КАРТИНА, КОТОРУЮ ХВАЛЯТ БОЛЬШЕ, ЧЕМ ДЕСЯТЬ ПРОЦЕНТОВ ПУБЛИКИ, ПОДЛЕЖИТ СОЖЖЕНИЮ. БЕРНАРД ШОУ
Выставки

6 9 ОКТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Участники программы арт-резиденции Ольга и Александр Флоренские представят персональные экспозиции на основе живописных и графических работ, созданных во время пребывания во Владивостоке. В фокусе Ольги Флоренской – городские вывески и реклама; материалом же для пейзажей Александра Флоренского стали виды Приморья.

Выставка Ольги Флоренской называется «Приморские вывески». «Много лет я занималась коллекционированием всевозможных вывесок, объявлений и надписей, сделанных безымянными авторами на железе, стекле, дереве, камне, бумаге, - говорит художница. - В какой-то момент я начала рисовать акрилом на железе, фанере и прочих подручных материалах свою собственную «идеальную коллекцию». Так художник во мне пересилил коллекционера».

Некоторые из нарисованных Ольгой «вывесок» имеют в основе конкретный прототип, другие же представляют собой авторскую реконструкцию объектов никогда не существовавших.

Художница много путешествует и внимательно изучает местную рекламу. В процессе работы используется местный алфавит, поэтому в многолетнем проекте «Вывески» встречаются надписи на грузинском, русском, английском, сербском, турецком, арабском, иврите.

В арт-резиденции «Заря» художница продолжила работу над проектом «Вывески». Ольга отмечает: «Во Владивостоке очень много специфической рекламы, связанной с морем, рыбой, кораблями и разнообразной «китайщиной». Часто помимо кириллицы на одной и той же вывеске можно встретить китайские, японские и корейские шрифты, которые мне никогда еще не доводилось писать. Рисовала я на материалах, найденных в местных пунктах приёма металлолома и в бомбоубежище Фабрики «Заря».

Для своей выставки «Владивосток и его окрестности» Александр Флоренский создал серию картин и рисунков с натуры. В частности, художник специально ездил на побережье океана, чтобы нарисовать с натуры маяка Бриннера, что было его давнишней мечтой.

Проект продолжает традиции «Общества любителей живописи и рисования», созданного в 2004 году Александром Флоренским и Иваном Сотниковым (1961-2015).«Общество любителей живописи и рисования» – инициатива художников из Петербурга, имена которых знакомы широкому зрителю по таким известным арт-группировкам 80-х и 90-х годов, как «Митьки» и «Новые художники». «Общество любителей живописи и рисования» считает своей задачей возврат к традиционным художественным ценностям в эпоху постмодернизма, в частности, пропаганду такой совершенно исчезнувшей из арсенала современного искусства практики, как живопись и рисование с натуры.

*Ольга Флоренская (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) окончила отделении керамики ЛВХПУ им. В.И. Мухиной (Художественно-промышленная академия им. Штиглица). Представляла свои работы на персональных выставках, в числе которых - «Записки путешественника», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2017), «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), 2016 ЧЕРНОГОРСКИЕ КАПИТАНЫ, ULUCG, Подгорица, Черногория, КЛАССИЧЕСКАЯ СМЕРТЬ, NАME Gallery, Санкт-Петербург (2015) и др. Активный участник групповых выставок - «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), VIII выставка номинантов премии Кандинского, галерея УДАРНИК, Москва (2014), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003) и др. Резидент KULTURKONTAKT AUSTRIA, Фонда мемориальных стипендий Памяти Иосифа Бродского (Нью Йорк), Dukley European Art Community (Черногория). Работы Ольги находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

Александр Флоренский (р. 1960, живет и работает в Санкт-Петербурге и Тбилиси) работает в разнообразных медиа: начиная с живописи, графики и скульптуры и заканчивая кино и фотографией. В 1977-1982 гг. учился на отделении керамики ЛВХПУ им В.И. Мухиной (ныне Художественно-промышленная академия им. барона Штиглица). Среди персональных выставок последнего времени - «Сделано в Черногории», NАME Gallery, Санкт-Петербург (2017), «Городские азбуки А. Флоренского», Библиотека книжной графики, Санкт-Петербург (2017), «Картины, нарисованные в Грузии», ЦСИ ВИНЗАВОД, TOTIBADZE GALLERY, Москва (2016), «Черногорская азбука», Национальная библиотека, г.Цетинье, Черногория (2015) и др. Участник таких групповых экспозиций, как «Ситуация искусства», PERMM (2016), «Возможность полета», ГЦСИ, Москва (2015), «Без барьеров. Русское искусство 1985-2000», Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург (2013), «Графика ХХ века», Государственная Третьяковская Галерея, Москва (2003), «Русское бедное», Музей современного искусства PERMM, Пермь (2008), и множества других. Работы Александра Флоренского находятся в коллекциях главных музеев России - Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств им. Пушкина, ГЦСИ (Москва), а также в Victoria & Albert Museum (Лондон), Музее современного искусства KIASMA (Хельсинки) и ряде других государственных и частных коллекций.

1 СЕНТЯБРЯ / 19:00 / ВЕРНИСАЖ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

2 СЕНТЯБРЯ 19 СЕНТЯБРЯ / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Участник программы арт-резиденции «Заря» художница Ольга Киселёва представит персональную выставку. Инсталляция «Сеть» раскроет аналогии между строением рыболовных сетей и новейших сетевых технологий.

Как известно, сети являются одним из основных орудий добычи водных биоресурсов, и эта тема особенно актуальна во Владивостоке, одном из центров рыболовной индустрии. И хотя в настоящее время использование сетей в любительском рыболовстве ограничивается законодательством, и уже далеко не каждый может воспользоваться этим простым и одновременно результативным инструментом, однако теперь сеть представляется универсальным символом, к которому можно подвести множество аналогий.

Как отмечает художница, русское слово «сеть» обозначает одновременно рыболовную, компьютерную и социальную сеть, а также объединение различных структур: торговых, транспортных, производственных и т.д. Эта семантическая особенность присутствует также в английском, но отсутствует во французском, немецком, японском и в большинстве актуальных языков. Тем не менее, сравнивая форму этих абсолютно разных как по воплощению, так и по назначению структур, можно обнаружить ряд сходств. В некоторых случаях структура компьютерной сети, с ее соединениями, ответвлениями, узлами, ячейками и кластерами-гроздями может полностью повторять структуру сети рыболовной.

Проект «Сеть» создан Ольгой Киселёвой в тесном сотрудничестве со специалистами компьютерных технологий, а также с рыбаками и специалистами по производству инструментов для рыболовного промысла. Сравнительное исследование было проведено на Атлантическом и Средиземноморском побережьях Франции, и на Тихоокеанском побережье во Владивостоке. Работа над проектом продолжится в форме академических, социологических и технологических разработок по предложению новых форм и новых функций сети.

Выставка также ознакомит с предыдущими проектами художницы, представленными в формате интерактивной презентации.

Справка: Ольга Киселёва (р.1965) – одна из центральных представителей международного сайнс-арта – искусства, использующего научные знания и технологии. Киселева родилась в Санкт-Петербурге, закончила Художественно-промышленное училище им. В. Мухиной и Ленинградский государственный университет. Продолжила обучение в Университете Калифорнии и Колумбийском университете, Нью-Йорк, где сфокусировала свое внимание на видео-арте и мультимедиа, защитила диссертацию на степень PhD по теме видео и компьютерного искусства. В 1998 г. была приглашена к преподаванию в Сорбонне, где с 2007 года занимает должность директора Международного Института Искусства и Науки. Является также членом научного совета Сорбонны и основателем лаборатории Art&Science, которая выступила пионером в сфере современного искусства исследования. Работы Ольги Киселевой были представлены в Парижском Музее современного искусства, Музее современного искусства Рейна София в Мадриде, Центре Помпиду, Музее современного искусства KIASMA в Хельсинки, MOMA в Нью-Йорке, Музее современного искусства Гуггенхайм в Бильбао, ГЦСИ в Москве и Нижнем Новгороде, Русском Музее в Санкт-Петербурге, а также на многих международных выставках и биеннале. Художница примет участие в 9-й Владивостокской международной биеннале визуальных искусств в октябре 2017 г. В своей работе Ольга Киселёва обращается к точным наукам, генетической биологии, геофизике, а также к политическим и социальным наукам. Она проводит научные эксперименты, делает подсчёты и анализы, строго соблюдая методы, принятые в той или иной научной области. Так, с помощью чисто научного метода она проверяет и подтверждает свою художественную гипотезу.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

29 ИЮЛЯ / 13:00—19:00 / ЦЕХ 2, ВХОД 10, ЭТАЖ 1

Благотворительная выставка-раздача кошек по инициативе участника программы арт-резиденции «Заря» Алексея Булдакова и «Лаборатории городской фауны» пройдет на Фабрике «Заря». Все желающие смогут поддержать бездомных кошек, находящихся на попечении волонтерского движения «Спасем жизнь», а также помочь им найти хозяев. Все кошки, участвующие в выставке, подобраны на улице, здоровы и готовы к переезду в домашние условия. Организаторы будут также очень благодарны помощи для животных — любому корму, наполнителю, медикаментам, ветоши.

Инициатором выставки выступил участник программы арт-резиденции «Заря», художник Алексей Булдаков (Москва), который также осуществит художественное оформление выставочного зала. Это событие станет итогом двухмесячного пребывания Булдакова во Владивостоке. Художник является одним из основателей проекта «Лаборатория городской фауны» (совместно с Анастасией Потемкиной, urbanfaunalab.org) и на протяжении нескольких лет изучает животных, населяющих городскую среду, и особенности их взаимоотношений с человеком. В частности, в фокусе его интересов чаще всего оказываются голуби и кошки.

Как известно, кошки сопровождают человека с самых ранних этапов развития цивилизации. Когда с усовершенствованием технологий земледелия появились излишки продуктов, возникла необходимость в их хранении и защите от вредителей, и кошки стали одним из помощников в сохранении запасов урожая. При этом они остаются достаточно независимыми от человека животными. В условиях современных городов кошки продолжают сосуществовать с людьми, часто провоцируя проявления межвидового альтруизма или, в данном случае, заботы представителя одного биологического вида о представителе другого, более слабого. По словам художника, «для городских жителей кошки олицетворяют дикую природу, иррациональную и загадочную. Кормление кошек можно сравнить с ритуальным подношением богам. На выставке все желающие могут принять участие в этом ритуале». Предполагается, что взаимодействие таких далеких друг от друга практик, как современное искусство и волонтерство в защиту животных, сможет способствовать вовлеченности жителей и организаций города в социально значимый процесс благотворительности.

Алексей Булдаков (р. 1980) живет и работает в Москве. Один из основателей проекта «Лаборатория городской фауны» (совместно с Анастасией Потемкиной, urbanfaunalab.org). Изучал искусство и цифровые медиа в Академии Изящных Искусств, Вена (2011-2012), учился в Центре Социальной и Культурной Антропологии РГГУ (1998-2003). Среди персональных выставок - «Городская сауна». Как я научился не беспокоиться и полюбил загрязнение окружающей среды» (ЦСИ «Винзавод», Москва, 2017), «Дарящие надежду» (Галерея XL, Москва, 2016), «Зелень вешняя» (ВДНХ, павильон «Зерно», 2014) и др. Участвовал в таких коллективных выставках, как «New Décor» (МСИ «Гараж», Москва, 2010), «Ударники мобильных образов" (Первая уральская индустриальная биеннале современного искусства, Екатеринбург, 2010), «Футурология / Русские утопии» (МСИ «Гараж», 2010) и др. Его работы находятся во ряде коллекций, включая Государственную Третьяковскую галерею, ГЦСИ, Фонд «Екатерина», Мультимедиа Арт Музей, Москва и др.

Волонтерское движение защиты животных «Спасем жизнь» объединяет активистов Владивостока, помогающих бездомным животным обрести хозяев. На протяжении более чем пяти лет движение регулярно проводит выставки-раздачи на разных площадках города. Подробнее о деятельности движения «Спасем жизнь» можно узнать по телефону +7 (914) 792-54-72 (Лилия).

Вход свободный

21 МАЯ - 4 ИЮНЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

20 МАЯ / 20:00 / ВЕРНИСАЖ / ПЕРФОРМАНС «РЕЧЬ» / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Современный миф, по Ролану Барту, есть форма речи, которая служит, в том числе, для деполитизации, то есть для того, чтобы представить сконструированную кем-то когда-то реальность, в том числе политическую, как нечто само собой разумеющееся. Миф берет факт истории и превращает его в факт природы. Он опорожняет социальную реальность, выпаривает ее. Мифотворчество – важнейшая функция политического субъекта. Задуматься о происхождении мифа – значит поставить под сомнение сложившийся политический порядок. Самому заняться мифотворчеством – значит стать политическим субъектом.

Миф о Владивостоке как советском Сан-Франциско возник после посещения обоих городов Никитой Хрущевым и бытует до сих пор. Хрущев залетел во Владивосток на обратном пути после визитов в Америку и Китай. Письменных источников, подтверждающих, что именно он призвал сделать Владивосток советским Сан-Франциско, который видел за несколько дней до этого своими глазами, не сохранилось. В официальном тексте речи, произнесенной Хрущевым во Владивостоке, ничего такого нет, хотя Америке посвящена бóльшая ее часть. Но для мифа это и не важно: он «работает» на нечетких ассоциациях.

Америка – вечный и неотъемлемый Другой русского политического воображения начиная с XIX века. В истории с возвращением Хрущева из Америки и рассказом владивостокцам о поездке его можно представить отцом семейства, который, съездив в загранку, вернулся с сувенирами и рассказывает детям о впечатлениях. «Дети» подхватывают поверхностное сравнение их города с далеким романтическим Сан-Франциско, и не важно, что по сути это был неосознанный, парадоксальный призыв к подражанию, несмотря на декларируемую непримиримую борьбу с капитализмом и декларируемое превосходство над ним. Советская пропаганда в конце 1950-х только начала превращать Америку в главное внешнеполитическое пугало, свежи еще были воспоминания о союзничестве во Второй мировой войне, а благодаря классической русской литературе эта страна вообще была синонимом чуть ли не земли обетованной. Видимо, хрущевское сравнение удачно легло на подспудную русскую мечту об Америке, а логические и идеологические нестыковки мифу не мешают.

Интересна история локального мифотворчества в самом Сан-Франциско. В 1961 году здесь впервые открытый гей выставил кандидатуру на выборах в городское собрание, в том же году на местном телевидении впервые показали фильм о гей-движении, а уже в 1964-м журнал TIME назвал Сан-Франциско гей-столицей Америки. Именно этот город стал глобальным центром гей-движения и ассоциируется теперь в мире именно с ним. В проекте «Америка» я дополняю владивостокский миф о Сан-Франциско некоторыми деталями, добавляю ему контекста, ведь миф боится именно полноты образа, помещения в контекст, ибо оперирует только фрагментами. Мы «плаваем» в мифах, пóходя выпекаемых политиками, бездумно подхватываем слова, произносимые ими, какими бы пустыми и бессмысленными они ни были, говорим и пишем штампованным языком бюрократии, не осознавая этого, а значит подчинены ей. «Политический язык, – писал Джордж Оруэлл в 1946 году, – предназначен для того, чтобы ложь звучала правдиво, убийство выглядело достойно, а пустословие – солидно». Ему же принадлежат слова: «Если мысль коверкает язык, то и язык может коверкать мысль».

Анализируя в своем сборнике Mythologies (1957) мифы, которые производит буржуазное общество, Ролан Барт кратко остановился и на мифах, которые он назвал «левыми», хотя имел в виду в том числе и мифы советские. Отличие советских «левых» мифов от буржуазных, по мысли Барта, заключается в том, что если буржуазные мифы всеохватны, распространяются на все сферы социальной жизни, то левые – случайны, вымучены, буквальны (в Сан-Франциско пересеченный ландшафт, значит Владивосток похож на Сан-Франциско), они будто созданы по приказу. Если буржуазный миф – это стратегия, то левый – лишь тактика. Причина этого – в природе левой идеологии. Поскольку она определяет себя только по отношению к угнетенным, а язык угнетенных прямолинеен и не способен ко лжи и к производству мифов, то и советское мифотворчество было скудное и ситуативное. Ему не хватало сил, чтобы стать буржуазным, изобрести буржуазный метаязык, который якобы только и способен производить мифы.

Инсталляция «Америка» состоит из нескольких элементов, связанных друг с другом неявным образом: это подлинные открытки Сан-Франциско конца 1950-х гг., купленные у одного владивостокского коллекционера: их можно представить как сувениры, привезенные отцом детям; на них бюрократическим инструментом – штампом – нанесены лозунги о Сан-Франциско и Владивостоке (они имитируют советские и могли быть произнесены Хрущевым); репринт газеты «Правда» от 8 октября 1959 г. с речью Хрущева, произнесенной двумя днями ранее на стадионе «Авангард» (поверх нанесена цитата из его мемуаров, изданных после отставки); брошюры с полным текстом речи, которую я дополнил процитированным выше эпиграфом из Оруэлла, а также двух видео – с фрагментом выступления Хрущева и с неформальным гимном гей-движения, наложенным на изображение американского флага.

Миф может исчезнуть только под натиском нового мифа, и проект «Америка» лишь указывает на такую возможность.

Максим Шер, май 2017 г.

29 АПРЕЛЯ - 14 МАЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

29 АПРЕЛЯ / 20:00 / ВЕРНИСАЖ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

В Мастерской арт-резиденции «Заря» откроется выставка участника программы арт-резиденции «Заря» Николая Смирнова. Экспозиция «Мирные завоеватели», вернисаж которой состоится 29 апреля в 20:00, представит результаты работы художника во Владивостоке. Выставка продлится до 8 мая.

Проект Николая Смирнова исследует репрезентации «иностранных агентов» в культуре, перенасыщенной параноидальными образами. Как считает художник, «разрыв в масштабе между локальным и телесным, окружением и глобальными процессами, во-многом определяющими жизнь, фрустрирует современного человека и приводит к расцвету разнообразных теорий заговора, которые пытаются заполнить этот разрыв, объяснить вышедший из-под контроля мир».

Важной частью проекта станет фильм, снятый во Владивостоке совместно с учениками Владивостокской школы современного искусства (ВШСИ) по мотивам повести «Мирные завоеватели» Антония Оссендовского. Это произведение было написано известным польским авантюристом в 1915 г. с целью шантажировать немецкий торговый дом «Кунст и Альберс» (в настоящее время – владивостокский ГУМ) во время Первой мировой войны, когда повсеместно распространились «антинемецкие настроения». После издания книги Оссендовский писал Альфреду Альберсу, угрожая снять провокационный фильм по ее мотивам во Владивостоке. И хотя в итоге планам мистификатора не было дано осуществиться, сегодня эта история может получить новое прочтение. Художник снимает обещанный Оссендовским фильм в собственной, вольной трактовке, предоставляя зрителю шанс сравнить современную репрезентацию образа шпиона и «врага народа» с аналогичным образом столетней давности.

Справка: Николай Смирнов (р. 1982) - художник, географ, куратор, исследователь. Закончил географический факультет МГУ и факультет живописи МГАХИ им. Сурикова, в настоящее время студент Школы Родченко. Работает с пространственными практиками и репрезентациями пространства в искусстве, науке и повседневности. Участник нескольких десятков групповых выставок. Куратор проектов «Метагеография» (совместно с Дмитрием Замятиным и Кириллом Светляковым, Государственная Третьяковская галерея, г. Москва) и «Вечная мерзлота» (Арктическая биеннале, г. Якутск, 2016). Номинант премии «Инновация» (2016, кураторский проект «Метагеография», совместно с Кириллом Светляковым). Автор ряда исследовательских текстов, опубликованных в: «Художественный Журнал», «Разногласия», «ЦЭМ», «Городские исследования и практики». Член научных экспедиций и бывший сотрудник лаборатории комплексных геокультурных исследований Арктики (Якутск-Москва).

Вход свободный

19 АПРЕЛЯ – 17 СЕНТЯБРЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открывается выставка «Материализация», которая представит пятьдесят предметов двадцати трех молодых отечественных дизайнеров и студий. Экспозиция призвана познакомить широкую публику с российским предметным дизайном, а также включить Дальневосточный регион в контекст российского профессионального сообщества и стать платформой для исследования дизайнерами локальных ресурсов и традиционных техник региона.

Предметы, представленные на выставке, выполнены в наиболее распространенных в российской практике материалах: дереве, металле, камне и керамике. Куратор выставки Татьяна Кудрявцева предлагает взглянуть на выбор материалов не только как на следствие ограничений, обусловленных состоянием российской индустрии. Рассказывая истории материального воплощения творческих идей, выставка поднимает темы экологии жизненной среды, разумного потребления, этики использования ресурсов и возрождения традиционных техник и локальных ремесел.

Выставка посвящена российским авторам, работающим в рамках модели «дизайнер-предприниматель», и исследует сочетание подхода к дизайну как проектированию серийных объектов с практикой камерного и зачастую ремесленного производства. Знание свойств материалов и раскрытие их потенциала становится важным аспектом превращения проекта в качественный продукт, который обладает узнаваемостью. А современная интерпретация традиционных техник, таких как, например, работа с берестой или молочение керамики, возвращает функциональную востребованность промыслам. На выставке показаны небольшие предметы мебели, светильники, аксессуары и предметы сервировки. Дизайн экспозиции разработали петербургские архитекторы Rhizome.

Дерево, металл, камень и керамика – четыре основных материала, с которыми работают российские предметные дизайнеры. Обращение к ним можно назвать предсказуемым: в отличие от технологичных материалов они доступны и работать с ними в России умеют. За последние 5-7 лет в России появился ряд заметных авторов, которые активно участвуют в профессиональных событиях международного уровня; что даже более важно, их работы представляют собой не только идеи, но и продукт. Так как современная индустрия, ориентированная на выпуск дизайнерской продукции, в России практически отсутствует, успешная «материализация» предметных замыслов требует от дизайнера развитых навыков организатора и предпринимателя. Предметы изготавливаются силами мастерских, способных производить небольшие серии качественных изделий. Некоторые дизайнеры открывают собственные производства.

В то же время обращение к традиционным материалам является одной из выраженных мировых тенденций современного дизайна. Для человечества в поисках «утраченных ценностей» размеренного уклада жизни, гармоничной среды, экологического равновесия натуральные материалы становятся противовесом для всепроникающих современных технологий, имеющих эфемерную природу. Рост экологического сознания становится стимулом к выбору предметов из материалов, которые являются возобновляемыми ресурсами и перерабатываются без вредных отходов. Предметы, которые несут на себе отпечаток ремесленного труда, вызывают большее чувство сопричастности. Такие предметы реже выбрасывают, что является шагом на пути к осмысленному потреблению. Особый интерес в рамках обращения к «материальности» и мастерству представляет исследование традиционных ремесел. Современный дизайн дает им новую жизнь, одновременно обогащая свой язык и нашу повседневную материальную культуру, заново открывая локальное своеобразие на фоне все возрастающей глобализации, стирающей различия.

Дизайнеры, представленные на выставке: Олеся Ананьева (Красноярск), Екатерина Вагурина (Санкт-Петербург – Москва), Лёша Галкин (Санкт-Петербург), Дело (Санкт-Петербург), Аня Дружинина (FёdorToy) (Санкт-Петербург), Владимир Иванов (Кемерово – Санкт-Петербург), Александр Каныгин (Санкт-Петербург), Таня Клименко (Ростов-на-Дону – Москва – Пльзень), Катерина Копытина (Москва), Анастасия Кощеева (Красноярск – Берлин), Максим Максимов (Санкт-Петербург), Денис Милованов (Москва), Ярослав Мисонжников (Санкт-Петербург), Лера Моисеева (Москва – Нью-Йорк), Николай Никитин (Москва), Дарья Павлова (Санкт-Петербург), Екатерина Семёнова (Санкт-Петербург – Амстердам), Надежда Семчишина (Москва), Максим Щербаков (Санкт-Петербург), Concrete Jungle (Владивосток), PlayPly (Москва), Rhizome (Санкт-Петербург), 52Factory (Санкт-Петербург).

Выставка «Материализация», знакомящая публику с современными работами, откроется параллельно с экспозицией «Советский дизайн 1950–1980» Московского музея дизайна, рассказывающей о различных аспектах жизни советского гражданина, отраженных в объектах материальной культуры. В рамках параллельной программы ЦСИ «Заря» и Дальневосточный федеральный университет проведут международную научно-практическую конференцию, посвященную современному предметному дизайну и развитию этой дисциплины в России. Конференция пройдет на кампусе ДВФУ с 18 по 25 апреля.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

19 АПРЕЛЯ – 17 СЕНТЯБРЯ / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открывается выставка Московского музея дизайна «Советский дизайн 1950-1980».

«Советский дизайн 1950-1980» результат четырехлетней работы сотрудников Московского музея дизайна с архивами советских дизайнеров, тщательного отбора экспонатов, наиболее ярко показывающих историю и достижения российского дизайна; это исследование нашей материальной культуры. В экспозиции представлено более 500 предметов: мебель, текстиль, бытовая техника и посуда, игрушки, плакаты, уникальные архивные материалы.

Разделы выставки представят различные аспекты жизни и материальной культуры советского гражданина: мир детства и игр, спорт и массовые мероприятия, досуг и хобби, обустройство домашнего быта, образование, наука и индустриальное производство. На выставке будут показаны объекты, образцы графического и промышленного дизайна, оригинальные чертежи и макеты из собрания Московского музея дизайна и частных коллекций, уникальные экспонаты, предоставленные дизайнерами и их семьями.

Советские дизайнеры стремились создавать долговечные и качественные вещи «вне времени». Ассортиментная политика государства и принципы модульного проектирования позволяли создавать унифицированные модели, которые могли быть адаптированы к различным социально-бытовым и культурным условиям. Такой разумный, «экологичный» подход стал «визитной карточкой» советской системы дизайна.

К выставке подготовлены видеоинтервью с ведущими дизайнерами советского времени: Юрием Соловьевым, Валерием Акоповым, Владимиром Рунге, Игорем Зайцевым, Светланой Мирзоян, Владимиром Анисимовым, Александром Ермолаевым. В рамках экспозиции будет показан уникальный документальный фильм «Дизайн в СССР», который был сделан специально для продвижения советского дизайна за рубежом.

В 2012 году выставка «Советский дизайн 1950-1980» открылась в ЦВЗ «Манеж», в 2015 с огромным успехом прошла в центральном выставочном зале Кунстхал Роттердам (Роттердам, Нидерланды), а в 2018 будет представлена в Музее искусства и дизайна Атомиум (Брюссель, Бельгия).

В рамках параллельной программы к выставкам «Советский дизайн 1950-1980» и «Материализация» ЦСИ «Заря» и Дальневосточный федеральный университет проведут международную научно-практическую конференцию, посвященную теме современного предметного дизайна и развития этой дисциплины в России. Конференция пройдет на кампусе ДВФУ с 18 по 22 апреля.

ВХОД СВОБОДНЫЙ


25-31 МАРТА / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

25 МАРТА / 19:00 / ОТКРЫТИЕ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ (ЦРМ, 5 ВХОД)

Художник из Владивостока Андрей Дмитренко представит проект по итогам участия в арт-резиденции «Заря».

Проект Андрея посвящен состоянию неопределенности, которое так характерно для молодых жителей Владивостока. Несомненной и ярко выраженной местной тенденцией последних десятилетий является миграционный отток образованного и трудоспособного населения, усугубленный портовой спецификой города, где все – временно, изменчиво, не навсегда. Поневоле у молодых жителей возникает вопрос: оставаться или последовать примеру знакомых и уехать? При этом окружающая реальность не дает однозначного ответа, и поиски направляющих движение маяков, сигналов к действию остаются индивидуальной ответственностью каждого, кто задается этим вопросом.

Метания и сомнения, характерные для общества с отсутствующими или искусственно привитыми ценностями и критериями, свойственны и самому художнику как представителю поколения молодых людей, родившихся и выросших во Владивостоке. Проект становится отражением этой ситуации и попыткой уловить сигналы – в словах своих друзей и ровесников, точно так же спрашивающих себя о своем настоящем и будущем.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

МАЛЫЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

18 марта в Центре современного искусства «Заря» откроется персональная выставка японской художницы Митико Цуды «Наблюдающий лес». На выставке будут представлены видеоработы из серии «Yeu & Mo», а также инсталляция «Ты вернулся бы туда, чтобы снова меня увидеть на следующий день» («You would come back there to see me again the following day»).

Данная экспозиция не только впервые демонстрирует работы Митико Цуды в России, но и призвана стимулировать дискуссию о репрезентации идеи движения в искусстве на фоне выставки русского кинетического искусства «Вечный двигатель», которая открылась в ЦСИ «Заря» в феврале.

Представленные произведения Митико Цуды являются уникальным примером лаборатории по изучению движущегося объекта и его восприятия зрителем, в котором эксперимент ставится одновременно над изображаемым, над субъектом, временем действия и над системой, в которой существует эта коммуникация.

Исследование Цуды оперирует инструментами одновременно двух дисциплин — перформанса, для которого ключевым моментом является непосредственный опыт пребывания тела во времени и пространстве, в некой заданной ситуации, и медиаискусства, которое концентрируется на фиксации и передаче информации (в нашем случае — об опыте данного тела).

Какие чувства возникают, когда на нас направлены объективы камер? Если они снимают нас против нашего желания, не стремимся ли мы к тому, чтобы стать объектом, а не субъектом чьего-то пристального внимания? Исследование Митико Цуды может указывать на то, что наше представление о себе размыто репрезентацией нас самих в медиа; но также и на то, что медиаполе, которое кажется агрессивным, таящим угрозу лесом, является ничем иным, как отражением нас самих. Однозначного ответа на то, как трактовать работы Цуды, не существует, однако, как и в ситуации с настоящей, вызывающей тревогу чащей в лесу, у субъекта есть два варианта: либо он смотрит, либо смотрят на него.

* Митико Цуда (р. 1980) – японская художница, работающая с видео и новыми медиа. Получила степень мастера искусств (MA) и доктора философии (PhD) в Токийском университете искусств (Tokyo National University of the Arts). В числе ее персональных выставок – Photographs show you images, taimatz, Токио (2016), The Day After Yesterday, TARO NASU, Токио (2015), Plan of the Room, switch point, Токио (2014), jet lag, kasarne kultur park, Кошице, Словакия (2014). Также принимала участие в ряде групповых экспозиций, среди которых Landscapes: New vision through multiple windows,Japan Creative Centre, Сингапур (2017), OPEN SPACE 2016: Media Conscious, NTT InterCommunication Center [ICC], Токио (2016), НИИ ОП! НАУКА. ИСКУССТВО. ИЛЛЮЗИИ, Государственная галерея «На Солянке», Москва (2014).

БОЛЬШОЙ ЗАЛ / ВХОД СВОБОДНЫЙ

Куратор выставки: Полина Борисова

Выставка «Вечный двигатель» — это первая в России попытка осветить такое масштабное и значимое направление искусства, каким является кинетизм, со всех сторон, от момента зарождения до настоящего времени.

Как относительно цельное направление в искусстве кинетизм сформировался в 1950-е годы на Западе. Именно в это время в художественной критике появляются термины «кинетизм», «кинетисты», «кинеты» (от греческого kinesis — движение, двигаться). Происходит рождение нового типа творца — художника-инженера, стремящегося воплотить в искусстве движение как таковое при помощи мобилей — механических и оптических приспособлений. Однако истоки этого течения следует искать в творческих изысканиях русского авангарда начала ХХ века.

Первым непосредственно кинетическим объектом можно считать мобиль Наума Габо «Стоящая волна», созданный в 1920 г. в Москве с целью осмыслить движение и динамический ритм как эстетическую категорию.

В поле кинетизма попадает всё: искусство, дизайн, архитектура, музыка. Кинетизм работает со статикой и динамикой, со светом, оптикой и темнотой, с музыкой, звуком и иногда — тишиной. Так, опираясь на основы русского авангарда и достижения различных областей культуры и искусства, кинетизм, с одной стороны, создаёт на пересечении искусств невероятный синтез, с другой — становится зеркалом технического прогресса и его восприятия человеком.

Рассказать историю русского кинетического искусства помогут экспонаты из собраний Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Государственного музея В. В. Маяковского, Государственного музея архитектуры им. А. В. Щусева, Государственного музейно-выставочного центра РОСИЗО, НИИ «Прометей» (КНИТУ-КАИ, Казань), а также из собрания коллекционера Михаила Алшибая, архивов Натальи Термен, художника Сергея Зорина, заведующего сектором мультимедийных проектов Московской государственной консерватории Андрея Смирнова.

Впервые во Владивостоке можно будет увидеть такие знаковые произведения новой истории русского искусства, как макет «Памятника III Интернационала» Владимира Татлина, терменвокс Льва Термена, знаменитый «Киберцветок» Льва Нусберга и Сергея Зорина, самонапряженные конструкции и штриховую стереографию Вячеслава Колейчука, собранную из 22500 бритвенных лезвий скульптуру «Галатея» Бориса Стучебрюкова, мобили Леонида Борисова, инсталляцию «БиКаПо» Германа Виноградова, свето-музыкальные объекты СКБ «Прометей». В экспозицию также вошли реконструкции произведений Густава Клуциса, Наума Габо, Александра Родченко, литографии Эля Лисицкого, Казимира Малевича. Кроме того специально для работы над выставкой приглашены современные художники-кинеты.

Участники:

Наум Габо, Владимир Татлин, Александр Родченко, Густав Клуцис, Карл Иогансон, Казимир Малевич, Илья Чашник, Тавель Шапиро, Эль Лисицкий, Татьяна Макарова, Дзига Вертов, Георгий Гидони, Георгий Крутиков, Константин Мельников, Лев Термен, Соломон Никритин, Арсений Авраамов, Борис Янковский, Группа "Движение", Лев Нусберг, Франциско Инфанте, Вячеслав Колейчук, Сергей Зорин, Александр Григорьев, Галина Битт, Римма Заневская, Виктор Степанов, Анатолий Кривчиков, Михаил Дорохов, Владимир Акулинин, СБК «Прометей», Булат Галеев, Юрий Правдюк, Леонид Борисов, Борис Стучебрюков, Михаил Карасик, Герман Виноградов, Роман Сакин, Паша 183, Дмитрий vtol Морозов, Илья Трушевский.