уже организовывал такие выставки, как «Последние романтики Советского Союза» (2007, «Зверевский центр», Москва), «Хулиганы 80-х» (2009, «Центральный Манеж», Москва), Street style-80 (2010, ВДНХ, Москва), «Альтернативная мода до прихода глянца 1985-1995» (2011-2013, «Гараж», Москва; «Этажи» Санкт-Петербург; «Дом кино», Дубровник, Хорватия; Fashion biennale, Вараждин, Хорватия; kim?, Рига, Латвия), Untamed fashion in USSR (2013,Новая Дакота. Амстердам), «По дорогам СНГ» (2015, Музеон), «Моторокеры. Москва-Берлин» (2017, ВДНХ, Москва).

«Специально для Владивостока мы подготовили шоу, цельно и глубоко раскрывающее внутреннюю сторону этого процесса через призму моды и искусства — рассказывает Михаил Бастер. — Под флагом с лозунгом андеграундного движения «Асса», которое зародилось в Петербурге начала 80-х, в перестройку произошёл первый осознанный всплеск альтернативной культуры. Этой до сих пор мало изученной истории о контркультурной моде и искусстве «красной волны» и посвящена выставка»

Основа выставки «Ассы в массы» — архив исторической документации и российской уличной и модной фотографии Михаила Бастера. Также в экспозицию войдут произведения художников Тимура Новикова, Георгия Острецова, Инала Савченкова, Евгения Юфита, Сергея Шутова, участников арт-группировок «Чемпионы мира», «Новые художники» и «Некрореалисты» из коллекций Московского музея современного искусства, Музея Art4Ru, а также из личных собраний Гарика Ассы, Сергей Шутова и других. Специально для выставки участники советского андеграунда предоставили предметный фонд, включающий в себя элементы гардероба, пластинки, постеры, шляпы. Выставка будет дополнена мультимедийными материалами (анимация, короткометражные и полнометражные фильмы, видеоарт, видеодокументация перформансов и модных показов) в виде медиа-инсталляций и сеансов параллельной образовательной программы.

В Москве самостоятельными «асса-парадами» в течение нескольких перестроечных лет эстетически торпедировали многочисленные культурные мероприятия, начиная с масштабных выставок в Манеже и заканчивая модными молодежными клубами. Миссия у подобных акций была примерно такая же, как у «Синих блуз», — экспансия и пропаганда: пропаганда нового искусства, новых имен, новой эстетики, нового времени — яркой, дерзкой, местами шокирующей.

«Андерграундная культура в России и СССР стала плодородной почвой для появления многих культовых имён и проектов в искусстве, кино, музыке и моде, — говорит Алиса Багдонайте, главный куратор Центра современного искусства «Заря». — Для нас важно не только впервые в таком объёме рассказать об этом периоде, но и показать его связь с культурным контекстом Дальнего Востока».

Катализатором многих процессов, перезапустивших дальневосточную культуру и ставших причиной мощного перестроечного толчка, стал отец-основатель советского панк-дендизма Гарик Асса (Олег Коломийчук). Он родился в Хабаровске и получил прозвище «Асса» за свою активность и вклад в организацию модных показов. Покинув родные края в 70-х, Гарри примкнул к ленинградской богеме, открыл московский блошиный рынок на Тишинке и незамедлительно ввёл в моду винтаж и стиль «мёртвый разведчик», состоящий из предметов гардероба вдов советских разведчиков и партийной номенклатуры. Тимур Новиков назначил Гарика Ассу министром моды при правительстве «Новых художников», а из участников показов и созданных образов сложился импровизированный дом моделей «Ай-да-люли» выступавший под девизом «Безумный род людской, кривляйся и пляши». Основной идеей «Ай-да-люли» стало стирание грани между авангардной модой и «носибельной» в ходе уличных дефиле. Благодаря Гарри Ассе традиция «асса-парадов», а вместе с ней и новая волна искусства и музыки, переместилась из Ленинграда в Москву. На выставке его фигуре и коллекции картин будет посвящено отдельное место как точке связи между отдельными дисциплинами альтернативной культуры и событиями 1980-х и 1990-х годов.

Хэппенинги «Дома моделей Ай-да-люли», бушевавшие на советских концертных и театральных сценах, к концу 80-х вдохновили многие дизайнерские и перформативные группы, такие как дуэт «Кровь с молоком» Ирэн Бурмистровой, «Лаборатория экспериментальных моделей» Светланы Петровой и Сергея Чернова, «Театр ПОСТ» Бориса Юхананова и Камиля Чалаева, группа «Север» Екатерины Рыжиковой и Александра Лугина, которая делала перформансы в духе шаманистских и неоязыческих обрядов. Моделями Гарика в его шоу выступали многие известные художники и музыканты: Тимур Новиков, Сергей Шутов, Гор Чахал, Жанна Агузарова, Сергей Ануфриев, музыканты группы «Кино», вокалистка группы «Колибри» Наталья Пивоварова и многие другие.

Свидетельством прорыва андеграунда на официальную сцену и его признания как значимого культурного явления стал фильм Сергея Соловьёва «Асса», вышедший на экран в 1987 году.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

6 9 ОКТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Участники программы арт-резиденции Ольга и Александр Флоренские представят персональные экспозиции на основе живописных и графических работ, созданных во время пребывания во Владивостоке. В фокусе Ольги Флоренской – городские вывески и реклама; материалом же для пейзажей Александра Флоренского стали виды Приморья.

Выставка Ольги Флоренской называется «Приморские вывески». «Много лет я занималась коллекционированием всевозможных вывесок, объявлений и надписей, сделанных безымянными авторами на железе, стекле, дереве, камне, бумаге, - говорит художница. - В какой-то момент я начала рисовать акрилом на железе, фанере и прочих подручных материалах свою собственную «идеальную коллекцию». Так художник во мне пересилил коллекционера».

Некоторые из нарисованных Ольгой «вывесок» имеют в основе конкретный прототип, другие же представляют собой авторскую реконструкцию объектов никогда не существовавших.

Художница много путешествует и внимательно изучает местную рекламу. В процессе работы используется местный алфавит, поэтому в многолетнем проекте «Вывески» встречаются надписи на грузинском, русском, английском, сербском, турецком, арабском, иврите.

В арт-резиденции «Заря» художница продолжила работу над проектом «Вывески». Ольга отмечает: «Во Владивостоке очень много специфической рекламы, связанной с морем, рыбой, кораблями и разнообразной «китайщиной». Часто помимо кириллицы на одной и той же вывеске можно встретить китайские, японские и корейские шрифты, которые мне никогда еще не доводилось писать. Рисовала я на материалах, найденных в местных пунктах приёма металлолома и в бомбоубежище Фабрики «Заря».

Для своей выставки «Владивосток и его окрестности» Александр Флоренский создал серию картин и рисунков с натуры. В частности, художник специально ездил на побережье океана, чтобы нарисовать с натуры маяка Бриннера, что было его давнишней мечтой.

Проект продолжает традиции «Общества любителей живописи и рисования», созданного в 2004 году Александром Флоренским и Иваном Сотниковым (1961-2015).«Общество любителей живописи и рисования» – инициатива художников из Петербурга, имена которых знакомы широкому зрителю по таким известным арт-группировкам 80-х и 90-х годов, как «Митьки» и «Новые художники». «Общество любителей живописи и рисования» считает своей задачей возврат к традиционным художественным ценностям в эпоху постмодернизма, в частности, пропаганду такой совершенно исчезнувшей из арсенала современного искусства практики, как живопись и рисование с натуры.

*Ольга Флоренская (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) окончила отделении керамики ЛВХПУ им. В.И. Мухиной (Художественно-промышленная академия им. Штиглица). Представляла свои работы на персональных выставках, в числе которых - «Записки путешественника», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2017), «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), 2016 ЧЕРНОГОРСКИЕ КАПИТАНЫ, ULUCG, Подгорица, Черногория, КЛАССИЧЕСКАЯ СМЕРТЬ, NАME Gallery, Санкт-Петербург (2015) и др. Активный участник групповых выставок - «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), VIII выставка номинантов премии Кандинского, галерея УДАРНИК, Москва (2014), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003) и др. Резидент KULTURKONTAKT AUSTRIA, Фонда мемориальных стипендий Памяти Иосифа Бродского (Нью Йорк), Dukley European Art Community (Черногория). Работы Ольги находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

Александр Флоренский (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) работает в разнообразных медиа: начиная с живописи, графики и скульптуры и заканчивая кино и фотографией. В 1977-1982 гг. учился на отделении керамики ЛВХПУ им В.И. Мухиной (ныне Художественно-промышленная академия им. барона Штиглица). Среди персональных выставок последнего времени - «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), «Городские азбуки А. Флоренского», Библиотека книжной графики, Санкт-Петербург (2017), «Картины, нарисованные в Грузии», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2016), «Черногорская азбука», Национальная библиотека, г.Цетинье, Черногория (2015) и др. Участник таких групповых экспозиций, как «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003), «Русское бедное», Музей современного искусства PERMM, Пермь (2008), и множества других. Работы Александра Флоренского находятся в коллекциях главных музеев России - Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

24 СЕНТЯБРЯ – 12 НОЯБРЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» в рамках 9-й Владивостокской международной биеннале визуальных искусств открыта выставка арт-дуэта ЕлиКука «К востоку прилагается запад или к дивану прилагается хвост».

Арт-дуэт «ЕлиКука», названный по первым буквам фамилий участников — Олега Елисеева и Евгения Куковерова, работает в разнообразных направлениях: от живописи и графики до инсталляций и перформансов. В рамках выставки в ЦСИ «Заря» «ЕлиКука» будет адаптировать свои произведения, а также шедевры мирового искусства под культурный контекст Владивостока и наоборот; выяснять, что к чему прилагается, «закатывать Европу», раскатывать Дао и многое другое.

Так, на территории Фабрики «Заря» художники воспроизведут одну из своих работ под названием «Восстание тренажеров миропорядка». В ней «ЕлиКука» в свойственной им манере испытывают на прочность существующий миропорядок, обнажая и усугубляя его абсурдность, внося в него изрядную долю хаоса и приглашая зрителей принять активное участие в этом увлекательном процессе. Расхожее высказывание о том, что «в мире все взаимосвязано», получит в проекте буквальное воплощение: все объекты в их интерактивной инсталляции связаны между собой канатами, и зритель волен по собственному усмотрению вмешиваться в порядок, установленный художниками. По словам авторов, «если соединить все предметы и всех людей этого мира с помощью веревок, пропущенных через систему роллер-блоков, то каждый человек и каждый бесчувственный чурбан, и даже президент, уже не будут ощущать себя так чудовищно одиноко». При этом зрителю нужно иметь в виду, что художники оставляют за миропорядком право нанести ответный удар. Специально для ЦСИ «Заря» привычные веревки художники заменят на канаты, сделав отсылку к портам и торговым связям во Владивостоке. Выставка является специальным проектом Владивостокской международной биеннале визуальных искусств (VIBVA).

* Группа «ЕлиКука» - Олег Елисеев (1985 г.р.) и Евгений Куковеров (1984 г.р.) - заявила о себе на художественной сцене в 2007 году. На первой персональной выставке художники иронично обыгрывали идею фетишизации предметов современного искусства: в стеклянных аквариумах с растительным маслом были выставлены шпроты, аналогично «акуле» Демиана Херста, также на выставке были представлены искусственные усы на черном бархате в золотых рамах и «жирные камни» на черном квадратном рушнике. После этого художники реализуют ряд персональных проектов в Москве, Париже, Вене, участвуют в групповых выставках в России и за рубежом.

В 2011-2013 гг. группа «ЕлиКука» делает серию интерактивных кинетических инсталляций, где нарушаются привычные правила поведения на выставке: зрителю предлагается трогать, передвигать с места на место произведения искусства, выстраивать экспозицию по его усмотрению («Тренажеры миропорядка» галерея Риджина Москва; «Восстание тренажеров миропорядка» МАММ). Продолжая экспериментировать, развивая идею непосредственного взаимодействия зрителя и произведения искусства, художники реализуют проект «Пропаганда фотографирования» (Красноярск КИСИ 2013, Москва ММОМА 2014): произведения художников становились фоном для желающих сфотографироваться. Группа работала в коллаборации с художниками: Георгием Литичевским, Валерием Чтаком, группой Желатин (Австрия) и др. «ЕлиКука» является участниками московского панк-коллектива I.H.N.A.B.T.B., интернационального музыкально-художественного образования ANUSRIOT и группы «Женя Куковеров».

ВХОД СВОБОДНЫЙ