ЕЁ
[жизнь / мечты / семья / муж / работа / любовь / дети / родственники / приоритеты / взгляды / чувства / шляпка / проблемы / тревоги / радости]
Накануне 8 марта Центр современного искусства «Заря» открывает выставку женщин-художниц.
6 марта Центр современного искусства «Заря» открывает выставку женщин-художниц «Её». Экспозиция представляет образ современной женщины в фокусе её личных переживаний окружающего мира. В рамках выставки, которая продлится до 30 августа, будут проходить мастер-классы и лекции художниц. Вход на все мероприятия свободный.
Приуроченная к празднику Международного женского дня 8 марта выставка в данном случае является не столько поводом для поздравлений, сколько попыткой внимательного анализа формальных проявлений «женских» тем в современном искусстве.
Принимая во внимание неоднозначность в интерпретации в современном российском обществе праздника 8 марта, куратор Оксана Саркисян обратилась к художницам (или женщинам-художникам), представляющим молодое поколение на московской арт-сцене. Несмотря на молодость, они уже стали заметными фигурами и получили признание не только московских и петербургских арт-институций и галерей, но и в международном контексте. И хотя принявшие в выставке участия художницы работают с различными медиа (живопись, фотография, видео, инсталляция, искусство участия, перформанс и проч.), их объединяет эмоциональность восприятия и экспрессивность выражения.
Большинство приглашенных художниц никогда ранее не принимали участие в женских или феминистских проектах, хотя все они эксплуатируют в своем творчестве гендерную тематику, манипулируют гендерными знаками и стереотипами. И если в объектах Ирины Кориной они проявляются как часть фантасмагорических структур коллективного бессознательного, то в проектах других художниц присутствует рефлексия субъекта творчества. Это особенно ярко проявлено в пубертратном требовании свободы выражения у Александры Галкиной, в бунтарском духе Алисы Йоффе, в провокативной сексуальности жеста у Вики Бегальской и образа у Светланы Шуваевой, в ироничной эстетизации артефактов насилия Анастасией Потемкиной и в абсурдистских акциях Варвары Геворгизовой.
Исследует проявления гендерных ролей в своем повседневном опыте Общество анонимных переписчиц (или переписчиков). Глюкля (Наталья Першина-Якиманская) производит ситуации на хрупкой границе взаимодействия внутреннего мира человека и социальных систем. Ее проект посвящен работницам швейной фабрики «Заря», в бывшем корпусе которой располагаются выставочные залы ЦСИ «Заря». Видеоработы Полины Канис гипертрофированно представляют реальность биополитических систем, а видеоинсталляция Антонины Баевер, напротив, создает сакральное пространство вне социального с его непреодолимыми конфликтами и противоречиями – идеалистическую реальность мифа.
Международный женский день, возникший в конце 19 века как праздник проявления солидарности и гражданского самосознания женщин в борьбе за свои права, перекодируется в середине 20 века, и 8 марта становится Праздником весны, красоты и женственности, материнства и любви и других проявлений архаических культов плодородия. Кардинальное изменение содержания праздника приводит к неоднозначности в современной трактовке, которую и стремится проанализировать выставка через призму художественных практик приглашенных участниц, через ЕЁ мнение и ЕЁ отношение к празднику и к теме женского.
14 ФЕВРАЛЯ / 12:00 - 22:00
ИРИНА ПЕТРАКОВА
ПОРОХ
Финальный проект резиденции
Работа проекта: 12:00-22:00
Презентация: 18:00-22:00
К размышлению о значении памяти - как единственному бессмертному стоп-сигналу для современников и особой категории сознания homo sapiens - нас подталкивает проект Ирины Петраковой, выросший из исследовательской работы в тотальную инсталляцию. В память о русско-японской войне 1904-1905 годов объектами выставки, служащей итогом месячной резиденции московского художника во Владивостоке, стали материалы из найденных военных архивов, схемы снарядов и военного вооружения, оцифрованные портреты непосредственных участников боев. Художник прибегает к изобразительному языку графики, в технике фроттажа воспроизведя на холстах бойницы фортификационных сооружений острова Русский, а скульптурой, представляющей из себя пушечные снаряды в натуральную величину, которые при этом никогда не выстрелят - лицом к лицу сталкивает нас с мощью техники и слабостью человека перед ней.
Первоочередной задачей Японии, без объявления войны напавшей на Россию, было захватить Порт-Артур и Владивосток, и под обстрел японских кораблей тогда попал не столько сам город (перекидной огонь с акватории Уссурийского залива был не прицелен и город не повредил), сколько сооружения сухопутных укреплений - форты Суворова и Линевича, строящаяся в то время батарея Соболь, батареи полуострова Басаргина и Уссурийская батарея. Владивосток с его жителями и во Второй Мировой оставался относительно нейтральной для военных разрушений территорией, что наделяет каждого отдельного горожанина право выбирать самостоятельно, какой памятью наделять свою "прививку войной".
Включенная художником в финальный проект видеонарезка из горячих точек современного мира, визуально разделяя пространство места презентации на "тогда" и "сейчас", по факту предлагает зрителю, словно в беззаботном детстве, найти пресловутые 10 отличий между совсем не детскими последствиями военных конфликтов тогда и сейчас или и вовсе сразу поставить между этими промежутками времени знак "равно", не обнаружив эволюции в дипломатических успехах государств - тех и нынешних.
И следуя стоп-сигналу памяти, остается вспоминать строками Пикуля, как «лениво пошевеливая винтами, словно жирные моржи окоченевшими ластами, тяжкие громады броненосцев России ушли зимовать в Порт-Артур, а на рейде Владивостока, внезапно опустевшем, остались осиротелые крейсера — «Россия» и «Громобой», «Богатырь» и «Рюрик»*. Вся команда последнего пала, обороняясь, а единицы выживших были взяты в плен, и именно память об этом, увековеченная в архивах Музея Тихоокеанского флота и переосмысленная актуальным художником Ириной Петраковой, может стать для нас, современников, путеводителем по привычке предавать забвению все утраченное. А также причиной развеять сомнения в необратимости последствий войны. Развеять, словно порох.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
Мастерская арт-резиденции
ЦРМ, 5 вход
* Валентин Пикуль "Крейсера", 1985 г.
** Фото команды крейсера "Рюрик" - из архивов Музея Тихоокеанского флота
6 - 23 ФЕВРАЛЯ / КИНОЗАЛ ЦСИ ЗАРЯ
ОТКРЫТИЕ: 6 ФЕВРАЛЯ / 18:00 - 20:00
В рамках фестиваля (АНТИ)УТОПИЯ ЦСИ ЗАРЯ открывает выставку молодого владивостокского художника Кирилла Крючкова.
Работы Кирилла Крючкова выражают тревогу о мрачном будущем, которое настигнет человечество, если оно не прекратит жить по антигуманным законам. Художник предвидит войны, техногенные катастрофы, аварии и разорение природных богатств, а в результате - переселение людей на другие планеты, где они вынуждены создать справедливое общество, основанное на бережном распределении ресурсов и занижении потребительских нужд.
Спустя 480 лет экспедиция переселенцев возвращается на Землю в поисках оставшихся людей или сведений о том, как жили люди. Они изучают различные культурные слои: к которым относятся как сохранившиеся музейные коллекции, так и информация с найденных компьютеров, по которой они воспроизводят образ жизни прошлых поколений.
Характерными чертами его работ является яркая цветовая палитра, повторяемость геометрических элементов, а также упрощенность перспективы, что позволяет отсылать к опыту художников начала ХХ века. Смешанная техника, коллажность, глубина цвета и соприсутствие фигуративных элементов вместе с абстрактными выдают влияние художественного языка Пауля Клее, чье творчество искусствоведы относят к разным стилям, от символизма и кубизма до примитивизма, но которое не поддается однозначной классификации.
Однако в отличие от знаменитого предшественника Крючков почти всегда выбирает конкретные сюжеты и пейзажи из окружающей его реальности, в первую очередь фиксируя и развивая опыт воспроиятия городского пространства, в котором он создает свои уличные проекты. Граффити-работы Кирилла Крючкова можно видеть на многих уличных поверхностях во Владивостоке.
Кирилл Крючков
Родился в 1989 году в г. Холмск (Сахалинская область).
Живет и работает во Владивостоке.
В 2008 году окончил Приморский политехнический техникум по специальности "Архитектура и дизайн".
В 2014 году окончил ДВГУ (Дальневосточный Государственный Университет) по специальности "Графический дизайн".
Групповые выставки (избранное):
2009 / "Аэрозоль". Выставка граффити. Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
2011 / "Зарядъ". Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
2012 / SOV/COВ. Приморское отделение Союза художников, г. Владивосток
2012 / "Зарядъ-2. Фуникулёр". Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
Персональные выставки:
2014 / Галерея "Горячая вилка", г. Владивосток
Участник городских граффити-фестивалей, автор ряда граффити на улицах Владивостока.
6 - 23 ФЕВРАЛЯ / КИНОЗАЛ ЦСИ ЗАРЯ
ОТКРЫТИЕ: 6 ФЕВРАЛЯ / 18:00 - 20:00
В рамках фестиваля (АНТИ)УТОПИЯ ЦСИ ЗАРЯ открывает выставку молодого владивостокского художника Кирилла Крючкова.
Работы Кирилла Крючкова выражают тревогу о мрачном будущем, которое настигнет человечество, если оно не прекратит жить по антигуманным законам. Художник предвидит войны, техногенные катастрофы, аварии и разорение природных богатств, а в результате - переселение людей на другие планеты, где они вынуждены создать справедливое общество, основанное на бережном распределении ресурсов и занижении потребительских нужд.
Спустя 480 лет экспедиция переселенцев возвращается на Землю в поисках оставшихся людей или сведений о том, как жили люди. Они изучают различные культурные слои: к которым относятся как сохранившиеся музейные коллекции, так и информация с найденных компьютеров, по которой они воспроизводят образ жизни прошлых поколений.
Характерными чертами его работ является яркая цветовая палитра, повторяемость геометрических элементов, а также упрощенность перспективы, что позволяет отсылать к опыту художников начала ХХ века. Смешанная техника, коллажность, глубина цвета и соприсутствие фигуративных элементов вместе с абстрактными выдают влияние художественного языка Пауля Клее, чье творчество искусствоведы относят к разным стилям, от символизма и кубизма до примитивизма, но которое не поддается однозначной классификации.
Однако в отличие от знаменитого предшественника Крючков почти всегда выбирает конкретные сюжеты и пейзажи из окружающей его реальности, в первую очередь фиксируя и развивая опыт воспроиятия городского пространства, в котором он создает свои уличные проекты. Граффити-работы Кирилла Крючкова можно видеть на многих уличных поверхностях во Владивостоке.
Кирилл Крючков
Родился в 1989 году в г. Холмск (Сахалинская область).
Живет и работает во Владивостоке.
В 2008 году окончил Приморский политехнический техникум по специальности "Архитектура и дизайн".
В 2014 году окончил ДВГУ (Дальневосточный Государственный Университет) по специальности "Графический дизайн".
Групповые выставки (избранное):
2009 / "Аэрозоль". Выставка граффити. Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
2011 / "Зарядъ". Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
2012 / SOV/COВ. Приморское отделение Союза художников, г. Владивосток
2012 / "Зарядъ-2. Фуникулёр". Музей современного искусства "Артэтаж", г. Владивосток
Персональные выставки:
2014 / Галерея "Горячая вилка", г. Владивосток
Участник городских граффити-фестивалей, автор ряда граффити на улицах Владивостока.
Новая персональная выставка Гоши Острецова включила в себя элементы одного из самых известных проектов художника – «Новое Правительство» («НП») и получила развитие этой темы в новой серии работ, созданных во Владивостоке специально для ЦСИ ЗАРЯ.
В качестве флагманского объекта выставки художник создал во Владивостоке автомобиль «Нового правительства», который проехал по Золотому мосту, посетил видовую площадку над фуникулером и остановился в выставочном зале.
Утопия искусства «Новое правительство» - это художественная демонстрация утопической политической силы. Новая власть лишена человеческих страстей и желаний, лица беспристрастных правителей спрятаны под масками, которые воплощают новый эффективный и исключительный механизм власти с ее рычагами манипуляции массовым сознанием.
Как любое правительство, «НП» нуждается в автотранспорте, который бы транслировал его силу, мощь и высокую технологичность. Прерванная история советских автомобилей-фетишей пока не видит своего продолжения, но питает образами Георгия Острецова, работающего над пластическим воплощением его фантастической идеи.
«Владивосток – интересный город, поэтому во время обсуждения грядущей выставки пришла идея сделать здесь специальный проект. Я стал изучать основные проблемы и специфику региона, обратился к национальной идее отечественного автомобиля. Транспортная тема показалась мне очень актуальной. Владивосток – один из автомобильных центров страны. А построенные к саммиту АТЭС дороги и мосты можно воспринимать как правительственную трассу, своеобразную «золотую дорогу президента». Эта тема меня вдохновила на создание такого концепт-кара для первого лица государства, который мог бы передвигаться и одновременно был бы художественным произведением. В родившемся образе автомобиля есть элементы из футурологических экспериментов 60-х годов в области машиностроения и фантастическая идея о «Новом правительстве», которую я разрабатываю уже больше 15 лет», – рассказал о проекте Георгий Острецов.
ВНИМАНИЕ: вход в выставочный зал - только для лиц старше 18 лет или при разрешении родителей по причине наличия сцен сексуального характера. Вход в зал с автомобилем - свободный для всех.
Георгий Острецов - один из самых востребованных и ярких художников современной России. Он стал известен почти тридцать лет назад участием в нонконформистских выставках художественных групп «Детский сад» (1985-86) и «George & George» (Георгий Острецов и Георгий Литичевский) (1985).
В 1989 г. художник уезжает в Париж, где работает в художественных и фэшн-проектах, сотрудничает с Люком Бессоном - делает латексные маски для его фильмов, работает у Жан-Чарльза де Кастельбажака и у Жан-Поля Готье.
В Париже Острецов создает основные пластические элементы своего будущего мега-проекта «Новое Правительство» (НП), концепцию которого формулирует, уже вернувшись в Россию.
C 1998 Гоша живет и работает в Москве.
В 2007 году его персональная выставка «РЕМОНТ» проходит в Московском музее современного искусства.
В 2009 году представляет Россию на 53-ей Венецианской биеннале.
В 2012 году его проект «Криминальное правительство» представлен в Галерее Саатчи в Лондоне в рамках проекта "Веселье - самая выдающаяся черта Советского Союза: Искусство из России".
Работы Георгия Острецова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного центра современного искусства и Русского музея.
Выставка режиссера Александра Шейна основана на материалах документального исследования для фильма «Тимур Новиков. Ноль объект»** о ленинградском андерграунде восьмидесятых – нулевых, который сейчас выходит на большой экран. Используя материалы фильма, над которым Шейн работал 4 года, он режиссирует выставку, в которой рассматривает хронику под другим углом, анализирует свой опыт и рассказывает альтернативную историю времени.
В основу выставки Шейн помещает 37 стоп-кадров из фильма, которые служат временной разметкой с 1976 года по сегодняшний день. Исторические хроники этих лет стали каркасом фильма «Тимур Новиков. Ноль объект » не случайно – именно в эту эпоху рождается художественная революция 80-х, ключевыми фигурами которой были герои ленинградского андерграунда - Тимур Новиков, Виктор Цой, Сергей Курехин, Сергей «Африка» Бугаев, Георгий Гурьянов и Владислав Мамышев-Монро.
Однако в выставке Шейн говорит не столько о времени и поколении Тимура Новикова и его соратников, сколько о собственном восприятии рубежных отметок, размечающих исторический ландшафт: «Это инъекции в подсознание зрителя очень важных и канонических образов, которые не всегда находятся на поверхности, но они всегда провоцируют вас на ответную реакцию, вашу внутреннюю. Вы соединены с ними. Эта ответная реакция есть способ самоидентификации во времени и пространстве.» - считает режиссер.
Основным медиа выставки становится стоп-кадр, который интересен Шейну тем, что не подчиняется правилам ни кино, ни художественной фотографии. По определению Анри Бергсона кино – это 24 плохих фотографии в секунду. Соответственно, стоп-кадр - одна из 24 плохих фотографий в секунду, - лишен своей органичной функции и вырван из контекста и кино и фотографии. Такой кадр обретает функцию чистой репрезентации времени и дает огромный потенциал для возможных личностных интерпретаций. Так, сравнивая кино с добытой рудой, Александр Шейн не только изучает ее возможности, но и обогащает ее через новые формы разговора со зрителем внутри той же темы, но в другом регистре.
____
* «...есть у людей нечто такое, что у нас называется дивинация (divinatio), а у греков μαντική, т. е. способность предчувствовать и узнавать будущее. Это была бы, конечно, великолепная и спасительная вещь (если бы только она существовала в действительности), с ее помощью смертная природа могла бы вплотную приблизиться к божественной. Так что мы в этом, как и во многом другом, поступили лучше, чем греки, присвоив этой превосходнейшей способности название, производное от слова «divus» (божественный), между тем как греки, судя по толкованию Платона, произвели свое название от [слова «μανία», означающего] «исступление» (furor). - Марк Туллий Цицерон. Философские трактаты. М., «Наука», 1985
** Фильм снят при поддержка Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина
Выставка режиссера Александра Шейна основана на материалах документального исследования для фильма «Тимур Новиков. Ноль объект»** о ленинградском андерграунде восьмидесятых – нулевых, который сейчас выходит на большой экран. Используя материалы фильма, над которым Шейн работал 4 года, он режиссирует выставку, в которой рассматривает хронику под другим углом, анализирует свой опыт и рассказывает альтернативную историю времени.
В основу выставки Шейн помещает 37 стоп-кадров из фильма, которые служат временной разметкой с 1976 года по сегодняшний день. Исторические хроники этих лет стали каркасом фильма «Тимур Новиков. Ноль объект» не случайно – именно в эту эпоху рождается художественная революция 80-х, ключевыми фигурами которой были герои ленинградского андерграунда - Тимур Новиков, Виктор Цой, Сергей Курехин, Сергей «Африка» Бугаев, Георгий Гурьянов и Владислав Мамышев-Монро.
Однако в выставке Шейн говорит не столько о времени и поколении Тимура Новикова и его соратников, сколько о собственном восприятии рубежных отметок, размечающих исторический ландшафт: «Это инъекции в подсознание зрителя очень важных и канонических образов, которые не всегда находятся на поверхности, но они всегда провоцируют вас на ответную реакцию, вашу внутреннюю. Вы соединены с ними. Эта ответная реакция есть способ самоидентификации во времени и пространстве.» - считает режиссер.
Основным медиа выставки становится стоп-кадр, который интересен Шейну тем, что не подчиняется правилам ни кино, ни художественной фотографии. По определению Анри Бергсона кино – это 24 плохих фотографии в секунду. Соответственно, стоп-кадр - одна из 24 плохих фотографий в секунду, - лишен своей органичной функции и вырван из контекста и кино и фотографии. Такой кадр обретает функцию чистой репрезентации времени и дает огромный потенциал для возможных личностных интерпретаций. Так, сравнивая кино с добытой рудой, Александр Шейн не только изучает ее возможности, но и обогащает ее через новые формы разговора со зрителем внутри той же темы, но в другом регистре.
____
* «...есть у людей нечто такое, что у нас называется дивинация (divinatio), а у греков μαντική, т. е. способность предчувствовать и узнавать будущее. Это была бы, конечно, великолепная и спасительная вещь (если бы только она существовала в действительности), с ее помощью смертная природа могла бы вплотную приблизиться к божественной. Так что мы в этом, как и во многом другом, поступили лучше, чем греки, присвоив этой превосходнейшей способности название, производное от слова «divus» (божественный), между тем как греки, судя по толкованию Платона, произвели свое название от [слова «μανία», означающего] «исступление» (furor). - Марк Туллий Цицерон. Философские трактаты. М., «Наука», 1985
** Фильм снят при поддержка Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина
3 октября в Центре современного искусства ЗАРЯ открывается персональная выставка Георгия Острецова «АВТОТРАНС «НП», которая начнется с создания отечественного, владивостокского фантастического автомобиля. Автомобиль «Нового правительства» проедет по вантовым мостам и другим видовым маршутам Владивостока и остановится в выставочных залах.
Новая персональная выставка Гоши Острецова включит в себя элементы одного из самых известных проектов художника «Новое Правительство» («НП») - и развитие этой темы в новой серии работ, созданных во Владивостоке специально для Зари, включающей в себя фантастический автомобиль «НП».
Утопия искусства «Новое правительство» - это демонстрация утопической политической силы, реализованная в легкочитаемых и ярких образах политических, общественных и эстетических феноменов. Новая власть лишена человеческих страстей и желаний, лица беспристрастных правителей спрятаны под масками, которые воплощают новый эффективный и исключительный механизм власти с ее рычагами манипуляции массовым сознанием.
В середине 2000-х, когда проект «НП» был реализован, эта остроумная социальная критика была точной и как никогда актуальной, но одновременно в высшей мере ироничной и изобретательной. В пластическом воплощении проекта Острецов использует эстетику комикса, которая переформатирует пафос тоталитарного сообщения в содержательное и эмоциональное высказывание.
Как любое правительство, «НП» нуждается в автотранспорте, который бы транслировал его силу, мощь и высокую технологичность. Прерванная история советских автомобилей-фетишей пока не видит своего продолжения, но питает образами Георгия Острецова, работающего над пластическим воплощением его фантастической идеи.
АВТОТРАНС – это авангардная десант-утопия, которая призвана начать альтернативную автоисторию России с Востока на Запад.
-
Георгий Острецов - один из самых востребованных и ярких художников современной России. Он стал известен почти тридцать лет назад участием в нонконформистских выставках художественных групп «Детский сад» (1985-86) и «George & George» (Георгий Острецов и Георгий Литичевский) (1985).
В 1989 г. художник уезжает в Париж, где работает в художественных и фэшн-проектах, сотрудничает с Люком Бессоном - делает латексные маски для его фильмов, работает у Жан-Чарльза де Кастельбажака и у Жан-Поля Готье.
В Париже Острецов создает основные пластические элементы своего будущего мега-проекта «Новое Правительство» (НП), концепцию которого формулирует, уже вернувшись в Россию.
C 1998 Гоша живет и работает в Москве.
В 2007 году его персональная выставка «РЕМОНТ» проходит в Московском музее современного искусства,
В 2009 году представляет Россию на 53-ей Венецианской биеннале.
В 2012 году его проект «Криминальное правительство» представлен в Галерее Саатчи в Лондоне в рамках проекта "Веселье - самая выдающаяся черта Советского Союза: Искусство из России"
Работы Георгия Острецова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного центра современного искусства и Русского музея.
Проект Павла Зюмкина RAZZLE DAZZLE открывает цикл событий в стрит-арт серии «Пространства/The Spaces».
Организованный Центром современного искусства ЗАРЯ цикл «ПРОСТРАНСТВА/ THE SPACES» - это не новый для Владивостока формат художественного высказывания, который работает с городскими поверхностями. Пожалуй, Владивосток один из немногих городов в России с высокой концентрацией уличного искусства на стенах. Новизна проекта для города заключается в том, что он ориентирован не только на художественное самовыражение авторов, но и на публичное высказывание, дискуссию и аналитику актуальных проблем и концептуализацию художественных процессов.
Поверхность, с которой предстоит работать Павлу Зюмкину, – подпорная стена, расположенная на фабрике «Заря» - является не панорамным фасадом, а частью большого пост-индустриального объекта, в котором постоянно находятся люди с их рабочими циклами и где они также паркуют машины. Эту повседневную функцию места Павел Зюмкин использует в своем исследовании как одну из ключевых черт контекста, учитывая также особый рельефный ландшафт города и приморский, портовый характер Владивостока.
С учетом всех исходных данных рождается проект RAZZLE DAZZLE – маскировка места, которая отсылает к известному преценденту в истории коллабораций искусства и морского дела.
Во время первой мировой войны британский флот использовал изобретение художника Нормана Уилкинсон - максировка RAZZLE, созданная для защиты кораблей от немецкихторпед. Изобретение Уилкинсона вряд ли могло «спрятать» корабль, но усложняло наблюдение за кораблем из перископа , затрудняя выявление его очертаний, не давая возможности противнику отличить правый борт от левого, точно определить направление движения, дистанцию и скорость. Идею такой раскраски связывают с влиянием кубизма, но также с оп-артом, который сформировался как художественное течение гораздо познее, в 1960-х годах.
БИОГРАФИЯ
Родился 6 марта 1985 года в Зеленограде, окончил Московское художественное училище № 303 и не окончил Московский художественно промышленный институт.
Более 10 лет занимался разработкой айдентики, брендинга, а также проектами в области полиграфического и промышленного дизайна.
В последствии стал заниматься художественными проектами, перешагнув незримую грань между «дизайнером» и «художником», при этом в отличие от от большинства современных художников Зюмкин выстраивает свою работу используя принципы утилитарной визуализации послания.
Сфера интересов простирается от оптимизации повседневности горожанина в условиях сегодняшней и cиюминутной реальности сверхпотребления до чувственного и одновременно символического сохранения и переосмысления наследия эпохи — это выражается в сериях лоскутных одеял и ковров, березовых кирпичей и укрывании пледами памятников уважаемых людей.
Многие проекты не остаются герметичными лабораторными концептами, а получают свое реальное воплощение, например, карта движения автобусов Зеленограда, мост в Сыромятниках, «укрытый лоскутами», или ковры, развивающиеся на флагштоках зданий Москвы и Киева. Павлу Зюмкину удается включить в свои работы автохтонные коды русскости и совестскости.
28 АВГУСТА 19:00 / ВСТРЕЧА У ПОДПОРНОЙ СТЕНКИ
Проект Павла Зюмкина RAZZLE DAZZLE открывает цикл событий в стрит-арт серии «Пространства/The Spaces».
Организованный Центром современного искусства ЗАРЯ цикл «ПРОСТРАНСТВА/ THE SPACES» - это не новый для Владивостока формат художественного высказывания, который работает с городскими поверхностями. Пожалуй, Владивосток один из немногих городов в России с высокой концентрацией уличного искусства на стенах. Новизна проекта для города заключается в том, что он ориентирован не только на художественное самовыражение авторов, но и на публичное высказывание, дискуссию и аналитику актуальных проблем и концептуализацию художественных процессов.
Поверхность, с которой предстоит работать Павлу Зюмкину, – подпорная стена, расположенная на фабрике «Заря» - является не панорамным фасадом, а частью большого пост-индустриального объекта, в котором постоянно находятся люди с их рабочими циклами и где они также паркуют машины. Эту повседневную функцию места Павел Зюмкин использует в своем исследовании как одну из ключевых черт контекста, учитывая также особый рельефный ландшафт города и приморский, портовый характер Владивостока.
С учетом всех исходных данных рождается проект RAZZLE DAZZLE – маскировка места, которая отсылает к известному преценденту в истории коллабораций искусства и морского дела.
Во время первой мировой войны британский флот использовал изобретение художника Нормана Уилкинсон - максировка RAZZLE, созданная для защиты кораблей от немецких торпед. Изобретение Уилкинсона вряд ли могло «спрятать» корабль, но усложняло наблюдение за кораблем из перископа, затрудняя выявление его очертаний, не давая возможности противнику отличить правый борт от левого, точно определить направление движения, дистанцию и скорость. Идею такой раскраски связывают с влиянием кубизма, но также с оп-артом, который сформировался как художественное течение гораздо познее, в 1960-х годах.
БИОГРАФИЯ
Родился 6 марта 1985 года в Зеленограде, окончил Московское художественное училище № 303 и не окончил Московский художественно промышленный институт.
Более 10 лет занимался разработкой айдентики, брендинга, а также проектами в области полиграфического и промышленного дизайна
В последствии стал заниматься художественными проектами, перешагнув незримую грань между «дизайнером» и «художником», при этом в отличие от от большинства современных художников Зюмкин выстраивает свою работу используя принципы утилитарной визуализации послания.
Сфера интересов простирается от оптимизации повседневности горожанина в условиях сегодняшней и cиюминутной реальности сверхпотребления до чувственного и одновременно символического сохранения и переосмысления наследия эпохи — это выражается в сериях лоскутных одеял и ковров, березовых кирпичей и укрывании пледами памятников уважаемых людей.
Многие проекты не остаются герметичными лабораторными концептами, а получают свое реальное воплощение, например, карта движения автобусов Зеленограда, мост в Сыромятниках, «укрытый лоскутами», или ковры, развивающиеся на флагштоках зданий Москвы и Киева. Павлу Зюмкину удается включить в свои работы автохтонные коды русскости и совестскости