25 МАЯ – 5 ИЮНЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Объекты, на которых фокусирует внимание в своём исследовании бельгийская художница Элин Ронсе, - предметы быта в их привычном окружении.

Она посещала квартиры жителей Владивостока, отозвавшихся на объявление о поиске вещей, произведенных во Владивостоке - на местных предприятиях или самими горожанами. За месяц ею была собрана целая коллекция разнообразных артефактов: от изделий местного фарфорового завода до самодельных вязаных носков. Каждый из найденных предметов был запечатлен на фото, а история его происхождения и появления в квартире тщательно задокументирована, подобно биографии человека.

Через фиксацию взгляда на частных наблюдениях и бытовых ситуациях, в своем исследовании художница приходит к выводам относительно более глобальных явлений: рецессия местного производства и захват рынка дешевым импортом, постепенная деформация института семьи и утрата традиции. Однако помимо выявления очевидной социально-экономической проблематики, автор также задается вопросом о природе субъектно-объектных отношений в контексте принципа обладания. Художница критически рассматривает само понятие частной собственности как естественной и универсальной категории. Владение как один из способов человеческого существования распространяется не только на материально-товарные ценности. Немецкий философ и социолог Э. Фромм в своем труде «Иметь или быть» рассуждает: «Идеи, убеждения и даже привычки также могут стать собственностью. Так, человек, имеющий привычку каждое утро в одно и то же время съедать один и тот же завтрак, вполне может быть выбит из колеи даже незначительным отклонением от привычного ритуала, поскольку эта привычка стала его собственностью и потеря ее угрожает его безопасности». В современном обществе, ориентированном на ценности потребления и на получение прибыли, доминирует модус «обладания» как один из важнейших элементов, образующих фундамент капиталистической системы.

Художница предлагает зрителю пересмотреть связи внутри дуалистической пары «субъект-объект», отойти от интерпретации этих отношений по принципу жесткой дихотомии. Роли «познаваемого» и «познающего», с точки зрения Ронсе, условны и конвертивны, а значит, и противоречие между этими понятиями является отчасти мнимым. В своей итоговой работе она дает право говорить неодушевленным вещам, которые выступают в роли созерцающего индивида, способного дать характеристику своего владельца через описание собственных свойств. Среди источников, оказавших влияние на подход Ронсе, следует выделить произведения классической русской литературы, в частности Н.В. Гоголя. Повести «Шинель» и «Нос», в которых обладатель и вещь меняются местами, являются ключевыми текстами, к которым апеллирует художница.

Старые вещи, сослужившие свою службу, неизбежно должны исчезнуть. Семейные ритуалы будут постепенно утрачены. Локальная самобытность нивелируется глобализацией. Документируя сам факт существования этих предметов, Элин Ронсе предпринимает попытку сохранить последний след исчезающих явлений и сменяющихся эпох.

Арт-резиденция «Заря» и Элин Ронсе лично выражают благодарность жителям Владивостока, принимавшим участие в проекте.

*Элин Ронсе (р. 1987, Бельгия). В своих работах она фокусируется на внешне незначительных деталях частной жизни и в течение длительного времени исследует повседневные предметы в их привычном окружении, фиксируя жизнь вещей с помощью камеры. Художница работает в различных жанрах, среди которых - инсталляции, видео- и саунд-арт.

Элин Ронсе имеет степень магистра живописи (школа искусств LUCA, Гент, Бельгия) и в настоящее время является студенткой Нидерландского института искусств (странствующая академия, Университет ArtEZ, Нидерланды). Она известна как участник несколько художественных резиденций и выставок. Ее работы были представлены в Галерее Кристофа Деклерка (Гент, Бельгия), Das Weisse Haus (Вена, Австрия), Homecomings (Берлин, Германия), Pier 2 (Тайвань), Metamatic:taf (Афины, Греция), Баримарт (Южная Корея), Центр Дункэрн (Белфаст, Северная Ирландия), Space Idiot (Турин, Италия).

19-20 МАЯ / 12:00–02:00 / БОЛЬШОЙ ЗАЛ

Ночь — это темное время суток и отличное время для кино, а ночь в музее замечательно подходит для показа видеоарта. Руководствуясь этими размышлениями, мы впервые за более чем три года работы арт-резиденции «Заря» показываем групповую выставку резидентских видеоработ, созданных приглашенными нами во Владивосток художниками. В выставку вошли не только произведения медиа-арта, но и документация перформансов.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

На экспозиции, которая будет доступна зрителям чуть больше суток, можно впервые в полном объеме увидеть работы Елены Ковылиной, Оли Кройтор, Натальи Першиной-Якиманской (Глюкли), Максима Шера, Анастасии Потемкиной, Константина Аджера, Суджин Ли (Южная Корея), Дмитрия Булныгина, Александра Курмаза (Украина).

Масштабная мультимедийная инсталляция расположится в большом выставочном зале Центра современного искусства «Заря» и будет работать с 12:00 19 мая по 02:00 20 мая. Работы, вошедшие в инсталляцию, представляют многообразие художественных методов, используемых художниками, включивших свой исследовательский опыт в Приморье в основу художественных проектов, реализованных за время резиденции.

Инсталляция Натальи Глюкли Першиной-Якиманской «Музей утопических одежд» показывается владивостокскому зрителю повторно — посетители могли её видеть на выставке «ЕЁ» в 2015 году. Инсталляция включает в себя документы об истории фабрики «Заря», такие как старые фотоальбомы или созданные бывшими сотрудницами «Зари» платья, так и попытки задокументировать нематериальные, эфемерные ценности: истории, рассказанные для этих женщин новыми сотрудницами «Зари», теперь уже не фабрики, а одноименного Центра современного искусства. Это история о дружбе и обмене символическими подарками как знаке преемственности поколений и поиске идентичности места через прикосновение к памяти людей.

Попытка зафиксировать и сохранить эфемерное, неизменяемое и неосязаемое предпринимается в работе «Время, которое существует» — видеодокументации акции одного из первых резидентов «Зари» художницы Оли Кройтор, известной своими стоическими перформансами. Идею сайт-специфичности Кройтор транслирует буквально, переживая пребывание в месте и времени и фиксирование свой опыт физически, усиливая свой опыт копанием траншеи на сопке Холодильник.

Проект «Це Заря» пионера русского перформанса Елены Ковылиной обращён к цикличности отечественной истории, в которой правители, «цезари» совершают по кругу одни и те же ошибки. Ложный замкнутый круг Ковылина символически «чертит» вокруг острова Русский, форпоста русской колонизации на Дальнем Востоке. Несмотря на красочную видеоисторию, сопровождаемую симфонией Шнитке, перед зрителем — экстремальный силовой перформанс, в течение которого Ковылина, высаживаясь на берег, несёт на себе тяжелый колышек с посланием «цезарям», который вбивает в землю на самой высокой точке острова.

Стоит выделить работу Максима Шера «Горизонт», сделанную в одном из немногих мест Владивостока, откуда виден горизонт. Это оммаж Эрику Булатову и его «Горизонту» (1971–1972) — одному из программных произведений русского искусства эпохи брежневского застоя, которое Шер анимирует на владивостокской набережной, к важным вехам социальной истории, формирующим локальную идентичность.

Все перечисленные и многие другие работы, которые предстоит увидеть на выставке, предлагают зрителю путешествие, в котором Приморье становится объектом исследования, а видео — формой художественной фиксации. Предметный же ряд предложенных произведений очень широк, от локальных исследований до кристальных художественных нарративов, которые могли быть проявлены где угодно или где угодно в России, но возникли именно здесь, во Владивостоке.

12-30 МАЯ / КИНОЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» доступна для ознакомления видеоинсталляция Cargo de nuit («Ночной сухогруз») французской художницы Анн-Шарлотт Финель. Проект, организованный Французским институтом совместно с сетью «Альянс Франсез» в России, создается поэтапно в пяти городах: Мурманск, Казань, Владивосток, Саратов и Калининград.

Концепция проекта, разработанного Французским институтом, была построена вокруг идеи странствия, когда художник выступает в роли путешественника и посещает несколько российских городов, в каждом из которых представляет результаты своего исследования. Бесконечное движение – одна из центральных тем в творчестве Анн-Шарлотт Финель. Каждая следующая локация связана с приключениями и новыми открытиями, в которых художница черпает вдохновение.

Понятие коллаборации является для нее одним из основных принципов, применявшихся, например, при создании музыкального аккомпанемента, написанного специально для каждой из ее работ. Изображения отличаются характерной зернистостью и измененными цветами на грани черно-белой гаммы. Художница предпочитает работать с темой непрерывных промежуточных состояний: «Я снимаю свои видео ночью, на рассвете, в закатных сумерках и в полночь. Несомненно, это самое мистическое время суток, когда все замирает в напряжении», – цитирует художницу куратор Дарья де Бовэ.

Художественный язык Анн-Шарлотт Финель во многом строится на исследовании трансгрессий, переходов, будь то сумеречное время суток или пограничное пространство между городом и природой. Создавая видео во Владивостоке, она опиралась не только на локальный контекст: ключевой образ серии Cargo de nuit – вода, которую художница интерпретирует как интеркультурный символ. Тем не менее, место, в котором художница снимала третью часть этого цикла, во многом соответствует философии и эстетике других работ Анн-Шарлотт. Владивосток – это транзитная зона и точка пересечения многих явлений и смыслов: окруженный морем и усеянный сопками, но в то же время урбанистический пейзаж города, положение форпоста европейской культуры в азиатской части мира, географическая обособленность Владивостока от столицы, но в то же время его близость к восточным соседям. Видео, над которым Анн-Шарлотт работает во Владивостоке, можно будет увидеть на экспозиции «Видеоакценты» в рамках Ночи Музеев 19 мая вместе с другими работами, созданными резидентами «Зари» во Владивостоке.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

*Анн-Шарлотт Финель (р.1986) - молодая французская художница, её работы в жанре видеоарта были представлены на выставках во многих городах мира. В марте этого года открылась персональная выставка Анн-Шарлотт - «ОСТАВЬ МЕНЯ В ПОКОЕ СО СВОИМИ ПЕЙЗАЖАМИ! РАССКАЖИ МНЕ О ПОДЗЕМЕЛЬЯХ!» в галерее Jousse Entreprise, Париж. В Центре современного искусства «Заря» она реализует одну из частей своего масштабного выставочного проекта, создаваемого в нескольких городах России. Несколько ее работ из серии видеоарта Cargo de nuit, объединенной темой воды и движения, войдут в одноименную экспозицию, которая откроется в субботу, 12 мая.

ОТКРЫТАЯ СТУДИЯ: 24-29 АПРЕЛЯ / МАЛЫЙ ЗАЛ

ВЫСТАВКА: 30 АПРЕЛЯ – 31 МАЯ / МАЛЫЙ ЗАЛ

Валерий Чтак (г. Москва) и Кирилл Крючков (г. Владивосток) открыли в Малом зале Центра современного искусства «Заря» выставку под названием «ДВА». Совместный проект двух признанных художников проходил в экспериментальном формате открытой мастерской с 24 по 29 апреля.

Художник из Владивостока Кирилл Крючков в первую очередь известен работой на улице; шрифты, надписи, наслоения, заплатки встречаются как на расписанных им городских стенах, так и в его станковых произведениях. Крючкова заботит природа и экология, он стремится к жизни в гармонии с Землей и окружающей средой и примиряет людей с непростым ландшафтом жизни, его работам свойственны гуманистические утопические сюжеты. Цветные мозаики и рисунки в городском пейзаже служат «благоустройству», переключая мрачные урбанистические пейзажи в «улучшенные» места для жизни с помощью игры с пространством и цветной краской.

Известный деятель московской сцены Валерий Чтак работает с монохромной палитрой, сочетая изображения и текст и обращаясь к философии, филологиии и cultural studies. Живопись Чтака распространяется на холсты, найденные объекты и стены; в его произведениях фигурируют цитаты, афоризмы, повторяющиеся образы, текстовые ребусы и семантические единицы на разных языках. Любое пространство, создаваемое Чтаком, приобретает сложный объем, в котором разрозненные элементы вдруг предстают частями одного сложного иммерсивного шифра. Для Чтака это второй приезд во Владивосток, где он уже делал сайт-специфичную выставку-инсталляцию «Краб внутри» в рамках резиденции в «Заре» в 2016 году.

Методы и пластика Чтака и Крючкова довольно разные, но оба уверены, что у них получится выставка-диалог-импровизация. В «Заре» это не первая выставка художников, которые бы совпадали по «вайбу», но никогда раньше не работали вместе. Для «Зари» эта выставка –не только пластический эксперимент, но и способ поддержи немногочисленных владивостокских художников, которым довольно сложно преодолеть герметичность локальной арт-сцены.

«Искусство – это состояние встречи», – сказал художественный критик и куратор Николя Буррио. Мы живём в мире, где знаки, символы и образы склоняют нас к определенным действиям, коммерциализируются. Всем нам предначертаны определенные маршруты и «зоны коммуникации». Когда архитектура жизни не предусматривает для нас выхода с определенных маршрутов, то, несмотря на развитие технических средств связи, наши возможности для общения оказываются ограниченными. Так, вне определенных обстоятельств, художники с разных концов континента никогда бы не встретились и не вступили бы в разговор.

Задача этого проекта – проложить новые пути для общения и вывести все стороны этого разговора за предписанные им обстоятельствами границы. Знаки, символы, образы и эмблемы также могут способствовать связи и разделению опыта с другими. Там, где искусство служит поводом к диалогу, поводом к изменению нашего отношения к жизни, речь идёт не только о беседе неких «двух», но о включении в разговор всех участников, включая зрителей, которые пребывают во времени-пространстве выставки.

«Два» – это не столько диалог, сложение или умножение, но возведение в степень количества интерпретаций, способов иначе взглянуть на контекст и повлиять на наше восприятие мира.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

12-19 АПРЕЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

В мастерской «Зари» откроется выставка участницы резидентской программы Верены Иссель. Экспозиция «Молчаливая утопия» представит результаты её работы во время пребывания во Владивостоке. Выставка продлится до 19 апреля.

Берлинская художница Верена Иссель во время своего пребывания во арт-резиденции «Заря» собирала свои впечатления о городе в единую картину. Образ Владивостока она интерпретирует как сложную мозаику, включающую элементы разных эпох и многообразие влияний разнородных культур.

Исследуя новое для себя пространство, художница сосредотачивает внимание главным образом на архитектурной составляющей городского ландшафта и её поразительной стилистической пестроте. Иссель отмечает очевидную контрастность застройки, когда монументальные сооружения эпохи арт-деко соседствуют с советскими зданиями и уцелевшими образцами деревянного зодчества. Однако, в этом многообразии форм можно выделить и общий элемент: наличие декорированного фасада, представленного узорами, резьбой, рельефами и муралами.

Наиболее сильное впечатление на художницу оказали советские росписи и мозаики – этот вид декора являет собой не абстрактные формы, а сложные композиции, со своей структурой образов и чётким нарративом. Это было поистине доступное искусство «для людей», легкое в интерпретации, использующее простой язык, понятный широкой публике.

Демократичность этих росписей Верена Иссель противопоставляет элитарности искусства институциональной системы. Рассматривая феномен монументального декора советской архитектуры в качестве актуального и уместного ответа на процессы, затронувшие культуру под влиянием глобализации, художница, тем не менее, сознательно отступает от мотива идейной пропаганды, традиционно присущего культуре эпохи социализма.

Работы Верены – это коллажи, выполненные с использованием различных материалов, внешней формой отсылающие зрителя к тем самым настенным росписям и рельефам. Сюжеты, запечатленные художницей - это фиксация самых ярких моментов ее пребывания в городе, разнородных и красочных, как сам Владивосток.

Итоговый проект представляет собой портрет города, при создании которого автор руководствуется не только собственными впечатлениями, но и использует разнообразные символы клишированного представления иностранца о России.

Таким образом, экспозиция включает в себя образы монументов, вдохновленные бесчисленными памятниками на улицах города. Фигуры военных танков, в пастельных тонах, отсылают к фортификационным сооружениям Владивостока. Нелепые штампы чередуются с атрибутами глобализации и новейших тенденций: классические огурцы ala rus, рядом с ними – бургеры и смартфоны. Подражания советским муралам воссоздаются из безделушек с китайского рынка. Присутствуют зарисовки на тему зимней рыбалки и другие узнаваемые сюжеты. Все эти разрозненные на первый взгляд части складываются в единую композицию, имитирующую настенную роспись, посвященную Владивостоку.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

*Верена Иссель (р.1982) - художница, работающий в жанре инсталляции, живет и работает в Гамбурге, Германия. Окончила Академию Изобразительных Искусств и Гамбургский Университет. У Верены две степени магистра: в визуальных искусствах (скульптура, инсталляция и кино), а также в классической филологии. На протяжении многих лет является участником различных программ резиденций по всему миру - в Южной Корее, Шанхае, Тайване, Японии, Литве, Германии, Бельгии. Помимо этого, ее персональные выставки были представлены в Норвегии, Франции, Японии, Шанхае.

1-8 АПРЕЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Алина Десятниченко уже более года занимается темой современного казачества, и во время резиденции во Владивостоке она сосредоточилась на изучении жизни и культуры представителей Уссурийского казачьего войска. Если в случае с Краснодарским краем казаки – одна из главных опор локальной идентичности, то о том, как живут и чем занимаются они в Приморье, знают, пожалуй, немногие.

В ходе исследования фотограф посещала казачьи общины и поселения, участвовала в сборах, парадах, репетициях торжественных мероприятий, фиксируя происходящее на камеру. Помимо фотографий, посетители смогут ознакомиться с записями интервью с представителями организаций, объединенных общим вопросом: «Что означает быть настоящим казаком?» Выставка предлагает один из возможных образов казачества сегодня, отражающий, с одной стороны, каким оно хочет себя представить, и, с другой стороны, каким восприняла его автор проекта.

Однако серия «Я – казак» является не только исследованием в области визуальной антропологии, но и результатом профессиональной рефлексии документального фотографа. Кто наделяет его правом на отображение реальности, которая впоследствии будет считаться объективной? Портрет сообщества в фоторепортаже – не только результат отбора того, что именно его герои позволили увидеть и запечатлеть, но и всегда личный взгляд автора, отражение его мнения и вкусов, личная интерпретация, на основе которой рождается интерпретация зрительская. Этический вопрос о неизбежной субъективности и относительности задокументированного фотографом также встает перед Алиной Десятниченко, и она адресует его в первую очередь себе.

Справка: Алина Десятниченко (1991 г.р.) — документальный фотограф из Краснодара.

Закончила школу современной фотографии «ДокДокДок» Михаила Доможилова, а также курс «Искусство быстрого реагирования» в самопровозглашенном Краснодарском Институте Современного Искусства арт-группировки ЗИП. В данный момент завершает обучение на журфаке КубГУ.

Ее работы принимали участие в групповых выставках в Краснодаре, Воронеже, Екатеринбурге и Тверской области. В 2017 году в рамках арт-резиденции музея Дом Метенкова открыла персональную выставку «Дверь в стене» в Екатеринбурге. В 2017 и 2016 снимки Алины также были отмечены жюри конкурсов «Неслучайный свидетель» в категории «Правозащитники» и «PhotogrVphy Grant» в категории «People».

Алина сотрудничала с такими изданиями, как The Calvert Journal, Афиша Daily, Bird In Flight, Такие дела, Медиазона, Секрет фирмы, РБК, Ведомости, Russia Beyond The Headlines, Заповедник, Seasons, Нож, GEO, Dekoder и другими.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

23-30 МАРТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Иван Новиков занимается темой взаимного влияния России и Азии, а также изучением границ между природой и культурой. Предметом исследования Ивана в рамках программы арт-резиденции стала специфика владивостокской идентичности. Предполагается, что город, основанный на окраине империи, более удаленный от центра России, чем от соседних представителей чуждых ей азиатских культур, является носителем ряда особенностей, несвойственных другим населенным пунктам страны. Прошедший месяц во Владивостоке художник посвятил поискам этих отличительных черт, сбору информации и аккумуляции знаний о Приморье, провел ряд интервью с представителями организаций города.

Однако эти поиски заставили художника задаться парадоксальным вопросом: а существует ли приморская идентичность как таковая? Действительно ли так сильно отличаются друг от друга жители Западной или Центральной России и Дальнего Востока, корни которых, по сути, намного более близки, чем географические расстояния, разделяющие их теперь? В какой степени идентичность того или иного места складывается естественным путем, а в какой –конструируется искусственно теми, кто усиленно ее ищет?

В научном исследовании поставленная гипотеза может быть как доказана, так и опровергнута, на основании чего делаются заключения и рождается новое знание, и исследование художественное следует той же логике. Может случиться, что в процессе поиска Другого возникают вопросы, обращенные к самому себе. В этом случае особенно важно установить дистанцию по отношению к личному и сохранить отстраненный, холодный взгляд исследователя.

В качестве итогового проекта будет представлен импровизированный музей-мастерская приморского художника Господина N, наполненный связанными с ним артефактами – рисунками, живописными полотнами, фотографиями, видеохроникой.

Проект реализован Иваном Новиковым совместно с соавторами – общественными деятелями, писателями, художниками и исполнителями Владивостока: Василием Авченко, Ольгой Аристовой, Татьяной Олгесашвили, Мариной Бариновой и др.

Справка: Иван Новиков – художник, исследователь искусства и куратор. Родился в 1990, Москва, Россия. Живет и работает в Москве и Хуэ, Вьетнам. Выпускник МГАХИ им. В. И. Сурикова и Института современного искусства «База». Со-основатель пространства «Центр Красный» в Москве. Член редакционного совета «Художественного Журнала». Заведующий кафедрой живописи института «База». Номинант премии Кандинского (2015), финалист премии «Инновация» (2016).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

23 МАРТА – 22 АПРЕЛЯ / МАЛЫЙ ЗАЛ

23 марта в Центре современного искусства «Заря» откроетсявыставка владивостокского фотографа Дениса Коробова «Сумма частей». Экспозиция представляет собой инсталляцию из 60 снимков разного размера, на которых отражен будничный образ Владивостока. Выставка продлится до 22 апреля, вход свободный.

«Первые снимки города я начал делать в 2014 году. Это были случайно попавшие в видоискатель кадры с мистической эстетикой, будь то геометрия зданий, радужная плёнка бензина на луже или мёртвый голубь. Со временем я понял, что меня больше интересуют именно не фотографии людей, а то, что они оставляют после себя. Столкновения смыслов, фактур, геометрий — вот, что я ищу вокруг, нарезая круги по спальным районам», — рассказывает Денис Коробов.

За прошедшие три года Коробов задокументировал жизнь города в коротких, но многочисленных сериях: «Фасады гаражей», «Искусство рекламы», «Стоянки для машин», «Под голубым брезентом», «Еда и тело», «Детские площадки». Его изображения дают новую и необычную перспективу на те моменты, которые мы называем случайными и невидимыми для обычного глаза, и которые остались бы незамеченными.

В интерпретации автора образ города разворачивается из комбинаций изображений, суммы отдельных частей, объединенных легкой иронией наблюдателя, графической изобретательностью, тонким чувством цвета и поэтическим смыслом ритмов, создавая при этом документальную запись о цвете, характере и фактуре этого места. Несмотря на то, что некоторые работы кажутся отчасти срежиссированными, они сохраняют неуловимость момента.

«В случае с Денисом Коробовым можно говорить о поиске гения места, исследовании среды обитания вокруг себя. Метод его исследования — через мельчайшие малоузнаваемые срезы — вполне логичен. С другой стороны, пристальное внимание к неочевидным деталям — не такая уж новость для любого поколения фотографов. Однако здесь начинается новый виток рефлексии молодых авторов: если «все уже сказано до нас», это не значит, что кто-то прожил наши жизни, потому что именно здесь и сейчас мы их переживаем впервые. Это как в признании в любви: каждую секунду тысячи людей делают это по всему миру, но это не значит, что через акт признания нельзя выразить свою искренность. Поэтому-то «части города», которые документирует Коробов, вполне самоценны. И поиск целого, genus loci, через малоизвестные фрагменты – это самостоятельный поиск: не «было до нас», а «никогда этого не было до нас», — отмечает куратор экспозиции Лариса Гринберг.

На выставке «Сумма частей» фотографии выставляются без рам и крепятся непосредственно к стенам, уменьшая тем самым значение отдельной работы, но подчеркивая значение общего контекста и предоставляя возможность зрителю окунуться в собственные ассоциации.

*Денис Коробов — фотограф, родился в 1991 году в пос. Терней Приморского края, в настоящее время живет и работает во Владивостоке. Среди его персональных проектов — «Машины не машины ставить не ставить» в арт-резиденции «Заря», (2017 г.), а также экспозиция в пространстве «Огурцы» (Владивосток, 2015 г.). Участник квартирных выставок Владивостокской школа современного искусства (ВШСИ) и предаукционных выставок в ЦСИ «Заря» в 2016 г и 2017 гг. Участвовал в проекте «Новая бедность» ВШСИ, совместно с центром «Красный» (Москва) и группой «Что делать?» (Санкт-Петербург), 2016 г.

*Лариса Гринберг — галерист, куратор, главный специалист дирекции регионального развития РОСИЗО - ГЦСИ, руководитель магистерской программы «Арт-менеджмент и галерейное дело» на факультете «История кино и современное искусство» в РГГУ. Со-основатель и арт-директор (с 2007) фотографической галереи Гринберг (прежнее название - галерея «Photographer.ru»), со-основатель фотографического агентства «Фотографер.ру» (2004-2014) в Москве. С 2014 по 2017 – куратор трех муниципальных выставочных залов «На Шаболовке», «Пересветов переулок», галерея «Нагорная».

10-22 МАРТА / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Итальянская художница – участница программы арт-резиденции «Заря» представит результаты итогового проекта «Развязанные истории».

Текстиль, будь то одежда или предметы быта, находится ближе всего к человеческому телу, изменяется и изнашивается с течением жизни. Он становится материальным свидетелем индивидуальной истории, недаром почти у каждого есть вещь, которая уже не выполняет своих практических функций, однако с ней тяжело расстаться именно из-за сопутствующих эмоций и воспоминаний.

Именно текстиль и практики, связанные с его обработкой, находятся в фокусе Элены Редаэлли. Она – художник-номад: прожив большую часть жизни в родной Италии, она перемещается на север Европы, в Норвегию, где проводит пять лет, а в последнее время путешествует по Азии, работая на фестивалях и в арт-резиденциях Китая, Тайваня, Австралии. Наиболее значимые проекты Элены предполагают работу с вовлечением местных жителей, которая способствует внутреннему взаимодействию в коллективе и созданию новых связей. Художница подчеркивает, что авторство произведения искусства принадлежит не только ей, но всем участникам процесса его создания.

Проекты Элены создаются с глубоким уважением к характеру места, в котором она работает, поэтому в арт-резиденции «Заря», расположенной на территории бывшей швейной фабрики, художница размышляет на тему отработавшего свое текстиля, найденного ею во Владивостоке. Несмотря на то, что артефактов, связанных с прошлым «Зари», практически не осталось, фабрика хранит документальные и фотоархивы. Проект художницы может быть рассмотрен как символическое возвращение памяти месту.

В центре «Развязанных историй» – обработанное и видоизмененное полотно ковра, разделенное на условные части. Нижняя треть представляет собой распущенные нити, вскрывающие структуру плетения и обнажающие следы кропотливого труда, который стоит за каждым таким предметом интерьера, даже если он изготовлен в условиях массового производства. Центральный участок ковра художница оставила нетронутым, его края выявляют и подчеркивают экзотический ближневосточный орнамент. Верхняя часть полотна – мозаика из работ участников мастер-классов по переработке текстиля, которые в течение прошедшего месяца художница еженедельно организовывала в мастерской арт-резиденции; эти элементы сопровождают краткие истории и комментарии. Также в экспозицию входит найденная униформа студента морской академии, декорированная нитями ковра в технике валяния из шерсти.

На идею проекта Элену Редаэлли натолкнули фотографии советского интерьера. Ковры, которые в огромном количестве производились на фабриках южных республик СССР, украшали не только полы, но и стены типичных квартир послевоенного периода. Помимо утилитарной функции – сохранять тепло внутри помещений и поддерживать звукоизоляцию – они имели и символическую ценность как предметы, указывающие на материальное благополучие. И хотя настоящее время от ковров избавляются как от устаревшего и китчевого элемента интерьера, для большинства жителей России они по-прежнему ассоциируются с повседневным бытовым фоном, сопровождающим жизненные события.

Текстиль Элены Редаэлли обращается в первую очередь к тому эмоциональному наполнению, которое присуще уже использованной, износившейся или просто надоевшей ткани. В ее проекте личные повествования – те, которыми поделились участники проекта, и те, что никогда не будут рассказаны – становятся нитями, из которых плетется полотно общечеловеческой истории.

Арт-резиденция «Заря» благодарит за помощь поиске материалов владивостокское сообщество «Фэшн юродивый», которое инициирует организованный сбор старой одежды и текстиля для последующего распространения и использования в художественных и дизайн-проектах.

Справка: Элена Редаэлли (р. 1981) родилась в Италии, живет и работает в Норвегии. В 2005 г. окончила Академию изящных искусств в Риме, Италия по специальности «Скульптура». Среди недавних персональных выставок - WEAVING A BETTER FUTURE, WAB and Red Gate Gallery, Пекин, КНР (2017); VESTIGE, Upper Ray Gallery, Treasure Hill, Тайбэй, Тайвань (2017), FADEN WERK, Kunstverein in Bad Godesberg, Бонн, Германия (2016). Участница таких групповых проектов, как Guandu International Nature Art festival, Тайбэй, Тайвань (2016), International forest Art path, Дармштадт, Германия (2016),RES-ART TRAME D'AUTORE, Imbiancheria del Vajro, Турин, Италия (2016), Biennale Giovani Monza, Villa Reale Monza, Италия (2013).

23 ФЕВРАЛЯ – 13 МАЯ / БОЛЬШОЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открыта организованная совместно с Московским музеем современного искусства ретроспективная выставка «Тимур Новиков и «Новые художники».

«Выставка подробно и объемно рассказывает зрителю историю одного из самых ярких и важных периодов в русском современном искусстве, — говорит главный куратор Центра современного искусства «Заря» Алиса Багдонайте. – Тимуру Новикову и «Новым» удалось сформировать вокруг себя творческую позицию, максимально контрастную социальному, политическому и художественному контексту своего времени. Для нас большая честь впервые на Дальнем Востоке показать легендарные произведения искусства». На выставке в ЦСИ «Заря» будут представлены уникальные работы Тимура Новикова, Олега Котельникова, Инала Савченкова, Вадима Овчинникова, Сергея Чернова, Сергея Бугаева и других представителей ленинградского авангарда 80-90-х гг. – тканные коллажи из серии «Горизонты», живопись, архивные материалы (фотографии, тексты, видеоматериалы «Пиратского телевидения»), поэзия и проза художников, арт-объекты, костюмы. Экспозиция будет разделена на несколько тематических пространств: работы Тимура Новикова, зал некрореализма, зал группы «Поп-механика», залы творческих объединений «Новых художников», «Новых диких» и «Новых композиторов». Выставка в ЦСИ «Заря» всесторонне представляет деятельность группы с помощью Московского музея современного искусства, Музея Art4ru, Петербургского видеоархива, собраний семьи Тимура Новикова и Сергея Шутова. Куратор выставки – Екатерина Андреева.

«Новые художники» — творческая группа, созданная художником и куратором Тимуром Новиковым и его ближайшими друзьями Иваном Сотниковым, Олегом Котельниковым, Кириллом Хазановичем и Георгием Гурьяновым. «Новые художники» объединяются в результате знаменитой акции Новикова и Сотникова «Ноль-объект», за которой в 1983 году следуют еще два хеппенинга «Первый концерт утюгона» и «Медицинский концерт». К концу 1980-х в группе состояло больше 70 участников, одновременно входивших во множество разных пересекающихся объединений — вроде Клуба друзей Маяковского, Инженеров искусств, некрореалистов и так далее.

Творчество «Новых художников» – это преображение жизни: не только живопись, графика, панно, коллажи, но и литературные произведения, анимационные и игровые фильмы, создание новых музыкальных инструментов («утюгон» и «длинная струна»), театральные перформансы (в 1984 году Новиков запускает «Новый театр», первым представлением которого становится «Балет трех неразлучников» Даниила Хармса; во втором спектакле одного из неразлучников исполнял Гарик Асса, артистическим связям которого была посвящена выставка «Ассы в массы»).

«Новые композиторы» Игорь Веричев и Валерий Алахов пишут авангардную коллажную музыку для спектаклей «Нового театра». Новиков и «Новые художники» участвуют в концертах группы «Кино» и оркестра «Поп-механика». В Ленинградском рок-клубе в 1985 году открывается первая большая публичная выставка «Новых художников» «С Новым Годом!». Гений дикой живописи Котельников вместе с Евгением Юфитом, Евгением Кондратьевым-Дебилом и Андреем Курмоярцевым-Мёртвым создает кинематограф и литературу некрореализма. Художник, музыкант и писатель Вадим Овчинников с Владиславом Гуцевичем становятся организаторами литературно-художественного клуба «Дружба», а Сергей Бугаев-Африка – «Клуба друзей Маяковского» и «Новороссийской школы»: к ней относились его школьные товарищи по Новороссийску Инал Савченков, новый гений дикой живописи, и Андрей Крисанов, художник и гитарист группы «Кино».

Модные показы «Новых» фиксирует камера Е-Е – Евгения Козлова, он же создает конверты пластинок «Кино» и «Поп-механики», портреты Новикова, Гурьянова и «Новых композиторов». В годы перестройки возникает группировка «Новых диких» (Козин-Маслов- Зайка), зажигается звезда Владислава Мамышева-Монро вместе с Пиратским телевидением Юриса Лесника. Мария Синякова-Уречина передает Новикову и Бугаеву титул «Председателей Земшара», придуманный Велимиром Хлебниковым. В исторической ретроспективе творчество «Новых художников» становится частью международного движения «новой волны» или «свободной изобразительности», к которому принадлежал Жан-Мишель Баскиа, а галерею «Асса» сравнивают с «Серебряной фабрикой» Энди Уорхола.

*Тимур Новиков (1958-2002) стал художником и куратором на подъеме волны нонконформизма в Ленинграде. В 1977 году он стал участником группы «Летопись», основанной неоэкспрессионистом Борисом Кошелоховым; а когда Кошелохов отправился на ПМЖ в Италию, Новиков устроил первый сквот – мастерские «летописцев» имени Кирилла и Мефодия в бывшей церкви Шестаковской Божией матери. Деятельность сквота быстро прекратила милиция, однако Новикова это не обескуражило, он начал устраивать выставки на пляжах и в парках. В 1980 году в расселявшейся коммунальной квартире на улице Воинова Новиков открыл собственную галерею «АССА» выставкой «I биеннале портретов Тимура Новикова».