26 СЕНТЯБРЯ 2026 — 11 АПРЕЛЯ 2027 / ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

26 сентября во Владивостоке в Центре современного искусства «Заря» откроется выставка «На ножках», организованная совместно с казанским Центром современной культуры «Смена». Экспозиция исследует дом Бабы Яги — избушку на курьих ножках — как собирательный визуальный архитектурный образ, художественную метафору переходного пространства. Идея проекта принадлежит художнице и куратору Александре Паперно и связана как с ее личным опытом жизни в деревянном доме XIX века в городе Коломна в период пандемии, так и с более широким интересом художественной среды к архаическим формам культуры.

• Составители выставки: Александра Паперно, Кирилл Маевский.

Выставка «На ножках» — кочующий исследовательский проект. В 2026 году, стартовав в Центре современной культуры «Смена» в Казани, он отправился в путешествие по городам России. В июне выставка открылась Санкт-Петербурге в Новой Голландии, а теперь она едет на другой край России — во Владивосток. Каждая новая версия дополняется локальным контекстом и новыми работами, сохраняя главное — опыт пребывания «между», где привычный мир постепенно смещается в сторону сна, воспоминания и мифа.

Выставка представит работы российских художников, чья практика сформировала важные направления в искусстве: Владимира Архипова, Кирилла Глущенко, Марии Годованной, Константина Звездочетова, Миши Ле Жень, Александры Паперно, Марии Серебряковой, Евгения Юфита и классика советской детской графики Аминадава Каневского. Кроме того, на Дальнем Востоке экспозиция будет дополнена работами фотографа Юрия Пальмина и художественной группы «ДВР» из Владивостока. Каждый из участников выставки по-своему исследует хрупкость повседневности и способность человека создавать временные формы устойчивости.

Отправной точкой выставки стал образ избушки на курьих ножках — архетипического портала между мирами, задающего направление размышлениям о тревоге, нестабильности и повседневном соприкосновении с иным. Он же находит свое отражение в культуре ХХ века — от архитектуры Ле Корбюзье до Херцога и де Мёрона и экспериментальных материалов с органической основой, которые использовали конструктивисты в СССР до фольклорных и национально-мифологических форм, проявляющихся как в декоративно-прикладном творчестве и индустрии народных промыслов, так и в творчестве младоконцептуалистов 1980-х годов и других художников.

Экспозиция исследует визуальные и символические трансформации сюжета о доме на курьих ножках и выстраивается как многослойная среда «кривых зеркал», где современное искусство вступает в диалог с фольклором, памятью и архитектурными утопиями XX века. Темы порога, укрытия и внутреннего смещения раскрываются в различных художественных медиа — от живописи и фотографии до объектов, видеоинсталляций и документации перформансов.

• Центр современной культуры «Смена» — независимая институция, существующая в Казани с 2013 года. «Смена» организовывает выставки современного и классического искусства, детские и подростковые лаборатории и школы, образовательные и профессиональные мероприятия, издает книги и занимается городским развитием. География проектов «Смены» не ограничивается Татарстаном — события проходят по всей России, от Крайнего Севера до Дальнего Востока. «Смена» — это четыре одноименных книжных магазина интеллектуальной литературы в Казани и издательство. Сегодня в здании «Смены» работают образовательная студия «Смена Дети», архив Фонда поддержки аудиовизуального и технологического искусства «Прометей» имени Булата Галеева, редакция интернет-издания «Инде», проект «Казань глазами инженера», магазин виниловых пластинок «Сияние», спешалти-кофейня «Фильтр» и гастробар «Солома».

Центр современного искусства «Заря» открыт во Владивостоке в 2013 году по инициативе российского предпринимателя, мецената, основателя и совладельца крупнейшей российской алкогольной компании Novabev Group (ранее — BELUGA GROUP) Александра Мечетина. ЦСИ располагается на территории творческого кластера «Заря» в помещениях бывшей одноименной швейной фабрики. Основные задачи «Зари» — это представление в Приморье лучших достижений современной культуры России и мира, поддержка художников и местного художественного сообщества.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

25 ОКТЯБРЯ 2026 — 31 ЯНВАРЯ 2027 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Far Red — проект Анны Бат, построенный вокруг красного цвета. Красный мы привыкли воспринимать как сигнал: на дороге, на море и на железной дороге он означает опасность или запрет. Его замечают издалека. Светофор и знак «стоп» работают именно так, потому что красный понятен без слов и сразу требует внимания. При этом сам сигнал почти ничего не сообщает о том, на что указывает. Мы видим знак, но не видим того, о чём он предупреждает, и обычно просто останавливаемся.

Однако есть красный, который не виден нам вовсе: дальний красный находится на самом краю видимого спектра, и человеческий глаз его не различает. Растения же по нему узнают о приближении сумерек и понимают, в какую сторону расти. Этот свет стал ключевой метафорой проекта. Анна Бат как будто нарушает привычную схему: вместо того чтобы остановиться перед сигналом, она доверяется ему и идёт туда, куда он ведёт.

Проект Far Red состоит из двух частей. Первая разворачивается на стене: текстильные сюжеты выстроены в одну горизонтальную линию, как маршрут, который можно пройти взглядом. Один из них связан с красным мамонтом, которого художница заметила, просто гуляя по Владивостоку и обращая внимание на всё красное. Мамонт служит ориентиром для магазина, который раньше был строительной базой, а теперь существует среди новых магазинов и маркетплейсов. Остальные сюжеты отсылают к историям о красном, которые Анна Бат увидела во время резиденции: красные гофрированные трубы в тумане на пустующем поле возле аэропорта, красные водоросли как источник красных приливов, собирательный образ поездок на маяк, а также Дальнегорск с его свечениями и минералами.

Вторая часть проекта размещена на белых постаментах, где среди гибридных объектов, собранных из разных предметов, расположены страницы книги. Гибриды легко принять за существ из другого измерения. Некоторые из их частей оказались покинутыми или выброшенными. Красный присоединяет к ним новые формы и достраивает тело, которому место только в «красном измерении». Чтобы представить, как это выглядит, можно вообразить себя растением, которое видит дальний красный.

Страницы Far Red Book — текстильный оммаж Красной книге. Красный в её названии работает как сигнал тревоги, однако обращён он к тем, кого мы почти не видим. Дальний красный здесь становится особым зрением, которое позволяет разглядеть то, что невооружённому глазу недоступно. Это и реальное, находящееся под угрозой, и выдуманное. Поэтому страницы лежат рядом с гибридами, а не отдельно от них. Исчезающее и воображаемое попадают в один и тот же свет и получают равное право быть замеченными.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

2 АВГУСТА — 18 ОКТЯБРЯ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

• 1 АВГУСТА / 18:30 / Презентация проекта
  

В основе работы Валентины Андреевой «И всё на свете стало как люди» лежит исследование личных значимых мест жителей Владивостока. Проект реализован в формате тактильной инсталляции из шелка и книги художника.

«Всё на свете» — это город и его места, здания, чашка кофе в любимой кофейне, лавочки в парке, — словом, всё то, что притягивает или отталкивает и что становится важной и значимой точкой на внутренней карте жителей города. Во время небольших интервью горожане делились с Валентиной историями про эти места или своими ассоциациями с ними. Последовательность мест превращается в маршруты по скрытому, личному слою Владивостока; часто ситуативные и хаотичные, но, тем не менее, создающие линии странствия. В рамках проекта город становится равноправным героем встречи с чувствами и ощущениями друг друга через сближение и взаимодействие с местами.

Маршруты превращают неодушевлённое в носитель воспоминаний и близости. Список мест становится лицом тех, кто за ним стоит — лицом знакомых и незнакомых автору людей. Так город превращается в коллективную личность из памяти, звуков, жестов и визуальных образов. Все это многообразие городского движения художница запечатлевала на пленочную фотографию.

«Мало-помалу выученное в книгах о жизни природы, что всё отдельно, люди — это люди, животные — только животные, и растения, и мёртвые камни, — всё это, взятое из книг, не своё, как бы расплавилось, и всё мне стало как своё, и всё на свете стало как люди: камни, водоросли, прибои и бакланы».

Михаил Пришвин, «Женьшень».

• Справка:

Валентина Андреева — междисциплинарная художница. В своей практике исследует восприятие, телесность и способы взаимодействия с окружающей средой, обращаясь к опыту жизни с потерей слуха и смещённому восприятию звука. Работает на пересечении визуального искусства, тактильных медиа и инсталляции, уделяя особое внимание нематериальным и трудно фиксируемым состояниям — вибрации, тишине, сенсорной памяти. Среди недавних проектов — выставки и программы музея «Гараж», ГЭС-2 («Своды: ColLab»), ЦСИ «Штаб», Зверевского центра современного искусства, ЦСИ им. Сергея Курёхина.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

11 МАЯ — 13 СЕНТЯБРЯ / ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

• 10 МАЯ / 17:00 / Презентация проекта

Воскресным вечером приглашаем на открытие первого резидентского проекта текущего сезона: художница Виктория Маркова представит выставку «До слов и названий».

Под слоем устоявшихся образов Дальнего Востока спрятан мир, который невозможно выразить привычными категориями и где окружающая действительность связана с самим устройством бытия. В отличие от логики предписанных изменений, навязанных современным миром извне, коренные народы Приморья и Приамурья и их система знания выстраивают совершенно иное — гармоничное по сущности — пространство, человеческое место в нем и, соответственно, саму жизнь.

В современной антропологии устоялась непривычная мысль: различаются не культуры, а миры, которые мы описываем, находясь в одной человеческой культуре. Утверждение их множественности ломает классическую схему развитости и отсталости того, что наука привыкла обозначать словом «мифологии». В противовес хочется задать вопрос: не живет ли современный человек в собственных мифологиях, не замечая ближайшую реальность? В условиях краха привычных геополитических земных плит неустойчивость и небезопасность становится тем, что нарушает внутренний баланс. Найти иной способ включенности в мир, создаваемый нами самими, — одна из главных задач современного человека.

В проекте Виктории Марковой этот мир раскрывается через визуальный язык, работающий со сновидчески выраженными сюжетами знания коренных народов. Проект не описывает и не конструирует, он лишь отсылает, пытаясь понять, как можно ощущать пространство, созданное людьми, живущими здесь веками, чья система знания формировалась без стремления закрепить единственно верный способ смотреть. Обращение к историям, передающимся от человека к человеку, возвращает ощущение общности в создании и проживании окружающего мира. Первожители создавали эту картину реальности сквозь века, и проект Виктории накладывает на него еще один собственный визуальный взгляд. Культура, где знание живет в передаче, всегда оставляла для этого место.

Этот связный и безопасный мир проявляется в картинах, созданных художницей. В них через символы соединяются не только широкие горизонты пространства, но и само время. В европейской традиции жизнь разбита на отрезки линейного процесса, ведущего ввысь с финальной точкой суда в конце. В системе коренного знания это единый и неразрывный процесс жизни, где человеку в земном мире доступна связь и близость с подземным и небесным. Так вопросы о прошлом и будущем растворяются в единстве времени и пространства.

Представленный проект — приглашение к тому, что существует под слоями наших представлений, созданных унифицированными культурными моделями. Это способ органично встраивать поколенческое знание в новую реальность, не теряя собственной оптики. Проект Виктории предлагает именно это: познакомиться с миром, который гармонично существует под слоем привычных образов Дальнего Востока, и через это знакомство попробовать определить, что является сакральным для каждого из нас.

• Справка:

Виктория Маркова живёт и работает в Санкт-Петербурге. В своей художественной практике сочетает живопись, текстиль, гобелены и пространственные инсталляции, исследуя символику и образы фольклорных проявлений, орнаменты и узоры, мифологию разных регионов, культурную память.

За последние годы участвовала в ряде значимых проектов: Blazar young art fair (Москва, 2025), Astra Gallery A—S—T—R—A OPEN VOL.6 (Москва, 2025), ярмарка TPAF (Санкт-Петербург, 2024, 2025), групповые выставки THE WOMAN (IN) QUESTION, «ВЫСТУП», «АРХИВ РЕБРА», ONS (Санкт-Петербург, 2023–2024), а также в проектах в Архангельске и поморском регионе.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

16 МАЯ — 13 СЕНТЯБРЯ / ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

• 16 МАЯ / 20:00 / Презентация проекта

Обращаясь к метафоре плотности краёв, тотальная инсталляция краснодарской художницы Яны Васильевой постепенно опускается сквозь картографические слои к телесному опыту жизни. На первом, картографическом, слое Краснодарский край и Приморье — это только линии и подписи. Контуры субъектов, крупные города-точки, названия «Юг России» и «Дальний Восток» складываются в узнаваемый силуэт страны, где края занимают свои отведенные углы. В этой перспективе они кажутся удаленными территориями единого целого, которые можно обводить по контуру, измерять, включать в программы развития. Карта уверенно предлагает готовый образ краев, но остаётся плоской абстракцией.

Под этим картографическим слоем открываются другие плотности — физичность и историчность. Влажный, ветреный Владивосток с туманами, перепадами температур и постоянно меняющимся статусом. С другого края — жаркий, плодородный Краснодар с длинным летом, мягкой зимой, следами сельскохозяйственных «утопий» и миграций. Эти плотности невозможно обвести по контуру: климат, рельеф, переселение, пограничность и курортные сезоны сгущают время и усиливают интенсивность жизни, заставляя карту надорваться. Они задают разные режимы существования — уязвимости и (или) устойчивости. Пространство начинает работать как давление, которое требует от всего, что в нем находится, включая дома, растения и людей, постоянной адаптации к своим ритмам изменений.

Внутри этого давления оказывается человеческое тело. На нем сходятся все слои. Картографические названия превращаются в способы говорить о себе и своём месте, климат — в пот, загар, насморк от сырости или удушливую жару, в выбор ткани и толщины одежды. История переходит в семейную традицию реагирования на изменения — привычку быть в пути или оставаться, открытости к другому человеку или наоборот смиренной сдержанности. Кожа и повседневное поведение становятся первыми поверхностями, на которых читаются эти изменения: через них ощущается, как край обостряет чувствительность тела к среде.

«Материалы инсталляции, проволока и папье-маше, фиксируют транзитные состояния формы: проволока отвечает за линии движения, структурное напряжение, сопротивление; папье-маше, реагируя на влажность и время, показывает следы воздействия», — рассуждает художница. Жизнь на краю, в рамках проекта, ощущается как непосредственный телесный опыт — то, как пространство проходит через человека, меняя его ритм, выносливость и способы быть вместе с другими. Можем ли мы полными легкими вдохнуть эту плотность?..

• Справка:

Яна Васильева — независимая художница, работающая со скульптурой, инсталляцией и фотографией. В своей практике находит опору в природе, исследует утопии, хрупкость и способы адаптации. Стипендиатка грантовых программ Музея современного искусства «Гараж» (2022) и Фонда V–A–C (2022, 2023), номинантка Foam Paul Huf Award (2022), основатель самоорганизованного пространства Lesnaya (2025).

Автор персональных выставок в России, Китае, Таиланде, Франции, Португалии, Великобритании, США и на Кипре; участница фестивалей и групповых проектов, включая Berlin Foto Biennale, Barcelona Foto Biennale, Incart Festival d'Art Contemporani, Head On Festival, PhotoVisa, спецпроект 6-й Уральской индустриальной биеннале, проекты в Palm Springs Art Museum и CICA Museum. Живет и работает в Краснодаре.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

14 ИЮНЯ — 5 ИЮЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

13 ИЮНЯ / 20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

Мы светлячки в расщелине дня.

Мы покоимся на илистом дне, как осевшая баржа.

Рене Шар

В рамках резидентского проекта «Самоплетение» художница Алина Мазур отправилась в путешествие по островам архипелага Императрицы Евгении— близлежащим к Владивостоку территориям, где ландшафт становится полем наблюдения. Взгляд с сопки одного из островов распадается на множественность: избыток информации, поступающий от органов чувств, заставляет нас фокусироваться на отдельных деталях, тогда как стремление охватить всё целиком приводит к абстрагированию, которое урезает детализацию и предлагает панорамный вид. Эти два режима, с одной стороны пристального, почти микроскопического всматривания и, с другой, обобщающего, панорамного обзора оказываются равно несовершенными. Экспедиция становится практикой внимательного смотрения, в которой природа раскрывается через повторяющиеся текстуры, формы и структуры, а за несовершенством каждого из подходов обнаруживается единая линия, соединяющая и переплетающая весь архипелаг.

В попытках найти разные способы запечатлеть линии окружающего пространства художница делала оттиски и рисовала эскизы предметов вокруг неё — найденных канатов, случайно оставленных портовых гвоздей и когда-то использованных свёрл. Каждый из этих предметов несёт в себе историю использования — историю соприкосновения отдельного предмета с другими «плотностями», своего рода предметные «жесты». Связывающая линия, как мы можем почувствовать, не только углублена в пространство, но и захватывает время. Прорываясь сквозь непрерывное временное и пространственное изменение, линия архипелага плетётся в ежесекундно меняющуюся статичную картинку. Очертания этого момента Алина Мазур и пытается уловить, словно рыболовной сетью или вспышкой фотографии, которая на миг фиксирует то, что постоянно ускользает.

Схожая стратегия проявляется в созданной видеопроекции. Во время своего путешествия художница запечатлела медленную волну цветения рододендрона, отзываясь на известный в восточно-азиатской культуре мотив созерцания мимолётного цветения, подобного тому, как волна сакуры проходит по лесу. В инсталляции же эта волна окрашена в локальный контекст дальневосточного ландшафта, а зрителю предлагается оказаться внутри мягко пульсирующего поля, где смена фактур и оттенков позволяет «наслаждаться мимолётностью» цветения рододендрона и постепенному наступлению белых маков, которые, несмотря на отсутствие человеческого в них, оказываются в коммуникации.

Коммуникация на первый взгляд касается только человека и может быть выражена только языком, однако помимо словесного выражения существует и выражение жестовое, проявляющееся в действиях, адресованных другим. Жесты могут быть простыми (указанием или приветствием),но за ними всегда стоит телесное взаимодействие, где коммуникация происходит через касание и общий акт совместного чувствования. В проекте Алины жесты занимают важное место: сами по себе они не имеют цвета, а порой и различимых границ, проявляясь лишь во время «скрещивания» двух объектов друг с другом. В этот момент возникает деформация двух плотностей, сливающихся в нечто единое и временное.

Идея жестов проявляется в отдельном «человеческом» блоке. В основу положен принцип сосуществования людей и природы на автономном от городской среды острове Рейнеке, где строительство — не заказ специалистам, а, напротив, пространство, в котором каждый становится строителем. Во время этого процесса разворачивается широкий горизонт незапечатлимой коммуникации: подача инструмента, обработка материалов, обсуждение решений и совместная сборка конструкций. Эти жесты совместного строительства, в котором используются изначально неприспособленные для этого материалы, оказываются одной из точек проекта. Здесь почти ничего не привозится целенаправленно. В ход идёт то, что уже находится рядом и может быть вовлечено в процесс без ущерба для среды — как в природных циклах, где почва и растения обмениваются тем, что им не нужно «здесь и сейчас», но может быть переработано и усвоено. Собранные объекты, как и в мастерской, оказываются новым узором, результатом медленного «самоплетения» из разрозненных фрагментов среды и телесных взаимодействий.

Итоговое пространство, собирая воедино жесты, линии и предметные «плотности», превращается в среду, где зритель оказывается участником мягко направляемого сенсорного опыта. По замыслу художницы этот опыт соотносится с концепцией «снузелена» — места, в котором свет, звук, тактильные и визуальные раздражители выстроены таким образом, чтобы одновременно успокаивать и мягко стимулировать восприятие. В таком режиме собранный материал (от архипелажных линий и следов использования предметов до жестов совместного строительства) работает как набор сенсорных маркеров, позволяющих каждому зрителю выстроить собственную траекторию присутствия. Проект, тем самым, создает пространство, в котором человеческое, природное и вещное переплетены в одном непрерывном жесте — единой линии архипелага.

• Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

ВХОД СВОБОДНЫЙ

22 ФЕВРАЛЯ — 22 МАРТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

21 ФЕВРАЛЯ / 18:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

В эту субботу в мастерской Центра современного искусства «Заря» состоится презентация проекта художника Сергея Иноземцева. Вместо традиционного открытия выставки вы поучаствуете в настольной игре! 6 игроков будут выбраны с помощью жребия, а остальные зрители смогут наблюдать за процессом.

• Если вы хотите поиграть отдельно, см. информацию ниже.

«Тайга 100 лет» — настольная игра, созданная по итогам художественного исследования в арт-резиденции. Это игра о месте человека внутри хрупкой среды сосуществования города и природы и о том, как внешние события вклиниваются в зацикленную рутину жизни. Последние годы Сергей живет в поселке Горноводное, в 500 километрах от Владивостока, и опыт жизни в городе и в глубине края становится важной оптикой проекта, позволяющей взглянуть на разные «режимы» того, как жить и существовать в мире.

Игра раскрывает взгляд художника на перетекание урбанистического и природного миров через (пере)открытие мира с помощью керамических глифов с изображением городских и природных рельефов. Также в наборе есть карты с событиями, влияющими на фигурки игроков на игровом поле. Включенная в проект китайская поэзия является путеводителем, определяющим смысл и значение игровых ситуаций, заданных картами; исход решает кубик, а глифы, выкладываемые на общее поле, постепенно складываются в географию совместно формируемого мира.

Проект балансирует между игрой и рассказом истории без четкого сюжета. Зрители становятся соавторами общей карты глифов, и от их решений зависит не только исход партии, но и конфигурация мира, который им удастся собрать. Игра кооперативная, а не конкурентная: события в ней оказываются либо испытаниями, либо поддержкой в Пути, отсылая к цикличности страданий и попыткам разорвать этот круг.

По итогам резиденции Сергей создал герметичный мир, насыщенный событиями из реального мира, укрепленный собственным визуальным языком шума и пустоты. Результатом собранного материала становится опыт — заполнение котлована дня памятью о проторенной дорожке. Отсылая к человеческой жизни, опыт игры оказывается подвластен удаче, внутреннему спокойствию и необходимости выстроить собственный Путь.

• Посещение проекта в другие дни:

Организованные игры в сборных группах будут проходить по выходным, записаться можно по ссылке. Участие бесплатное.

Временные слоты на 28 февраля, 1, 7, 8, 9, 14, 15, 21, 22 марта: 12:00, 15:00, 18:00.

В среднем каждая партия длится час-полтора, количество игроков — от 2 до 6 (группы сборные. Не переживайте, если вы один, и больше никто не запишется: компанию составит сотрудник «Зари» или другие гости). Возраст участников — от 16 лет.

Вы также сможете осмотреть проект в выходные или будние дни в формате инсталляции, ознакомившись с общей концепцией, сделанными вручную керамическими глифами и набором карточек с изображения городских и таёжных событий.

В будние дни — при наличии свободных сотрудников «Зари» — возможно проведение игры без записи.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

14 ДЕКАБРЯ 2025 — 8 ФЕВРАЛЯ 2026 / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

13 ДЕКАБРЯ / 18:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

В грядущую субботу в мастерской Центра современного искусства «Заря» откроется выставка «Надежды и надеждинцы» — проект фотографа Вадима Мартыненко, созданный во время арт-резиденции во Владивостоке.

«Надежды и надеждинцы» Вадима Мартыненко — это визуальное исследование того, как меняется среда возникающей агломерации «Большого Владивостока», где Надеждинский район становится вектором развития города. Мастер-планы и программы территорий опережающего развития формируют новые зоны урбанизации — кварталы многоэтажной застройки и масштабные промышленные площадки. Эти проекты накладываются на опыт повседневного проживания и локальные представления жителей о территории.

Ландшафт постепенно меняется: природа уступает место стройплощадкам и промзонам. Пространство стремительно трансформируется, в нём возникает особая динамика: дорожные развязки, шум автомобилей, строительство. Логистические потоки сходятся в точках, где раньше царили спокойствие и уединение. Расширение Владивостока приносит новые удобства и связь с «большим» городом, но при этом размывает локальную специфику среды. Надеждинцы оказываются в «подготовительной» временной зоне — между самостью прошлого и обезличенным фрагментом стремительно развивающейся агломерации будущего. Человек в этом «новом» пространстве может чувствовать себя не жителем, а скорее временным пользователем. Укоренённость утрачивается, привычные ориентиры исчезают. На смену им приходят стандартизированные инфраструктурные решения. Так, одновременно с появлением сетевых магазинов и промышленных площадок, исчезает ощущение узнаваемого дома. Уютное место превращается в не-место.

Уходящая повседневность жителей становится объектом документального исследования Вадима Мартыненко. Пытаясь ее зафиксировать, автор проводил полевую работу и интервью. На части фотографий происходят обыденные для людей вещи — рыбалка, охота и отдых на море с палаткой. В свою очередь, идеи для новых фотографий рождались из предыдущих съемок, во время которых случайно попавшие в кадр местные жители рассказывали свои истории. Этот материал стал основой для других фотографий, выполненных в постдокументальном методе. Таким образом автор воссоздает утраченное прошлое через постановочные кадры, на которых происходит реинсценировка пережитого опыта — способ сделать видимыми человеческие представления и соединить документальное с воображаемым.

В проекте взгляд фотографа фиксирует не столько результаты изменения ландшафта, сколько опыт людей, живущих в хрупком равновесии между прошлым и будущим. Пространство становится ареной безмолвного диалога человека, природы и урбанистических планов. В контексте стремительного развития агломерации Вадим наблюдает, как риторика прогресса пересекается с человеческим опытом — как жители пытаются сохранить значимое, не отрицая неизбежность перемен

• Справка:

Вадим Мартыненко — постоянный участник проектов «Порт приписки Владивосток» и «Посмотри на Владивосток». Участник курсов «Пересобирая взгляд» с Алексеем Павловым, «Зомби-фотография»-3 с Сергеем Новиковым, резидент фотохаба Untitled 2020. Учился в Школе ДокДокДок, курс «Постдокументальная фотография», выпускник ДВФУ по специальности «Регионоведение Индонезии». Его работы опубликованы в изданиях Primamedia, Forbes и Forbes Life, Русский репортер, ELLE decor, DV.Land, artservatory и др.

• Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

ВХОД СВОБОДНЫЙ

23 НОЯБРЯ 2025 — 1 ФЕВРАЛЯ 2026 / ВЫСТАВКА ФОТОГРАФИЙ ДМИТРИЯ СТАРИЦЫНА

«В тот миг, когда срабатывает затвор, свет, отраженный от объекта, попадает на снимок; таким образом, мы буквально удерживаем в руках частичку его бытия. Так история, частью которой он был, никогда по-настоящему не заканчивается»

Дмитрий Старицын

«Временно» — слово, которое описывает не длительность, а положение вещей. Быть временно — значит не задерживаться в месте, а входить в него как в пространство еще не оформленной возможности. Флюссер называл такие движения жестами — малыми актами, которыми человек вступает в мир и допускает появление нового. Временность — и есть такой жест; жест, который не утверждает, а допускает появление того, что возникает навстречу.

Снимки выставки объединяет именно это встречное движение. Они собраны не по сюжетам и не по темам, а по одному условию: практически в каждом возник момент взаимного видения. Человек с камерой — и человек перед камерой — успели оказаться в общем поле внимания. Фотография здесь не инициирует событие, а отвечает на него. Она возникает там, где два присутствия пересекаются и на долю секунды оказываются обращены друг к другу. Такой взгляд нельзя подготовить. Он не определяется позой и не зависит от готовности быть увиденным. Напротив, он возможен лишь там, где ожидание отсутствует. Люди на этих кадрах не позируют — они вступают в отношение. Это то, что Бёрджер описывал как выбор: мы видим лишь то, на что смотрим, и в этом жесте выбора возникает связь. Представленные фотографии — следы такой связи.

Отсюда и второе имя выставки: «Начинать день именно так». Начинать — значит каждый раз сбрасывать то, что мешает видеть: привычку, ожидание, предзаданную форму. Поэтому можно сказать, что жест начала — это освобождение внимания, которое позволяет миру возникнуть в своей непредсказуемой конкретности. Фотографу это удавалось и потому мир отвечал ему. Данные фотографии сведены вокруг этого единственного события — события ответа: в них запечатлено не найденное, а возникшее навстречу. В этом и заключается смысл временности: не привязанность к месту, а открытость к взгляду, который может возникнуть только в текущем мгновении.

Валентин Матвеенко

5 НОЯБРЯ 2025 — 19 АПРЕЛЯ 2026 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ, КИНОЗАЛ

Инсталляции «Рожденные под чумизой», созданные по мотивам одноимённого цикла сказок театрального коллектива «ПриАмурские цыгане», рассказывают о персонажах, которые осмелились выйти за пределы собственного «островка», чтобы наладить, казалось, близкие пути к сердцу других людей.

Тотальная инсталляция, расположенная в читальном зале ЦСИ «Заря», погружает зрителя в содержательные образы и внутреннюю мифологию сказочного цикла. Центральным элементом становится воздушный шар, внутри которого разворачивается целый мир. Этот мир состоит из отдельных островов-крепостей — метафоры личности, где каждый человек пребывает наедине со своими мыслями. Между этими островами воздвигнуты лестницы, символизирующие попытки выстроить хрупкие связи и достичь взаимопонимания. Сам воздушный шар становится воплощением решимости, порыва, который позволяет преодолевать изоляцию и искать близости с другими.

Внутри шара зритель обнаружит проекцию, визуализирующую рождение этого уникального мира, а также книгу с двадцатью четырьмя рисунками существ, рожденных под чумизой, и серию картин. Эти живописные работы посвящены ключевым феноменам повествования: змеям, разрушающим лестницы-связи; апокалиптическому переживанию утраты контакта с другим человеком; и, наконец, гармонии, возникающей на острове тогда, когда связь оказывается прочной. Пространство инсталляции дополняют иллюстрации и предметы, словно вырванные прямо из страниц этих мифов.

Вторая инсталляция переносит зрителя в иное измерение — она раскрывает непосредственно процесс создания сказок. Художники воссоздают условия, в которых работал автор цикла Давид Загиров. В основе работы лежит взгляд из окна на знакомые очертания многоэтажек, которые и породили первые образы этого мира. Именно здесь, на печатной машинке на красном подоконнике, были написаны первые наброски героев и сюжетов, а также итоговый текст спектакля «Каштанчик на диванчике», реализованный по итогам резиденции. Зрители могут увидеть эти первоначальные эскизы и иллюстрации, и задаться вопросом: почему, глядя на привычный городской пейзаж, рождается желание увидеть за ним сказочное пространство, и что же именно мешает людям быть вместе?

ВХОД СВОБОДНЫЙ